La historia del arte es el estudio de los objetos estéticos y la expresión visual en un contexto histórico y estilístico. [1] Tradicionalmente, la disciplina de la historia del arte enfatizaba la pintura, el dibujo, la escultura, la arquitectura, la cerámica y las artes decorativas; sin embargo, hoy en día, la historia del arte examina aspectos más amplios de la cultura visual , incluidos los diversos resultados visuales y conceptuales relacionados con una definición de arte en constante evolución. [2] [3] La historia del arte abarca el estudio de objetos creados por diferentes culturas alrededor del mundo y a lo largo de la historia que transmiten significado, importancia o utilidad principalmente a través de representaciones visuales.
Como disciplina, la historia del arte se distingue de la crítica de arte , que se ocupa de establecer un valor artístico relativo de obras individuales con respecto a otras de estilo comparable o sancionar un estilo o movimiento completo; y la teoría del arte o " filosofía del arte ", que se ocupa de la naturaleza fundamental del arte. Una rama de esta área de estudio es la estética , que incluye investigar el enigma de lo sublime y determinar la esencia de la belleza. Técnicamente, la historia del arte no es estas cosas, porque el historiador del arte utiliza el método histórico para responder a las preguntas: ¿Cómo llegó el artista a crear la obra?, ¿Quiénes fueron los mecenas?, ¿Quiénes fueron sus maestros?, ¿Quién fue el público?, ¿Quiénes fueron sus discípulos? ¿Qué fuerzas históricas moldearon la obra del artista y cómo él o ella y la creación, a su vez, afectaron el curso de los acontecimientos artísticos, políticos y sociales? Sin embargo, es cuestionable que muchas preguntas de este tipo puedan responderse satisfactoriamente sin considerar también cuestiones básicas sobre la naturaleza del arte. La actual brecha disciplinaria entre la historia del arte y la filosofía del arte (estética) a menudo obstaculiza esta investigación. [4]
La historia del arte es una práctica interdisciplinaria que analiza los diversos factores (culturales, políticos, religiosos, económicos o artísticos) que contribuyen a la apariencia visual de una obra de arte.
Los historiadores del arte emplean varios métodos en su investigación sobre la ontología y la historia de los objetos.
Los historiadores del arte suelen examinar las obras en el contexto de su época. En el mejor de los casos, esto se hace de una manera que respete las motivaciones e imperativos de su creador; teniendo en cuenta los deseos y prejuicios de sus patrocinadores y patrocinadores; con un análisis comparativo de temas y enfoques de colegas y docentes del creador; y con consideración de iconografía y simbolismo . En resumen, este enfoque examina la obra de arte en el contexto del mundo en el que fue creada.
Los historiadores del arte también suelen examinar el trabajo a través de un análisis de la forma; es decir, el uso que hace el creador de la línea, la forma , el color , la textura y la composición. Este enfoque examina cómo el artista utiliza un plano pictórico bidimensional o las tres dimensiones del espacio escultórico o arquitectónico para crear su arte. La forma en que se emplean estos elementos individuales da como resultado un arte representativo o no representacional . ¿El artista imita un objeto o la imagen se puede encontrar en la naturaleza? Si es así, es representacional. Cuanto más se acerca el arte a la imitación perfecta, más realista es . ¿El artista no está imitando, sino que se basa en el simbolismo o se esfuerza de manera importante por capturar la esencia de la naturaleza, en lugar de copiarla directamente? Si es así, el arte no es representativo, también llamado abstracto . El realismo y la abstracción existen en un continuo. El impresionismo es un ejemplo de un estilo representacional que no era directamente imitativo, sino que se esforzaba por crear una "impresión" de la naturaleza. Si la obra no es representacional y es una expresión de los sentimientos, anhelos y aspiraciones del artista o es una búsqueda de ideales de belleza y forma, la obra es no representacional o una obra de expresionismo .
