FAILE (pronunciado "fail") es una colaboración artística con sede en Brooklyn entre Patrick McNeil (nacido en 1975) y Patrick Miller (nacido en 1976). Desde su creación en 1999, FAILE ha sido conocida por su amplia práctica multimedia, reconocible por sus exploraciones de la dualidad a través de un estilo fragmentado de apropiación y collage .
Aunque la pintura y el grabado siguen siendo fundamentales en su enfoque, durante la última década FAILE ha adaptado su característica iconografía impulsada por la cultura de masas a una variedad de materiales y técnicas, desde cajas de madera y paletas de ventana hasta lienzos, grabados, esculturas, plantillas, instalaciones y ruedas de oración más tradicionales. El trabajo de FAILE se construye a partir de imágenes visuales encontradas y difumina la línea entre la cultura "alta" y la "baja", pero las exposiciones recientes demuestran un énfasis en la participación del público, una crítica del consumismo y la incorporación de medios religiosos, arquitectura e investigación específica del sitio y de archivo en su trabajo.
McNeil nació en 1975 en Edmonton, Alberta; Miller nació en 1976 en Minneapolis, Minnesota. McNeil y Miller se conocieron durante su juventud en Arizona . Se separaron en 1996 cuando Miller permaneció en la escuela de arte en Minneapolis y McNeil continuó en Nueva York. A finales de la década, el dúo se reencontró y, con la incorporación de la entonces artista Aiko Nakagawa (nacida en 1975, Tokio, JP), se concibió "A Life". A principios de 2000, el trío contribuyó al surgimiento de una naciente cultura del arte callejero al hacer circular su trabajo serigrafiado y pintado en las calles de la ciudad, generalmente utilizando los procesos subversivos de engomado y estarcido. Durante los años siguientes, McNeil, Miller y Nakagawa solidificaron su estilo omnívoro de collage de cultura pop y cambiaron su nombre a FAILE (un anagrama de A Life). [1] Nakagawa dejó FAILE en 2006, obteniendo éxito por derecho propio como AIKO, también conocida como Lady Aiko, mientras que McNeil y Miller continuaron aumentando su visibilidad comercial e institucional. [2]
Si la carrera de FAILE puede verse en un espectro que va desde el "arte callejero" y los productos DIY hasta las "bellas artes" listas para la galería, entonces la primera mitad de la década de los 2000 se inclina más hacia la práctica callejera. Aunque FAILE siempre ha expuesto en galerías de una forma u otra, y todavía lleva su trabajo a la calle, estos primeros años los pasó desplegando su trabajo en ciudades de todo el mundo y perfeccionando un estilo distintivo de trabajo engomado y con plantilla que recuerda tanto al collage de productos triturados de los décollagistas de mediados de siglo Mimmo Rotella y Jacques Villeglé , como a las apropiaciones culturales pulp y las sensibilidades de los cómics de los artistas "pop" de los sesenta como Richard Hamilton , Andy Warhol y Roy Lichtenstein . Estas influencias se intensificaron en la obra de FAILE por el empalme y reensamblaje rápidos de sampling y las incursiones urbanas directas al público específicas de la edad de oro del grafiti .
Aunque el estilo de FAILE puede ubicarse en estos legados históricos del arte, su estilo y su vernáculo idiosincrásico hacen que el trabajo de FAILE sea distinto y reconocible. Durante los primeros años de su carrera, influenciado por contemporáneos como Shepard Fairey , BAST y WK Interact, FAILE generó tanto un proceso de ensamblaje y circulación urbana como pistas y temas visuales consistentes. Un ejemplo de ello es el transbordador espacial Challenger , que se estrelló poco después de su lanzamiento en 1986. No solo el transbordador aparece en diversas formas en gran parte del trabajo de FAILE, sino que el año "1986" se adjunta a sus piezas como una firma que invoca su uso específico de la imagen del transbordador y también un recordatorio para su audiencia del evento en sí, de su papel en su historia personal. "1986" es tanto indicativo de un impulso populista o dialógico en gran parte del trabajo de FAILE, como también un ejemplo de la ambivalencia o dualismo característicos de su práctica. [3] Los temas binarios recurrentes como amor/odio, paz/guerra, triunfo/calamidad, saciedad/deseo prevalecen en una obra que parece asimilar el paisaje urbano global pero que solo ofrece opiniones oblicuas sobre ese paisaje.
