Gladys Goldstein (1918 - 13 de marzo de 2010) fue una artista estadounidense que vivió y trabajó dentro de la comunidad artística de Baltimore , Maryland. Habiendo comenzado como artista figurativa especializada en retratos, logró reconocimiento primero por abstracciones que se basaban claramente en formas naturales y más tarde por abstracciones cuyo origen en formas naturales era imperceptible. [1] Fue conocida por su hábil manejo de la luz y el color en estas obras: atmosféricas y sutiles en algunas de ellas, intensas y estridentes en otras. Algunos críticos vieron un impulso impresionista en sus pinturas, mientras que otros notaron una capacidad expresionista para imbuirlas de emoción. En 1958, un crítico dijo: "En la naturaleza, la Sra. Goldstein encuentra un cambio constante de estado de ánimo a través de patrones, ritmos, color; extravagante ahora, melancólicamente delicada mañana; luz, luz que se refleja, luz que se absorbe, luz que está cargada con la flotabilidad del champán o tan tranquilamente, tristemente romántica, como cualquier pasaje de Baudelaire". [1] Goldstein eligió ser una artista regional. Expuso ocasionalmente en otros lugares, pero no promovió activamente su carrera fuera de una región del Atlántico medio centrada en Baltimore. Enseñó arte durante la mayor parte de su extensa carrera, primero en clases impartidas en centros comunitarios y luego en el College of Notre Dame de Baltimore .
Nació en Ohio y fue traída a Baltimore cuando su familia se mudó allí en 1920. Tomó clases de arte cuando era niña. [1] Después de graduarse de la Western High School de esa ciudad , asistió, sucesivamente, a las universidades Johns Hopkins y Columbia , a la Art Students League de Nueva York y al Maryland Institute College of Art . [2] Mientras tomaba aún más clases de arte en una sesión de verano en el Pennsylvania State College , decidió convertirse en artista profesional. [1]
Al principio de su carrera utilizó Gladys V. Hack como su nombre profesional. A finales de la década de 1940, Goldstein se unió al Art Group de la sucursal de Baltimore, National League of American Pen Women . [3] El grupo realizó exposiciones anuales del arte de los miembros en el Museo Peale . Se decía que el arte en exhibición era predominantemente figurativo y las contribuciones de Goldstein eran principalmente retratos. [1] [4] En 1950 se convirtió en directora del Art Group y un año después fue corresponsable de organizar la muestra anual de la sucursal de Baltimore. [5] En 1952 participó en una exposición en la National Gallery of Art en Washington, DC, que se celebró durante la convención bienal de la National League. [6] Un año después, participó en una gran exposición de artistas regionales en el Museo de Arte de Baltimore . En ese momento, estaba usando Gladys Hack Goldstein como su nombre profesional. [7]
A finales de ese año organizó una exposición diseñada para vender pinturas en función de su tamaño en lugar de su valor artístico y a un precio lo suficientemente bajo como para ser compradas como regalo de Navidad. El objetivo, dijo, era permitir que los ciudadanos locales "adquirieran una apreciación de las pinturas originales de artistas contemporáneos". La pintura que ofreció a la venta se alejaba de su trabajo anterior. Titulada "Árbol y cielo rosa", era completamente abstracta. [7] Más tarde dijo que su transición de los retratos realistas a las abstracciones derivadas de la naturaleza fue repentina y completa, pero un compañero artista e instructor de arte, James GA Murphy, dijo que continuó haciendo retratos para la venta privada, pero que solo exhibiría su trabajo abstracto. [1] [8]
A principios de la década de 1950, Goldstein se unió a un grupo local llamado el Seminario de Pintores y en enero de 1956 participó y ayudó a montar una exposición de pinturas de los miembros en el vestíbulo de un cine llamado Film Center. Las dos pinturas que mostró, "Luces" y "Follaje de otoño", eran abstractas. [9] El crítico del Baltimore Sun dijo que estas dos obras dominaron la muestra. [10] En febrero de 1956 ganó el segundo premio en la Exposición de Artistas de Maryland en el Museo de Arte de Baltimore. La pintura premiada, "Gran ciudad", también fue la favorita de los visitantes de la muestra, cuyos votos la colocaron en la cima de la lista de las más queridas. [11] Unos meses más tarde, recibió un premio a la mejor pintura al óleo en la exposición de arte que acompañó la conferencia bienal de la Liga Nacional de Mujeres Escritoras Estadounidenses. [12] En noviembre se le dio una exposición individual en el Museo de Arte de Baltimore. Su obra apareció en una galería mientras que otros dos artistas de Baltimore, Shelby Shackelford y William Waller, tuvieron exposiciones individuales por separado. [13] En 1956, Goldstein comenzó a utilizar Gladys Goldstein en lugar de Gladys Hack Goldstein como su nombre profesional. En 1957, Goldstein tuvo una exposición individual en las galerías Duveen-Graham de Nueva York. Expuso quince pinturas al óleo junto con acuarelas y algunos dibujos. [14] Un crítico del New York Times le dio a la muestra una reseña positiva, diciendo "Su trabajo más prometedor es de una vena lírica; derivas de color suavemente representadas, que se mueven libremente sobre una base luminosa". [15]