Un análisis iconográfico es aquel que se centra en elementos de diseño particulares de un objeto. A través de una lectura atenta de tales elementos, es posible rastrear su linaje, y con ello extraer conclusiones respecto de los orígenes y trayectoria de estos motivos . A su vez, es posible realizar cualquier cantidad de observaciones sobre los valores sociales, culturales, económicos y estéticos de los responsables de producir el objeto.
Muchos historiadores del arte utilizan la teoría crítica para encuadrar sus investigaciones sobre los objetos. La teoría se utiliza con mayor frecuencia cuando se trata de objetos más recientes, aquellos de finales del siglo XIX en adelante. La teoría crítica en historia del arte a menudo se toma prestada de los estudiosos de la literatura e implica la aplicación de un marco analítico no artístico al estudio de los objetos de arte. Las teorías feminista , marxista , racial crítica , queer y poscolonial están bien establecidas en la disciplina. Al igual que en los estudios literarios, existe un interés entre los estudiosos por la naturaleza y el medio ambiente, pero aún está por determinar la dirección que esto tomará en la disciplina.
Los primeros escritos supervivientes sobre el arte que pueden clasificarse como historia del arte son los pasajes de la Historia natural de Plinio el Viejo ( c. 77-79 d. C. ), sobre el desarrollo de la escultura y la pintura griegas . [5] De ellos es posible rastrear las ideas de Jenócrates de Sición ( c. 280 a. C. ), un escultor griego que fue quizás el primer historiador del arte. [6] La obra de Plinio, si bien es principalmente una enciclopedia de las ciencias, ha sido influyente desde el Renacimiento en adelante. (Los pasajes sobre las técnicas utilizadas por el pintor Apeles c. (332-329 a. C.) han sido especialmente conocidos.) En la China del siglo VI se produjeron acontecimientos similares, aunque independientes, donde los escritores de China establecieron un canon de artistas dignos. la clase erudita-oficial. Estos escritores, siendo necesariamente competentes en caligrafía, eran ellos mismos artistas. Los artistas se describen en los Seis Principios de la Pintura formulados por Xie He . [7]
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Si bien desde hace mucho tiempo se han escrito y leído reminiscencias personales del arte y de los artistas (véase Lorenzo Ghiberti Commentarii , para conocer el mejor ejemplo temprano), [8] fue Giorgio Vasari, el pintor, escultor y autor toscano de las Vidas de los pintores más excelentes, Escultores y Arquitectos que escribieron la primera historia verdadera del arte. [9] Destacó la progresión y el desarrollo del arte, que supuso un hito en este campo. El suyo era un relato personal e histórico, que presentaba biografías de artistas italianos individuales, muchos de los cuales eran sus contemporáneos y conocidos personales. El más famoso de ellos fue Miguel Ángel .
Las ideas de Vasari sobre el arte fueron enormemente influyentes y sirvieron de modelo para muchos, incluidos en el norte de Europa el Schilder-boeck de Karel van Mander y la Teutsche Akademie de Joachim von Sandrart . [ cita necesaria ] El enfoque de Vasari dominó hasta el siglo XVIII, cuando se criticaron su relato biográfico de la historia. [ cita necesaria ]
Académicos como Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) criticaron el "culto" de Vasari a la personalidad artística y argumentaron que el verdadero énfasis en el estudio del arte debería estar en las opiniones del espectador erudito y no en el punto de vista del artista. Los escritos de Winckelmann fueron, pues, los inicios de la crítica de arte. Sus dos obras más notables que introdujeron el concepto de crítica de arte fueron Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst , publicada en 1755, poco antes de partir hacia Roma ( Fuseli publicó una traducción al inglés en 1765 bajo el título Reflexiones sobre la Pintura y escultura de los griegos ), y Geschichte der Kunst des Altertums ( Historia del arte en la Antigüedad ), publicado en 1764 (ésta es la primera vez que aparece la frase "historia del arte" en el título de un libro). [10] Winckelmann criticó los excesos artísticos de las formas barrocas y rococó , y jugó un papel decisivo en la reforma del gusto a favor del neoclasicismo más sobrio . Jacob Burckhardt (1818-1897), uno de los fundadores de la historia del arte, señaló que Winckelmann fue "el primero en distinguir entre los períodos del arte antiguo y en vincular la historia del estilo con la historia mundial". Desde Winckelmann hasta mediados del siglo XX, el campo de la historia del arte estuvo dominado por académicos de habla alemana. La obra de Winckelmann marcó así la entrada de la historia del arte en el discurso altamente filosófico de la cultura alemana.
