Holly Wilson (nacida en 1968) es una artista indígena de Oklahoma . Es miembro inscripto de la Nación Delaware y es de ascendencia cherokee .
Wilson vive y trabaja en Mustang, Oklahoma . [1] Según Wilson, solía llamarse a sí misma escultora, artista de arcilla, fotógrafa, entre muchas otras cosas, antes de adoptar el término "artista". [2] Como artista multimedia contemporánea , sus obras abarcan desde el uso de pintura (óleo), bronce, arcilla, madera, pintura encáustica , fotografía y más. Sus obras de arte se exhiben a nivel nacional e internacional en colecciones privadas, públicas y de museos. [3]
Sus obras se inspiran en historias de los nativos americanos que escuchó cuando era niña e incluyen temas como cambiaformas, embaucadores, pájaros mensajeros y portadores de búhos. [4] Sus esculturas a menudo presentan figuras con forma de palo y animales con cualidades antropomórficas . [5]
En su sitio web profesional se afirma: "Holly Wilson crea figuras que sirven como narradoras de historias para el mundo, transmitiendo historias de lo sagrado y lo precioso, capturando momentos de nuestro día, vulnerabilidades y fortalezas. Las historias son, a la vez, representaciones de la historia familiar y experiencias personales. El trabajo de Wilson llega a una amplia audiencia, lo que permite al espectador la oportunidad de ver su conexión personal. Wilson trabaja en varios medios, incluidos bronces, pintura, encáustica, fotografía, vidrio y arcilla. [6]
En 1992, Holly Wilson obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en cerámica del Instituto de Arte de Kansas City . En 1993, obtuvo su certificación de enseñanza en educación primaria y secundaria (K-12) de la Universidad Cameron en Lawton, Oklahoma . Obtuvo su Maestría en Artes en cerámica en 1994 y su Maestría en Bellas Artes en escultura en 2001 de la Universidad Estatal Stephen F. Austin en Texas. [3] [7]
Bloodline (2015) es una instalación escultórica que cuelga en la pared y mide 29 pulgadas de alto, 9 pulgadas de profundidad y 264 pulgadas de ancho. [8] Wilson trazó su linaje nativo americano para compartir su identidad e historia familiar para demostrar la cantidad de quantum de sangre que se requiere para ser un indio en su tribu. [9] Se inspiró en la historia de los nativos americanos de Stick People. Bloodline incluye varias secciones, cada una de las cuales posee una generación diferente de su familia. Las figuras de pátina bronceada forman una sola línea y caminan a lo largo de la madera de langosta cortada. Con la madera cortada a lo largo, su historia de vida se revela para que la vea el público, y el autor usó eso para representar las vidas de las figuras que están de pie sobre la madera. Cuando se cuelga y se proyecta luz sobre ella, crea una sombra. [8] Esa sombra son los recuerdos intangibles de la artista que constituyen la vida de la figura en la historia. Liderando el comienzo de la escultura de pared están sus cinco hijos, incluidos tres que no sobrevivieron; la segunda sección consta de sus hermanos y ella misma; Luego sus padres, y así sucesivamente. Con las figuras caminando juntas como una sola, se enfatiza el esfuerzo conjunto de sus antepasados y su descendencia para construir una familia. [9] [8]
En una reseña de 2021 en The National Review , el crítico Brian T. Allen destacó la obra como una de las favoritas de la exposición "Weaving History Into Art" en el Museo Gilcrease de Tulsa . "Me encantaron las cestas de Carol Emarthle Douglas y especialmente Bloodline de Holly Wilson. Es una escultura de pared de 22 pies de largo. Sobre un largo trozo de madera de algarrobo cortado en segmentos iguales y ensamblado para que parezca una arteria, pequeñas figuras de bronce avanzan en línea. Cada segmento representa una generación. El árbol está cortado a lo largo, por lo que los espectadores ven su propia historia. Los linajes determinan legalmente la elegibilidad para la membresía tribal. Las figuras son anónimas y espectrales. La mayoría de nosotros sabemos poco sobre nuestra ascendencia, pero es nuestra de todos modos, única e influyente". [10]
Necesitamos un héroe (2015) es una instalación escultórica de bronce fundido. Las tachuelas afiladas clavadas en la pared son bombas que llegan y representan mensajes que llegan de la sociedad. Los mensajes vienen en una variedad de formas y colores diferentes, lo que significa que no todos sobrevivirán o llegarán muy lejos. Los mensajes azules son inofensivos, pero los blancos conducen a la destrucción porque son altamente explosivos. El niño pequeño, al que hizo referencia en honor a su hijo, se encuentra de pie orgulloso sobre un avión de papel de bronce. Al colocar al niño en el centro del peligro que se aproxima, Wilson indica que el niño está listo para enfrentar el mundo que se le presenta. [9]
Sus hijos y las cajas de crayones que les compró en la escuela la inspiraron a crear el medio de Under the Skin . Lo que encendió la historia de la creación de esta escultura fue la conversación entre dos niños. Describieron a sus compañeros de clase usando colores sin mala intención. Ella combinó los crayones que habían usado sus hijos y con los colores vivos de los crayones, creó filas y filas de pequeñas figuras en la pared. Cada figura tenía su color designado y estaba colocada de manera que creaba un arco iris. El propósito de "Under the Skin" es mostrar que, sin importar el color de nuestra piel, la forma de nuestro cuerpo o nuestro origen, todos somos iguales. [11]
La galería MA Doran incluye algunas de sus obras de arte, como "Dancing by the Light of the Fireflies She Was Herself", realizada con pinturas al óleo sobre panel; " Frayed" y "Finding My Way Back" fueron realizadas con bronce y pátina; "Carried in the Wind" con bronce; utilizando encáustica creó "The Promises of Tomorrow She Held Within", y " Brother and Sister" con bronce, pátina y madera. [15] [17]
La Galería Bonner David exhibe ocho obras de arte, entre ellas "Gathering", realizada en bronce, pátina y madera; "Paper Wings: Fearless", "Guarded Self" y "We Need a Hero" , realizadas con bronce y pátina; "Night Garden", creada con encáustica (cera caliente) sobre un panel; "It's My Party", realizada con pátina y bronce; "The Interwoven Dragon", realizada en bronce, acero, cedro y pátina; y "Girl in the Red Dress", realizada con cera fría y pintura al óleo sobre panel. [18]
El Museo Eiteljorg de Indios Americanos y Arte Occidental conserva sus esculturas como "Belonging" (2014), realizada en geodas y bronce, y "Masked" (2012), realizada en caoba africana y bronce. [19] [20]
Otras colecciones públicas incluyen:
{{cite web}}: CS1 maint: nombres numéricos: lista de autores ( enlace )