En mayo de 1959, cuando su obra apareció en una exposición por invitación en la Universidad Estatal Morgan , un crítico del Baltimore Sun dijo: "Gladys Goldstein rara vez deja de proporcionar una visión fresca sobre cualquier tema que emprenda; su "Blossom", el óleo sobre papel más sobrio imaginable, parece compuesto de luz". [16] En diciembre del mismo año, sus pinturas aparecieron en una exposición individual en el vestíbulo de un cine llamado Playhouse. Con respecto a la muestra, el mismo crítico del Baltimore Sun dijo: "Su muestra en Playhouse no es un gran esfuerzo dada la aspiración de los óleos recientes, pero en su pequeña forma es la perfección". [17] En febrero del año siguiente, expuso con Amalie Rothschild , Bernard Perlman y William Waller en una exposición de cuatro artistas en las IFA Galleries en Washington, DC y en septiembre expuso con Lowell Nesbitt en una exposición de dos artistas en la Universidad Johns Hopkins. [18] En relación con su obra en este último caso, un Sun dijo: "Como siempre, sus fuentes son la naturaleza en sus múltiples aspectos: el mar, tempestuoso o tranquilo, un paisaje de verano, una orilla pedregosa en el primer momento de la primavera. Pero la señora Goldstein trabaja cada vez más hacia las esencias; el hecho literal se convierte en el hecho estético, porque ella es, por encima de todas las cosas, una pintora... Con un toque de pincel, la artista convierte lo literal en estético". [19]
El Baltimore Sun dio una amplia cobertura a una exposición individual celebrada en una galería de los suburbios de Baltimore en 1963. El artículo del periódico, escrito por Robert G. Breen, incluía comentarios de Goldstein y otros sobre una nueva dirección que había tomado su obra. Decía que su objetivo era establecer lo que ella llamaba "perspectiva horizontal" y citaba su descripción de la misma. Ella decía: "Esta perspectiva es una perspectiva en el espacio. Se mueve a través del lienzo, no de vuelta al lienzo. Pero se mueve en capas. Esto no viola el plano del cuadro, sino que simplemente crea una ilusión de movimiento en virtud de la profundidad creada horizontalmente en capas planas, cada capa conserva su propia identidad, pero se une al conjunto". [20] El Sun dio una descripción más detallada al reseñar otra exposición individual el año siguiente. El autor decía: "se ha planteado el complicado problema de capturar el espacio y la luz por medios casi completamente abstractos... La Sra. Goldstein está trabajando así con capas de luz, cercana, lejana y media, algo tan evanescente como el humo y más caprichoso". La exposición se montó en la biblioteca del College of Notre Dame , la escuela en Baltimore donde Goldstein era entonces instructor de arte. [21]
Durante los años 1960 y 1970, la obra de Goldstein siguió apareciendo con frecuencia en exposiciones grupales o individuales celebradas en entornos no comerciales, como universidades, centros comunitarios, organizaciones religiosas, subastas benéficas y espacios municipales. En 1976, había participado en algo más de 150 exposiciones, según un artículo del Baltimore Sun. [ 22] Expuso con menos frecuencia que antes en galerías comerciales como la IFA Gallery en Washington. [23] Cuando expuso en Villa Julie College en 1972, Lincoln F. Johnson, crítico del Baltimore Sun , escribió que "Villa Julie College está mostrando obras de Gladys Goldstein, abstracciones que funcionan, la mayoría de ellas, como metáforas visuales de estados de la naturaleza". "Elegantes y refinadas", añadió, "a veces tienen la apariencia de objetos preciosos". [24]