Winckelmann fue leído con avidez por Johann Wolfgang von Goethe y Friedrich Schiller , quienes comenzaron a escribir sobre la historia del arte, y su relato del grupo de Laocoonte provocó una respuesta de Lessing . El surgimiento del arte como tema importante de especulación filosófica se solidificó con la aparición de la Crítica del juicio de Immanuel Kant en 1790, y fue impulsado por las Conferencias sobre estética de Hegel . La filosofía de Hegel sirvió de inspiración directa para la obra de Karl Schnaase . El Niederländische Briefe de Schnaase estableció los fundamentos teóricos de la historia del arte como disciplina autónoma, y su Geschichte der bildenden Künste , uno de los primeros estudios históricos de la historia del arte desde la antigüedad hasta el Renacimiento, facilitó la enseñanza de la historia del arte en las universidades de habla alemana. . El estudio de Schnaase se publicó simultáneamente con un trabajo similar de Franz Theodor Kugler .
Heinrich Wölfflin (1864-1945), que estudió con Burckhardt en Basilea, es el "padre" de la historia del arte moderno. Wölfflin enseñó en las universidades de Berlín, Basilea, Munich y Zurich. Varios estudiantes siguieron carreras distinguidas en historia del arte, incluidos Jakob Rosenberg y Frida Schottmüller . Introdujo un enfoque científico de la historia del arte, centrándose en tres conceptos. En primer lugar, intentó estudiar el arte utilizando la psicología, en particular aplicando la obra de Wilhelm Wundt . Sostuvo, entre otras cosas, que el arte y la arquitectura son buenos si se parecen al cuerpo humano. Por ejemplo, las casas eran buenas si sus fachadas parecían rostros. En segundo lugar, introdujo la idea de estudiar el arte mediante la comparación. Al comparar pinturas individuales entre sí, pudo hacer distinciones de estilo. Su libro Renacimiento y Barroco desarrolló esta idea y fue el primero en mostrar en qué se diferenciaban estos períodos estilísticos entre sí. A diferencia de Giorgio Vasari , a Wölfflin no le interesaban las biografías de los artistas. De hecho propuso la creación de una "historia del arte sin nombres". Finalmente, estudió arte basado en ideas de nación . Estaba particularmente interesado en saber si existía un estilo inherentemente "italiano" y otro inherentemente " alemán ". Este último interés quedó plenamente articulado en su monografía sobre el artista alemán Alberto Durero .
Contemporáneamente con la carrera de Wölfflin, se desarrolló una importante escuela de pensamiento histórico-artístico en la Universidad de Viena . La primera generación de la Escuela de Viena estuvo dominada por Alois Riegl y Franz Wickhoff , ambos alumnos de Moritz Thausing , y se caracterizó por una tendencia a reevaluar períodos olvidados o menospreciados de la historia del arte. Riegl y Wickhoff escribieron extensamente sobre el arte de la antigüedad tardía , que antes de ellos había sido considerado como un período de decadencia del ideal clásico. Riegl también contribuyó a la revalorización del barroco.