Durante este período, FAILE produjo varios libros en edición limitada, incluyendo, en 2004, Orange , Death , Boredom y Lavender . La superposición entre la práctica artística de FAILE y su experiencia en diseño fue pronunciada durante este período inicial, y los encontró colaborando en líneas de ropa y zapatos (incluyendo Paper Denim, Comme des Garcons y Pro-Keds), y proyectos musicales, así como trabajo en la calle. [4] En 2004 McNeil reflexionó: "Mucho de lo que nos inspira y nos emociona es la oportunidad de trabajar con gente talentosa y trabajar en proyectos que son un desafío. Tener la oportunidad de trabajar en cosas de todas las disciplinas diferentes, ya sea moda, pintura, diseño de zapatos o hacer un juguete. Las ideas de quedar encerrado y ser conocido por una cosa y tener que repetir. Suena como una situación terrible en la que estar. Recientemente tuvimos la oportunidad de trabajar en el nuevo álbum de Duran Duran con John Warwicker para Tomato ". [5]
Esta primera fase de la carrera de FAILE fue marcadamente experimental y variada: los viajes constantes, la falta de espacio de estudio y un proceso de rápida evolución hicieron que el trabajo se realizara para (y por lo general en) sitios específicos, desde Manhattan hasta Londres y Tokio. Los proyectos comerciales ayudaron a financiar este período de difusión y revisión. Sin embargo, en 2005, FAILE adquirió un espacio de estudio permanente y pudo comprometerse plenamente con una práctica más impulsada por el estudio que adaptó la estética entrópica de la calle del trabajo de FAILE y otros, y le permitió aplicar su práctica a una gama más amplia de medios y temas sociopolíticos. [6]
Del 27 de septiembre de 2006 al 7 de enero de 2007, la exposición Spank the Monkey del comisario independiente Pedro Alonszo se presentó en el BALTIC Centre for Contemporary Art en Gateshead , Reino Unido. La exposición reunió a veintidós artistas callejeros reconocidos internacionalmente e investigó la creciente calidad artística y el atractivo popular del arte callejero (particularmente en el Reino Unido) y su arraigo en los ámbitos del diseño gráfico y la cultura juvenil global. [7] La exposición incluyó a célebres "artistas plásticos" como Barry McGee , Takashi Murakami y Ryan McGinness junto con destacados artistas del grafiti, la calle y el diseño como Os Gemeos , Shepard Fairey, Banksy y FAILE. Spank the Monkey fue la primera exposición de este tipo y siguió de cerca el éxito comercial de la línea Obey de Fairey y la venta "Barely Legal" de Banksy de su propia obra en Los Ángeles. [8]
La exposición, que ubicó obras tanto dentro de la galería como por todo Newcastle , recibió críticas favorables. Hablando de la muestra, el crítico Guy Bird señaló que "cuando la galería se toma el arte en serio, evitando la condescendencia o el exceso de glamorización, y los artistas evitan las acusaciones de 'vendedores' manteniendo el control de su mensaje... los resultados pueden ser espectaculares". [9] Spank the Monkey marcó tanto la aceptación institucional gradual del arte callejero como la exhibición regular de FAILE en instituciones de bellas artes de alto perfil. De hecho, FAILE utilizó el lugar para mostrar algunos de sus trabajos más sombríos hasta la fecha, en una serie de doce pinturas tituladas "War Profitees", [10] que incorporaron fotografías desgarradoras, texto de periódico y una paleta de colores oscuros para dar vida a la trágica Guerra del Líbano de 2006 , que mató a 1.500 personas, la mayoría de las cuales eran civiles. La invocación de la violencia política y las referencias a Israel y Hezbolá indicaban una intensificación del trabajo de FAILE y demostraban cómo su técnica podía aplicarse al precario orden global del siglo XXI. La integración de forma y contenido en la obra y la atención crítica sostenida a un tema político evidente en la contribución de FAILE en Spank the Monkey fue un presagio.