Las pinturas al óleo y los gouaches habían predominado en la producción de Goldstein hasta finales de la década de 1970, cuando comenzó a producir collages y otras obras en técnica mixta . Al escribir sobre una exposición individual de cerca de cincuenta pinturas y collages que había realizado durante los años anteriores, Elisabeth Stevens, crítica del Baltimore Sun , calificó los collages como "obras relucientes que presentan fragmentos de papel de aluminio, recortes de periódico y papeles impresos colocados con esmero". [25] En la década de 1980, mostró pinturas en formato cuadrado que contenían elementos de diseño cuadrados y rectangulares. Le dijo a un crítico que encontraba estas formas "pacíficas y elegantes", con "una pureza de forma" y la posibilidad de variaciones infinitas. [26] A finales de la década, mostró piezas en técnica mixta que un crítico llamó "pinturas collage", que tenían en sus superficies trozos de papel y tela, así como arena. Eran “bidimensionales, no ilusionistas y no figurativos”, pero aun así sugerían “tierra y paisaje”, “caligrafía y jeroglíficos” y, ocasionalmente, “vidriera”. [27]
Los críticos habían visto cada vez más inconsistencias en la obra de Goldstein. Vieron algunas piezas de alta calidad junto a otras que los decepcionaron. Con respecto a una exposición en una galería comercial en 1991, John Dorsey, del Baltimore Sun , escribió: "Goldstein es, por sobre todas las cosas, errática. Cuando sus abstracciones tienen éxito, es un deleite contemplarlas. Cuando no lo tienen, son frustrantemente decepcionantes. No es como si fueran cuadros de otra persona o como si necesitaran trabajo; son inequívocamente suyos, están incuestionablemente terminados y son claramente profesionales, pero de alguna manera simplemente no lo logran". Añadió: "Eso no quiere decir que Goldstein, incluso cuando decepciona, sea una mala artista. Trabaja a un nivel que siempre merece respeto. Pero en su mejor momento el nivel es mucho más alto que eso". [28] Entre este momento y su muerte diecinueve años después, Goldstein parece haber dejado de exponer, o, en todo caso, dejaron de aparecer noticias sobre exposiciones. Murió el 20 de marzo de 2010. [1] Después de su muerte, un curador dijo que durante su carrera se había "enfocado en crear y enseñar arte y no estaba tan interesada en la ganancia financiera a través de la venta de sus piezas". [2]
Mis lienzos no son declaraciones explícitas, sino indicios de cosas que son, fueron o podrían haber sido: de recuerdos, de sentimientos.
Gladys Goldstein, "Gladys H. Goldstein", Frederick N. Rasmussen, Baltimore Sun , 20 de marzo de 2010, página 16
Goldstein comenzó su carrera como pintora figurativa. A finales de los años 1940, mostró retratos realistas en las exposiciones de la League of Pen Women. [1] Babushka , pintada alrededor de 1935 y mostrada a la derecha, es una de sus primeras obras. Cuando se volcó a la abstracción a principios de los años 1950, tomó objetos naturales como base para su trabajo. "Girasoles", de 1968, mostrada a la izquierda, ilustra este estilo. Durante los años 1970, manejó referencias a la naturaleza de manera más oblicua, como se ve en "Palomas de la paz" de 1974, mostrada a la derecha. A partir de entonces, su trabajo se volvió más puramente abstracto. "Jardín de verano" de 1980, mostrado a la izquierda, es una pintura de este tipo. Muchas de sus pinturas de mitad de carrera fueron notables por su manejo de la luz. Poseía una habilidad, como dijo un crítico, para producir obras que parecen estar "compuestas de luz". [16] Otra dijo que sus pinturas parecían tener "capas de velos de colores transparentes con un color moviéndose hacia el siguiente". [20] Goldstein dijo que su objetivo era mostrar la luz que venía desde dentro del lienzo... una fuerza viva desde el interior". [20]
Durante aproximadamente la primera mitad de su extensa carrera trabajó principalmente en óleo sobre lienzo, complementado con gouaches sobre papel y algunos dibujos. Utilizó empastos para muchas de las primeras obras y utilizó el pincel cada vez más hacia la mitad de su carrera. Más tarde, realizó muchas pinturas en técnica mixta , formas de collage y, a veces, utilizó técnicas de teñido y goteo e incorporó elementos metálicos en su trabajo. Un crítico dijo que mantenía un "control extraordinario" sobre sus collages, tejiendo elementos "en la tela de la pintura de modo que es la imagen en lugar de los materiales lo que tiene prioridad". [24] Otro dijo: "Sus collages son obras pequeñas y brillantes que presentan fragmentos de papel de aluminio, recortes de periódicos y papeles impresos colocados minuciosamente". [25] "Candy Wrappers", un pequeño collage sin fecha, que se muestra a la derecha, es un ejemplo de este estilo. Dijo: "A veces tomo un objeto que encuentro en el suelo o algo que he coleccionado y lo pego en el lienzo porque eso es parte de la vida". [29]
"En la pintura no hay sustituto para la intuición. Uno no sabe por qué pone un punto en un punto determinado del lienzo, pero siente que es necesario hacerlo".