La siguiente generación de profesores en Viena incluyó a Max Dvořák , Julius von Schlosser , Hans Tietze, Karl Maria Swoboda y Josef Strzygowski . Varios de los historiadores del arte más importantes del siglo XX, incluido Ernst Gombrich , se graduaron en Viena en esta época. El término "Segunda Escuela de Viena" (o "Nueva Escuela de Viena") suele referirse a la siguiente generación de eruditos vieneses, incluidos Hans Sedlmayr , Otto Pächt y Guido Kaschnitz von Weinberg. Estos estudiosos comenzaron en la década de 1930 a volver al trabajo de la primera generación, particularmente a Riegl y su concepto de Kunstwollen , e intentaron desarrollarlo hasta convertirlo en una metodología histórica del arte en toda regla. Sedlmayr, en particular, rechazó el estudio minucioso de la iconografía, el mecenazgo y otros enfoques basados en el contexto histórico, prefiriendo concentrarse en las cualidades estéticas de una obra de arte. Como resultado, la Segunda Escuela de Viena se ganó una reputación de formalismo desenfrenado e irresponsable , y además estuvo influida por el racismo abierto de Sedlmayr y su pertenencia al partido nazi. Sin embargo, esta última tendencia no fue compartida por todos los miembros de la escuela; Pächt, por ejemplo, era judío y se vio obligado a abandonar Viena en los años treinta.
Nuestra comprensión del contenido simbólico del arte en el siglo XXI proviene de un grupo de académicos que se reunieron en Hamburgo en la década de 1920. Los más destacados entre ellos fueron Erwin Panofsky , Aby Warburg , Fritz Saxl y Gertrud Bing . Juntos desarrollaron gran parte del vocabulario que los historiadores del arte siguen utilizando en el siglo XXI. "Iconografía", cuyas raíces significan "símbolos de la escritura", se refiere a temas de arte derivados de fuentes escritas, especialmente las Escrituras y la mitología. "Iconología" es un término más amplio que se refiere a todo simbolismo, ya sea derivado de un texto específico o no. Hoy en día, los historiadores del arte a veces utilizan estos términos indistintamente.
Panofsky, en sus primeros trabajos, también desarrolló las teorías de Riegl, pero con el tiempo se preocupó más por la iconografía y, en particular, por la transmisión de temas relacionados con la antigüedad clásica en la Edad Media y el Renacimiento. En este sentido, sus intereses coincidían con los de Warburg, hijo de una familia adinerada que había montado una biblioteca en Hamburgo, dedicada al estudio de la tradición clásica en el arte y la cultura posteriores. Bajo los auspicios de Saxl, esta biblioteca se convirtió en un instituto de investigación, afiliado a la Universidad de Hamburgo , donde Panofsky enseñaba.
Warburg murió en 1929 y en la década de 1930 Saxl y Panofsky, ambos judíos, se vieron obligados a abandonar Hamburgo. Saxl se instaló en Londres, trayendo consigo la biblioteca de Warburg y estableciendo el Instituto Warburg . Panofsky se instaló en Princeton en el Instituto de Estudios Avanzados . En este sentido, formaron parte de una extraordinaria afluencia de historiadores del arte alemanes a la academia de habla inglesa en los años treinta. Estos académicos fueron en gran medida responsables de establecer la historia del arte como un campo de estudio legítimo en el mundo de habla inglesa, y la influencia de la metodología de Panofsky, en particular, determinó el curso de la historia del arte estadounidense durante una generación.
Heinrich Wölfflin no fue el único estudioso que invocó teorías psicológicas en el estudio del arte. Un giro inesperado en la historia de la crítica de arte se produjo en 1910 cuando el psicoanalista Sigmund Freud publicó un libro sobre el artista Leonardo da Vinci , en el que utilizó las pinturas de Leonardo para interrogar la psique y la orientación sexual del artista. Freud dedujo de su análisis que Leonardo probablemente era homosexual . En 1914 Freud publicó una interpretación psicoanalítica del Moisés de Miguel Ángel ( Der Moses des Michelangelo ). [11] Publicó esta obra poco después de leer Las Vidas de Vasari . Por razones desconocidas, publicó originalmente el artículo de forma anónima.
Aunque el uso de material póstumo para realizar psicoanálisis es controvertido entre los historiadores del arte, especialmente porque las costumbres sexuales de la época de Miguel Ángel y Leonardo y las de Freud son diferentes, a menudo se intenta.