En respuesta a la creciente popularidad (y viabilidad comercial) del arte callejero, la Tate Modern , ubicada en el Southwark de Londres , organizó una muestra simplemente titulada Street Art , que tuvo lugar del 23 de mayo al 25 de agosto de 2008, una semana después de la muestra Cans de Banksy en un túnel ferroviario de Londres. [11] La exposición, organizada por el curador Cedar Lewisohn, mostró el trabajo de seis artistas o proyectos colaborativos en relieve masivo en la pared que da a la ribera del río de la sala de turbinas del museo. [12] Street Art incluyó a Nunca y Os Gemeos de Brasil, [[ Blu (artista)|Blu]] de Italia, Sixeart de España y JR de Francia. FAILE fue el único grupo que participó tanto en la muestra de The Cans como en la de la Tate, y contribuyó a esta última con una enorme imagen de 22 m2 de un nativo americano con su atuendo completo en medio de un collage destrozado de imágenes pulp y carteles encontrados, típicos del trabajo de FAILE en 2008, y construidos en piezas en el estudio antes de ser fijados en el exterior de la Tate. [13] Sobre la exposición y la institucionalización de su trabajo, FAILE argumentó: "Al menos ya no se lo menosprecia como algo de la calle, algo sin valor. El dinero alimenta el interés: es una inyección en el trasero que enciende a la gente y les hace darse cuenta de que deben prestar atención". [14]
Si bien en 2008 el arte callejero era una forma cada vez más aceptada y popular en el extranjero, en Nueva York, el hogar tradicional del grafiti, el arte callejero fue adoptado por solo un puñado de galerías, como Deitch Projects, una de las primeras defensoras de Swoon , colaboradora ocasional de FAILE . Como FAILE señaló en ese momento, "Nueva York tiene una gran historia de este arte, pero las instituciones están esperando a ver qué sucede antes de abrirle las puertas. El arte está comenzando a aparecer en Sotheby's y Christie's de Nueva York , pero no sería así si no fuera por el entusiasmo [en el Reino Unido]". [15] La inclusión en la muestra de la Tate, que recibió una amplia atención de los medios y llegó a un gran público, llevó a FAILE más plenamente al foco de atención internacional y los consolidó aún más como uno de los nombres más reconocibles en un mundo del arte cada vez más globalizado y multiplataforma. [16]
Después de trabajar en Inglaterra para la Baltic Gallery y la Tate Modern, FAILE exhibió una serie de nuevos trabajos en noviembre de 2008 titulada Lost in Glimmering Shadows , una exploración temática unificada de la tensión entre la cultura del consumo y la realización espiritual y la contradicción entre la historia a veces sangrienta de Estados Unidos y sus ideales democráticos.
Alojada en la Lilian-Baylis Old School en conjunto con la Lazarides Gallery de Londres, Lost in Glimmering Shadows ocupaba un espacio circular con iluminación ambiental en el que grabados y pinturas a gran escala rodeaban elementos escultóricos en el anillo interior. [17] Si bien la iluminación y la instalación tipo templo, el molde de tamaño natural de un niño con un conejo y las obras pintadas a gran escala eran remanentes formales familiares de exposiciones anteriores (como la comercialmente exitosa From Brooklyn With Love de 2007 en Lazarides y Nothing Lasts Forever en el Chinatown de Nueva York) [18] Lost in Glimmering Shadows presentó notablemente ruedas de oración funcionales independientes , pinturas en forma de discos circulares y pilas de cajas de manzanas multifacéticas, todas adornadas con texto de colores brillantes e imágenes encontradas. Además, la muestra introdujo un leitmotiv de figuras heroicas de nativos americanos en conflicto con una América enloquecida por el consumo, su mundo "perdido en sombras brillantes".
