Gina Pane (Biarritz, 24 de mayo de 1939 – París, 6 de marzo de 1990) [1] fue una artista francesa de origen italiano. Estudió en la École des Beaux-Arts de París entre 1960 y 1965 [2] y fue miembro del movimiento Body Art de los años 70 en Francia, llamado "Art corporel". [3]
Paralelamente a su arte, Pane enseñó en la Escuela de Bellas Artes de Mans de 1975 a 1990 y dirigió un taller dedicado al arte de performance en el Centro Pompidou de 1978 a 1979 a petición de Pontus Hulten. [3]
Pane es posiblemente más conocida por su pieza de performance The Conditioning (1973), en la que se encuentra recostada sobre un armazón de cama de metal sobre una zona con velas encendidas. The Conditioning fue recreada por Marina Abramović como parte de su obra Seven Easy Pieces (2005) en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York en 2005.
El patrimonio de Gina Pane está gestionado por su ex pareja Anne Marchand. Está representada por la Galerie Kamel Mennour en París . [4]
Nacida en Biarritz de padres italianos, Pane pasó parte de su juventud en Italia. Regresó a Francia para estudiar con André Chastel en la Escuela de Bellas Artes de París entre 1960 y 1965. [2] Biarritz también trabajó durante un tiempo en el Atelier d'Art sacré, una organización que agrupaba a artistas para ejecutar proyectos para edificios cívicos y religiosos. [5] Murió prematuramente en 1990 tras una larga enfermedad. [4]
Las lesiones autoinfligidas extremas fueron una característica de gran parte de la obra de Pane, lo que la distingue de la mayoría de las demás artistas corporales femeninas de la década de 1970. A través de la violencia de cortarse la piel con hojas de afeitar o apagar incendios con sus manos y pies desnudos, Pane pretendía provocar una "experiencia real" en el espectador, que se sentiría impulsado a empatizar con su malestar. [1] La naturaleza impactante de estas primeras performances -o "acciones", como ella prefería llamarlas- a menudo eclipsaba su prolífica práctica fotográfica y escultórica. Sin embargo, el cuerpo era una preocupación central en toda la obra de Pane, ya sea literal o conceptualmente. [6]
Pane afirmó que había estado muy influida por las protestas políticas de París en mayo de 1968 y por conflictos internacionales como la guerra de Vietnam (Ferrer 1989, pp. 37-8). En Nourriture-actualités télévisées-feu (1971; repr. Pluchart 1971) se obligó a comer y escupió 600 gramos de carne picada cruda, miró las noticias de la noche en la televisión mientras miraba fijamente a través de una bombilla casi cegadora y apagó las llamas con las manos y los pies desnudos. Después de la actuación, dijo, la gente informó de una mayor sensibilidad. "Todos los presentes comentaron: 'Es extraño, nunca habíamos sentido ni oído las noticias antes. De hecho, hay una guerra en Vietnam, hay desempleo en todas partes'" (Stephano 1973, p. 22) [6]
Entre 1962 y 1967, Pane produjo abstracción geométrica y creó una serie de esculturas de metal doblando láminas de metal en formas simples; las estructuras y el uso de colores primarios recuerdan al arte minimalista. Sin embargo, a partir de su formación académica, Pane desarrolló un interés por el cuerpo humano y se dedicó a la escultura y la instalación. Este trabajo consideraba la relación entre el cuerpo y la naturaleza. En 1968, Pane comenzó a realizar acciones minuciosamente preparadas y documentadas en las que cada gesto estaba imbuido de una dimensión ritual. [3]
Pane distingue tres períodos de su evolución artística:
• 1968-1971: Colocación del cuerpo en la naturaleza. Entre sus obras destacan Displaced Stones (1968), Protected Earth (1968-1970) y Enfoncement d'un rayon de soleil (1969). En Unanaestheticized Climb (1971) trepó, descalza, por una escalera con peldaños rematados con puntiagudas protuberancias metálicas, deteniéndose cuando ya no pudo soportar el dolor.