Carl Jung también aplicó la teoría psicoanalítica al arte. Jung fue un psiquiatra suizo , un pensador influyente y fundador de la psicología analítica . El enfoque de Jung hacia la psicología enfatizaba la comprensión de la psique a través de la exploración de los mundos de los sueños , el arte, la mitología , la religión mundial y la filosofía . Gran parte del trabajo de su vida lo dedicó a explorar la filosofía, la alquimia , la astrología , la sociología , así como la literatura y las artes orientales y occidentales. Entre sus contribuciones más notables se encuentran su concepto de arquetipo psicológico , el inconsciente colectivo y su teoría de la sincronicidad . Jung creía que muchas experiencias percibidas como coincidencias no se debían simplemente al azar sino que, en cambio, sugerían la manifestación de eventos o circunstancias paralelas que reflejaban esta dinámica gobernante. [12] Sostuvo que un inconsciente colectivo y una imaginería arquetípica eran detectables en el arte. Sus ideas fueron particularmente populares entre los expresionistas abstractos estadounidenses en las décadas de 1940 y 1950. [13] Su trabajo inspiró el concepto surrealista de extraer imágenes de los sueños y el inconsciente.
Jung enfatizó la importancia del equilibrio y la armonía. Advirtió que los humanos modernos dependen demasiado de la ciencia y la lógica y se beneficiarían de integrar la espiritualidad y la apreciación del reino inconsciente. Su trabajo no sólo desencadenó el trabajo analítico de los historiadores del arte, sino que se convirtió en una parte integral de la creación artística. Jackson Pollock , por ejemplo, creó una famosa serie de dibujos para acompañar sus sesiones con su analista junguiano, Joseph Henderson. Henderson, quien más tarde publicó los dibujos en un texto dedicado a las sesiones de Pollock, se dio cuenta de lo poderosos que eran los dibujos como herramienta terapéutica. [14]
El legado del psicoanálisis y la psicología analítica en la historia del arte ha sido profundo y se extiende más allá de Freud y Jung. La destacada historiadora del arte feminista Griselda Pollock, por ejemplo, recurre al psicoanálisis tanto en su lectura del arte contemporáneo como en su relectura del arte modernista. Con la lectura de Griselda Pollock del psicoanálisis feminista francés y, en particular, de los escritos de Julia Kristeva y Bracha L. Ettinger , así como con las lecturas de Rosalind Krauss de Jacques Lacan y Jean-François Lyotard y la relectura curatorial del arte de Catherine de Zegher, la teoría feminista escrita en Los campos del feminismo y el psicoanálisis franceses han influido fuertemente en el replanteamiento de los artistas tanto hombres como mujeres en la historia del arte.
A mediados del siglo XX, los historiadores del arte adoptaron la historia social utilizando enfoques críticos. El objetivo era mostrar cómo el arte interactúa con las estructuras de poder en la sociedad. Uno de esos enfoques críticos fue el marxismo. La historia del arte marxista intentó mostrar cómo el arte estaba vinculado a clases específicas, cómo las imágenes contienen información sobre la economía y cómo las imágenes pueden hacer que el status quo parezca natural ( ideología ). [1]
Marcel Duchamp y el movimiento dadaísta impulsaron el estilo antiarte. Los artistas alemanes, molestos por la Guerra Mundial en 1914, querían crear obras de arte que fueran disconformes y tuvieran como objetivo destruir los estilos artísticos tradicionales. Estos dos movimientos ayudaron a otros artistas a crear piezas que no eran vistas como arte tradicional. Algunos ejemplos de estilos que se derivaron del movimiento antiarte serían el neodadaísmo, el surrealismo y el constructivismo. Estos estilos y artistas no querían rendirse a las formas tradicionales de arte. Esta forma de pensar provocó movimientos políticos como la Revolución Rusa y los ideales comunistas. [15]
La obra de arte del artista Isaak Brodsky Shock Workers from Dnieprostroi en 1932 muestra su participación política dentro del arte. Esta obra de arte puede analizarse para mostrar los problemas internos que estaba experimentando la Rusia soviética en ese momento. Quizás el marxista más conocido fue Clement Greenberg , que saltó a la fama a finales de la década de 1930 con su ensayo " Avant-Garde and Kitsch ". [16] En el ensayo, Greenberg afirmó que la vanguardia surgió para defender los estándares estéticos del declive del gusto involucrado en la sociedad de consumo , y de ver el kitsch y el arte como opuestos. Greenberg afirmó además que el arte modernista y de vanguardia era un medio para resistir la nivelación de la cultura producida por la propaganda capitalista . Greenberg se apropió de la palabra alemana " kitsch " para describir este consumismo, aunque desde entonces sus connotaciones han cambiado a una noción más afirmativa de materiales sobrantes de la cultura capitalista. Greenberg ahora es bien conocido por examinar y criticar las propiedades formales del arte moderno.
