Holly Wilson (nacida en 1968) es una artista nativa americana de Oklahoma . Es miembro inscrito de la Nación Delaware y es de ascendencia Cherokee .
Wilson vive y trabaja en Mustang, Oklahoma . [1] Según Wilson, ella solía llamarse a sí misma escultora, artista de arcilla, fotógrafa, entre muchos otros antes de establecer el término "artista". [2] Como artista multimedia contemporánea , sus obras van desde el uso de pintura (óleo), bronce, arcilla, madera, pintura encáustica , fotografía y más. Sus obras de arte se exhiben a nivel nacional e internacional en colecciones privadas, públicas y de museos. [3]
Sus obras se inspiran en historias de nativos americanos que escuchó cuando era niña e incluyen temas como cambiaformas, embaucadores, pájaros mensajeros y portadores de búhos. [4] Sus esculturas a menudo presentan figuras parecidas a palos y animales con cualidades antropomórficas . [5]
Su sitio web profesional dice: "Holly Wilson crea figuras que le sirven como narradoras de historias para el mundo, transmitiendo historias de lo sagrado y lo precioso, capturando momentos de nuestros días, vulnerabilidades y fortalezas. Las historias son, al mismo tiempo, representaciones de historia familiar, así como experiencias personales. El trabajo de Wilson llega a una amplia audiencia, lo que permite al espectador la oportunidad de ver su conexión personal en diversos medios, incluidos bronces, pintura, encáustica, fotografía, vidrio y arcilla .
En 1992, Holly Wilson obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en cerámica del Kansas City Art Institute . En 1993, obtuvo su certificación de enseñanza en educación primaria y secundaria (K-12) de la Universidad Cameron en Lawton, Oklahoma . Obtuvo su Maestría en Cerámica en 1994 y su Maestría en Escultura en 2001 de la Universidad Estatal Stephen F. Austin en Texas. [3] [7]
Bloodline (2015) se encuentra en una instalación escultórica para colgar en la pared que mide 29 pulgadas de alto, 9 pulgadas de profundidad y 264 pulgadas de ancho. [8] Wilson rastreó su linaje nativo americano para compartir su identidad e historia familiar y demostrar la cantidad de sangre que se requiere para ser indio en su tribu. [9] Se inspiró en la historia de los nativos americanos del Stick People. Bloodline incluye varias secciones, cada una de las cuales posee una generación diferente de su familia. Las figuras con pátina de bronce forman una sola línea y caminan a lo largo de la madera tallada de algarrobo. Con la madera cortada a lo largo, su historia de vida se revela para que la vea el público, y el autor la usó para representar las vidas de las figuras que se encuentran sobre la madera. Cuando se cuelga y se proyecta luz sobre él, se crea una sombra. [8] Esa sombra son los recuerdos intangibles del artista que constituyen la vida de la figura en la historia. Al comienzo de la escultura mural están sus cinco hijos, incluidos tres que no sobrevivieron; la segunda sección está formada por sus hermanos y por ella misma; luego sus padres, y así sucesivamente. Con las figuras caminando juntas como una sola, enfatiza el esfuerzo conjunto de sus antepasados y sus descendientes para formar una familia. [9] [8]
En una reseña de 2021 en The National Review , el crítico Brian T. Allen destacó la obra como una de las favoritas de la exposición "Weaving History Into Art" en el Museo Gilcrease de Tulsa . "Me encantaron las cestas de Carol Emarthle Douglas y especialmente Bloodline de Holly Wilson. Es una escultura mural de 22 pies de largo. Encima de un largo trozo de madera de algarrobo cortado en segmentos iguales y ensamblado para que parezca una arteria, pequeñas figuras de bronce se procesionan en línea. Cada segmento representa una generación. El árbol está cortado a lo largo, para que los espectadores vean su propia historia. Los linajes determinan legalmente la elegibilidad para ser miembro tribal. Las figuras son anónimas y espectrales. La mayoría de nosotros sabemos poco sobre nuestra ascendencia, pero de todos modos es nuestra, única e influyente". [10]
We Need A Hero (2015) es una instalación escultórica de bronce fundido. Las tachuelas afiladas alojadas en la pared son bombas entrantes que representan mensajes provenientes de la sociedad. Los mensajes vienen en una variedad de formas y colores diferentes, lo que significa que no todos sobrevivirán ni llegarán muy lejos. Los mensajes azules son inofensivos, pero los blancos conducen a la destrucción porque son altamente explosivos. El niño, al que hizo referencia en honor a su hijo, se encuentra orgulloso sobre un avión de papel de bronce. Al colocar al niño en el centro del peligro inminente, Wilson está indicando que el niño está listo para enfrentar el mundo que se le presenta. [9]
Sus hijos y las cajas de crayones que les compró en la escuela la inspiraron a crear el medio Under the Skin . Lo que encendió la historia de la creación de esta escultura fue la conversación entre dos niños. Describieron a sus compañeros usando colores sin malas intenciones. Combinó los crayones sobrantes que habían usado sus hijos y con los colores vivos de los crayones, creó filas y filas de pequeñas figuras en la pared. Cada figura tenía su color designado y estaba ensamblada de manera que creaba un arco iris. El propósito de "Under the Skin" es mostrar que no importa el color de nuestra piel, la forma de nuestro cuerpo o nuestro origen, todos somos iguales. [11]
La Galería MA Doran incluye algunas de sus obras de arte, como "Dancing by the Light of the Fireflies She Was Herself", realizada con pinturas al óleo sobre tabla; " Frayed" y "Finding My Way Back" fueron realizados en bronce y pátina; "Llevado por el viento" con bronce; utilizando encáustica creó "Las promesas del mañana que ella tenía dentro" y " Hermano y hermana" con bronce, pátina y madera. [15] [17]
La Galería Bonner David tiene ocho obras de arte, entre ellas "Gathering" hecha de bronce, pátina y madera; "Paper Wings: Fearless", "Guarded Self" y "We Need a Hero", que se hicieron con bronce y pátina; "Night Garden" creado con encáustica (cera caliente) sobre un panel; "It's My Party" con pátina y bronce; "El Dragón Entretejido" elaborado en bronce, acero, cedro y pátina; y “La muchacha del vestido rojo” con cera fría y pintura al óleo sobre tabla. [18]
El Museo Eiteljorg de Indios Americanos y Arte Occidental exhibe sus esculturas como "Belonging" (2014) hecha de geodas y bronce, y "Masked" (2012) hecha de caoba africana y bronce. [19] [20]
Otras colecciones públicas incluyen:
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