• 1970-finales de los años 1970: El cuerpo activo en público. Pane consideró el espacio y el tiempo como el material para estas obras. Todo lo que queda de ellas son la documentación fotográfica de momentos cuidadosamente elegidos y el objeto performativo. Estas acciones constituyen una investigación de otro lenguaje. Buscan transformar al individuo a través de la comunicación voluntaria con el Otro. Esta obra rechaza el esteticismo para producir una nueva imagen de la belleza. En 1973, en la Galerie Diagramma de Milán, Pane ejecutó Acción sentimental ante un público, cuya primera fila era exclusivamente femenina. Pane repitió dos veces una acción, la primera vez con un ramo de rosas rojas y la segunda vez con un ramo de rosas blancas. Pasando progresivamente de estar de pie a la posición fetal, ejecutó primero un movimiento de ida y vuelta con el ramo, antes de presionar las espinas de una rosa en sus brazos y hacer una incisión con una hoja de afeitar en la palma de su mano. La forma de las heridas en su brazo se parecía a los pétalos y al tallo de una rosa. Ella describió este trabajo como una “proyección de un espacio intra” que abordaba la relación madre-hijo. [7]
• Finales de los años 70 en adelante: Relación del cuerpo con el mundo. Para la serie de instalaciones Action Notation mezcló fotografías de sus heridas anteriores con objetos, como juguetes, vidrio, etc., de sus acciones anteriores. El proceso fue controvertido ya que casi siempre implicaba un elemento de masoquismo: subir por una escalera llena de hojas de afeitar, cortarse la lengua o la oreja, clavarse clavos en el antebrazo, destrozar una puerta de vidrio, ingerir alimentos hasta el punto de sentir náuseas. Pane ya no basaba su enfoque en la experiencia corporal directa, aunque el cuerpo seguía siendo fundamental y conservaba su significado simbólico a través de figuras (cruz, rectángulo, círculo) y materiales (metal quemado u oxidado, vidrio o cobre).
Datos interesantes sobre Gina Pane y su papel en la promoción del arte femenino
• Escalade non anesthesiee se realizó sin público. En cambio, la artista, en colaboración con la fotógrafa Françoise Masson, logró documentar fotográficamente el evento, un aspecto que ella definió como una constante (Baumgartner 247).
• La importancia de la utilización de una constante por parte del artista es que ilustra el arte performativo de manera más eficiente (Baumgartner 247).
• Pane publicó ensayos sobre sus obras en revistas como Art Press, Opus International y Artitudes (Baumgartner 251).
• Las últimas obras de Gina Pane están afiliadas a la iconografía del mártir en relación con el feminismo.
• El sufrimiento que padeció la artista al exhibir sus obras se asocia con la idea de que Pane “se sacrificó en el altar de una civilización homofóbica” para que los espectadores estereotipados empatizaran con ella.
• Su sufrimiento también se asocia a referencias religiosas en cuanto a su comparación con los sufrimientos que padeció Cristo en la cruz. Las heridas, en este caso, son abordadas como necesarias para que la artista resalte el dolor al que la sociedad la somete debido a su identidad homosexual (Leszkowicz, 1).
• Se percibe que Pane se centró más en el uso de atributos comerciales al mostrar su actuación femenina contemporánea (Maude-Roxby 5).
• El término goce se utiliza para definir las obras de Pane. El término implica la asociación entre el yo y el otro (Gonzenbach 41).
• El uso del lápiz labial en su obra de arte de 1974, Psyche, se percibe como una representación simbólica de la idea de lo “últimamente femenino” (Gonzenbach 42).
• A través de sus actuaciones, se percibe que Pane condiciona a su audiencia mientras la observa debido a que la audiencia es influenciada a ser consciente del proceso involucrado en observarla (Gonzenbach 42).
• El arte en vivo se considera un elemento de re-performance que Gina Pane ilustra adecuadamente en sus performances femeninas contemporáneas (Morgan 1).
Jennifer Blessing, 'Testigos de Gina Pane. El público y la fotografía', Performance Research , vol. 7, n.º 4, 2002, pág. 14.
"Gina Pane", Kamel Mennour, consultado el 1 de febrero de 2014