Meyer Schapiro es uno de los historiadores del arte marxista más recordados de mediados del siglo XX. Después de graduarse de la Universidad de Columbia en 1924, regresó a su alma mater para enseñar arte bizantino, paleocristiano y medieval junto con teoría de la historia del arte. [4] Aunque escribió sobre numerosos períodos de tiempo y temas artísticos, es mejor recordado por sus comentarios sobre la escultura de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento.
Arnold Hauser escribió el primer estudio marxista del arte occidental, titulado La historia social del arte . Intentó mostrar cómo la conciencia de clase se reflejaba en los principales períodos del arte. El libro fue controvertido cuando se publicó en 1951 debido a sus generalizaciones sobre épocas enteras, una estrategia ahora llamada " marxismo vulgar ".
La historia del arte marxista fue refinada por académicos como TJ Clark , Otto Karl Werckmeister , David Kunzle, Theodor W. Adorno y Max Horkheimer . TJ Clark fue el primer historiador del arte que escribió desde una perspectiva marxista y abandonó el marxismo vulgar . Escribió historias del arte marxista de varios artistas impresionistas y realistas , entre ellos Gustave Courbet y Édouard Manet . Estos libros se centraron estrechamente en los climas políticos y económicos en los que se creó el arte. [17]
El ensayo de Linda Nochlin " ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas? " ayudó a encender la historia del arte feminista durante la década de 1970 y sigue siendo uno de los ensayos más leídos sobre artistas femeninas. A esto le siguió un panel de la Asociación de Arte Universitario de 1972 , presidido por Nochlin, titulado "El erotismo y la imagen de la mujer en el arte del siglo XIX". En una década, decenas de artículos, artículos y ensayos mantuvieron un impulso creciente, impulsado por el movimiento feminista de la segunda ola , de discurso crítico en torno a las interacciones de las mujeres con las artes como artistas y sujetos. En su ensayo pionero, Nochlin aplica un marco crítico feminista para mostrar la exclusión sistemática de las mujeres de la formación artística, argumentando que la exclusión de la práctica del arte, así como de la historia canónica del arte, fue consecuencia de condiciones culturales que restringieron y restringieron a las mujeres de los campos de producción artística. . [18] Los pocos que tuvieron éxito fueron tratados como anomalías y no proporcionaron un modelo para el éxito posterior. Griselda Pollock es otra destacada historiadora del arte feminista, cuyo uso de la teoría psicoanalítica se describe anteriormente.