Gladys Goldstein, "Tres artistas de Maryland exhibirán sus obras", Baltimore Sun , 30 de noviembre de 1956, página 12
Durante la década de 1980, Goldstein se centró en formas cuadradas y rectangulares. De una de estas pinturas, "Señales", que se muestra a la izquierda, un crítico escribió: "los colores (rojos, verdes, azules, rosas) son hermosos y brillan casi como si fueran vidrieras". [26] Goldstein dijo que las formas la habían intrigado durante mucho tiempo. Las encontró "pacíficas y elegantes" y dijo que su respuesta a ellas a veces "raya en lo místico". [26] Algunas de estas pinturas eran cuadradas y algunas tenían hasta seis pies de largo o alto.
Hacia el final de su carrera, Goldstein comenzó a sustituir los óleos por acrílicos y a combinar formas orgánicas con geométricas. En 1991, un crítico dijo que hacía "un uso sutil del color y un toque reservado pero sensual para crear efectos elegantes, algo velados, casi seductores". [28] Durante este período, también realizó grabados utilizando una técnica que se originó en México en 1970 y se llamó mixografía. Empleando una superficie de cera de abejas en lugar de una placa de metal o piedra litográfica, este proceso de impresión le permitió a la artista agregar una textura tridimensional a su trabajo. [1] La impresión sin título y sin fecha que se muestra a la derecha ("impresión mixografía") es un ejemplo de las impresiones que realizó utilizando esta técnica.
A mediados de la década de 1950, Goldstein comenzó a enseñar arte en un programa llamado "Clases nocturnas de Forest Park" en Baltimore. El programa ofrecía instrucción en materias prácticas como mecanografía y corte y confección sin costo para los residentes de Baltimore y estaba dirigido por su esposo, Edward H. Goldstein. Había comenzado a ofrecer clases de arte en 1950. [30] En 1957 también comenzó a dar clases en la recién inaugurada Escuela Metropolitana de Arte. [31] Con el objetivo de dar a los estudiantes de arte una alternativa a la instrucción relativamente conservadora que se ofrecía en el Instituto de Arte de Maryland, la escuela enseñó a aficionados y profesionales, niños y adultos, en clases diurnas y nocturnas desde ese año hasta 1960. [32] [33] Al año siguiente y durante los dos siguientes, enseñó en el Instituto de Arte de Maryland. [8] En 1959 comenzó a dar clases de arte en el centro de recreación del templo Oheb Shalom y desde principios de la década de 1960 dejó ese puesto para enseñar en el Centro Comunitario Judío. [34] En 1964 Goldstein se unió a la facultad del College of Notre Dame como instructora de arte. [35] En 1982, a la edad de 62 años, dejó sus trabajos de docencia en el Centro Comunitario Judío y Notre Dame, pero continuó dando instrucción privada. [1]
El padre de Goldstein fue Samuel Edward Hack (1893-1956), un artista de cerámica e instructor. [36] [37] [38] Su madre fue Dorothy (Isaacson) Hack (1895-1952). [36] [39] Sus abuelos paternos habían nacido en la Rusia polaca. Su abuelo paterno, Simon (18xx-1981), operaba un negocio de reparación de zapatos en Baltimore. [40] Su abuela paterna, Goldie, murió en 1915, a los 44 años. [41] Tenía un hermano mayor, Ernest (1915-2003) y uno menor, Homer (1920-2007). [42] [43]
A principios de la década de 1940, Goldstein se casó con Edward H. Goldstein (nacido alrededor de 1912, fallecido en 2002), un administrador del sistema de escuelas públicas de Baltimore. [44] La pareja tuvo un hijo, William N. Goldstein (1943-2006), psiquiatra y profesor de psiquiatría en el Centro Médico de la Universidad de Georgetown en Washington, DC [45]
Goldstein murió por complicaciones después de una cirugía en Seasons Hospice en Randallstown, Maryland , el 13 de marzo de 2010, y fue enterrado en Oheb Shalom Memorial Park, Reisterstown, Maryland . [1]