Si bien la historia del arte feminista puede centrarse en cualquier período y lugar, se ha prestado mucha atención a la era moderna. Parte de esta beca se centra en el movimiento artístico feminista , que se refería específicamente a la experiencia de las mujeres. A menudo, la historia del arte feminista ofrece una "relectura" crítica del canon del arte occidental, como la reinterpretación de Carol Duncan de Les Demoiselles d'Avignon . Dos pioneras en este campo son Mary Garrard y Norma Broude . Sus antologías Feminismo e historia del arte: cuestionamiento de la letanía , El discurso en expansión: feminismo e historia del arte y Reclamación de la agencia feminista: historia del arte feminista después del posmodernismo son esfuerzos sustanciales para incorporar perspectivas feministas al discurso de la historia del arte. La pareja también cofundó la Conferencia de Historia del Arte Feminista. [19]
A diferencia de la iconografía que busca identificar el significado, la semiótica se preocupa por cómo se crea el significado. Los significados connotados y denotados por Roland Barthes son fundamentales para este examen. En cualquier obra de arte en particular, una interpretación depende de la identificación del significado denotado [20] —el reconocimiento de un signo visual y el significado connotado [21] —las asociaciones culturales instantáneas que vienen con el reconocimiento. La principal preocupación del historiador del arte semiótico es encontrar formas de navegar e interpretar significados connotados. [22]
La historia del arte semiótica busca descubrir el significado o significados codificados en un objeto estético examinando su conexión con una conciencia colectiva . [23] Los historiadores del arte no suelen comprometerse con ningún tipo particular de semiótica, sino que construyen una versión amalgamada que incorporan a su colección de herramientas analíticas. Por ejemplo, Meyer Schapiro tomó prestado el significado diferencial de Saussure en un esfuerzo por leer los signos tal como existen dentro de un sistema. [24] Según Schapiro, para comprender el significado de frontalidad en un contexto pictórico específico, se debe diferenciar o ver en relación con posibilidades alternativas como un perfil o una vista de tres cuartos . Schapiro combinó este método con el trabajo de Charles Sanders Peirce, cuyo objeto, signo e interpretante proporcionaron una estructura para su enfoque. Alex Potts demuestra la aplicación de los conceptos de Peirce a la representación visual examinándolos en relación con la Mona Lisa . Ver a la Mona Lisa , por ejemplo, como algo más allá de su materialidad es identificarla como un signo. Entonces se reconoce que se refiere a un objeto fuera de sí mismo, una mujer o Mona Lisa . La imagen no parece denotar ningún significado religioso y, por tanto, se puede suponer que se trata de un retrato. Esta interpretación conduce a una cadena de posibles interpretaciones: ¿quién fue el modelo en relación con Leonardo da Vinci ? ¿Qué importancia tenía ella para él? O tal vez sea un ícono para toda la mujer. Esta cadena de interpretación, o "semiosis ilimitada", es interminable; El trabajo del historiador del arte es tanto poner límites a las posibles interpretaciones como revelar nuevas posibilidades. [25]
La semiótica opera bajo la teoría de que una imagen sólo puede entenderse desde la perspectiva del espectador. El artista es suplantado por el espectador como proveedor de significado, incluso en la medida en que una interpretación sigue siendo válida independientemente de si el creador la tenía intención. [25] Rosalind Krauss abrazó este concepto en su ensayo "En el nombre de Picasso". Denunció el monopolio del artista sobre el significado e insistió en que el significado sólo puede derivarse después de que la obra ha sido retirada de su contexto histórico y social. Mieke Bal argumentó de manera similar que el significado ni siquiera existe hasta que el espectador observa la imagen. Sólo después de reconocer esto el significado puede abrirse a otras posibilidades como el feminismo o el psicoanálisis. [26]
Los aspectos del tema que han pasado a primer plano en las últimas décadas incluyen el interés en el patrocinio y el consumo de arte, incluida la economía del mercado del arte, el papel de los coleccionistas, las intenciones y aspiraciones de quienes encargan obras y las reacciones de los contemporáneos. y más tarde espectadores y propietarios. Los estudios de museos , incluida la historia del coleccionismo y exhibición en museos, son ahora un campo de estudio especializado, al igual que la historia del coleccionismo.
Los avances científicos han hecho posible una investigación mucho más precisa de los materiales y técnicas utilizadas para crear las obras, especialmente las técnicas fotográficas de infrarrojos y rayos X , que han permitido volver a ver muchos dibujos inferiores de las pinturas, incluidas figuras que habían sido eliminadas de la pieza. . Ahora es posible realizar un análisis adecuado de los pigmentos utilizados en la pintura, lo que ha alterado muchas atribuciones. La dendrocronología de pinturas sobre paneles y la datación por radiocarbono de objetos antiguos en materiales orgánicos han permitido que los métodos científicos de datación de objetos confirmen o alteren fechas derivadas de análisis estilísticos o pruebas documentales. El desarrollo de la buena fotografía en color, ahora disponible digitalmente y disponible en Internet o por otros medios, ha transformado el estudio de muchos tipos de arte, especialmente aquellos que abarcan objetos existentes en grandes cantidades y muy dispersos entre colecciones, como los manuscritos iluminados y Miniaturas persas y muchos tipos de obras de arte arqueológicas.
Paralelamente a esos avances tecnológicos, los historiadores del arte han mostrado un interés creciente en nuevos enfoques teóricos sobre la naturaleza de las obras de arte como objetos. La teoría de las cosas , la teoría del actor-red y la ontología orientada a objetos han desempeñado un papel cada vez más importante en la literatura de historia del arte.
La creación de arte, la historia académica del arte y la historia de los museos de arte están estrechamente entrelazadas con el surgimiento del nacionalismo. De hecho, el arte creado en la era moderna ha sido a menudo un intento de generar sentimientos de superioridad nacional o amor por el propio país . El arte ruso es un ejemplo especialmente bueno de esto, ya que la vanguardia rusa y más tarde el arte soviético fueron intentos de definir la identidad de ese país.
Napoleón Bonaparte también fue conocido por encargar obras que enfatizaban la fuerza de Francia bajo su gobierno.
El romanticismo occidental proporcionó una nueva apreciación del país de origen o del nuevo país de origen. Monk by the Sea (1808 o 1810) , de Caspar David Friedrich , establece una escena sublime que representa la abrumadora belleza y fuerza de la costa alemana en el Mar Báltico. En la infancia de las colonias americanas, la gente creía que su destino era explorar la naturaleza salvaje occidental. Artistas que se habían formado en la Hudson River School de Nueva York, se dieron a la tarea de presentar la tierra desconocida como pintoresca y sublime a la vez.
La mayoría de los historiadores del arte que trabajan hoy en día identifican su especialidad como el arte de una cultura, período o movimiento en particular, como el arte alemán del siglo XIX o el arte chino contemporáneo. Un enfoque en la nacionalidad tiene profundas raíces en la disciplina. De hecho, las Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos de Vasari son un intento de mostrar la superioridad de la cultura artística florentina, y los escritos de Heinrich Wölfflin (especialmente su monografía sobre Alberto Durero ) intentan distinguir los estilos de arte italiano y alemán. arte.
Muchos de los museos de arte más grandes y mejor financiados del mundo, como el Louvre , el Museo de Victoria y Alberto y la Galería Nacional de Arte de Washington, son de propiedad estatal. De hecho, la mayoría de los países tienen una galería nacional , con la misión explícita de preservar el patrimonio cultural propiedad del gobierno (independientemente de qué culturas crearon el arte) y una misión a menudo implícita de reforzar el propio patrimonio cultural de ese país . La Galería Nacional de Arte muestra así arte realizado en los Estados Unidos , pero también posee objetos de todo el mundo.
La disciplina de la historia del arte se divide tradicionalmente en especializaciones o concentraciones basadas en épocas y regiones, con subdivisiones adicionales basadas en los medios.
En Estados Unidos, la organización de historia del arte más importante es la College Art Association . [27] Organiza una conferencia anual y publica el Art Bulletin y el Art Journal . Existen organizaciones similares en otras partes del mundo, así como para especializaciones, como historia de la arquitectura e historia del arte del Renacimiento. En el Reino Unido, por ejemplo, la Asociación de Historiadores del Arte es la principal organización y publica una revista titulada Historia del Arte .
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