La obra de la exposición obtuvo gran parte de su fuerza de yuxtaposiciones irónicas, como una reelaboración de la bandera estadounidense al estilo de una cerámica navajo en el acrílico sobre lienzo Star Spangled Shadows , y la interacción textual en las ruedas de oración de frases como "En busca de lo sagrado" y anuncios en la carretera de "cerveza fría" y "snacks". Esta ironía se redobla con la construcción aquí de dispositivos religiosos funcionales (la rueda de oración) superpuestos por la propia marca internacional de FAILE. En otras ocasiones, la obra es más explícita, representando una figura kachina con traje en medio del telón de fondo de una serie pulp que promete "Una historia de traición", en la pintura del mismo nombre, o insinuando una América alternativa en Podría ser hermosa . [19] Los temas consistentes de FAILE, como el transbordador Challenger y la señalización urbana, se presentaron junto con nuevas figuras y elementos decorativos derivados de figurillas y cestas tradicionales, así como imágenes y fotografías apropiadas del siglo XX del suroeste estadounidense. [20]
Del 12 de febrero al 27 de marzo en Greek Street en Londres, y nuevamente del 30 de abril al 27 de mayo de 2010, el artista BAST realizó una instalación llamada Deluxx Fluxx , que incluía juegos de arcade personalizados y operativos y una mesa de futbolín. Todo el salón en 158 Allen St. y las máquinas de arcade que había allí fueron pegadas con empasto de trigo por FAILE y BAST, y desdibujaron la línea entre el método tradicional de "cubo blanco" de exhibición de arte y el funcionamiento comercial de una sala de juegos. Si bien se invitó al público a jugar a los juegos de forma gratuita, las obras en sí mismas eran en parte lienzo, en parte objeto escultórico y en parte máquina para videoarte interactivo. El contenido de las máquinas, obra de video modelada a partir de "juegos" clásicos, se ejecutó en colaboración con Adapted Studio y Seth Jabour de la banda Les Savy Fav . [21]
Esta instalación neoyorquina actualizó una versión anterior de la muestra en la galería Lazarides de Londres de principios de esa primavera, y presentó imágenes recurrentes de FAILE y BAST, como mujeres besándose, Popeye , boxeadores de la vieja escuela, un perro que ladra y logotipos comerciales y carteles para, entre otros, Chapstick y la antigua aerolínea TWA . La mayoría de las imágenes, tal como estaban, se derivaron de hilos dentro del archivo visual de FAILE que ya no están a la venta como impresiones por derecho propio, mientras que otras, como "Fashion Chimp", pueden aparecer en proyectos futuros. Si bien la muestra de Londres proporcionó el modelo para la iteración de Nueva York, esta última presentó nuevos juegos e imágenes, y empleó neón y luz negra para generar una experiencia completamente inmersiva. El objetivo de Deluxx Fluxx era unir la sensibilidad DIY y la accesibilidad popular de la práctica callejera con el énfasis más permanente, de estilo galería, del trabajo más reciente de FAILE. [22] Según los artistas, "Después de hacer la muestra en Londres, aprendimos mucho y teníamos gran parte de la base para hacer la muestra de nuevo. Había una verdadera sensación de alegría al ver a la gente interactuar con la obra de esta manera y ese fue el objetivo de la muestra desde el principio. Queríamos traerla a Nueva York y era algo que queríamos hacer por nuestra cuenta. Simplemente hacer que sucediera, al igual que nuestro arte callejero. Sabíamos que queríamos crear nuevas máquinas aquí, para que fuera una nueva experiencia pero con el mismo estilo de muestra". [23]
De este modo, Deluxx Fluxx oscureció las fronteras entre artista y consumidor, y entre espectador y participante, en un intento de recuperar la historia reciente del Lower East Side como refugio de prácticas artísticas antielitistas como el grafiti y el punk rock. Aunque no recibió muchas críticas en las publicaciones de arte, Deluxx Fluxx recibió críticas favorables, y Stephen Heyman, del New York Times, afirmó que "el arte puede ser entretenido, pero a veces la gente necesita ganadores y perdedores para entrar en el juego". [24]
En 2014, Deluxx Fluxx también se exhibió en el Summerhall de Edimburgo, Escocia, como parte del Festival de Edimburgo, junto con las pinturas Vestige Board; grandes lienzos creados inicialmente en el estudio por los artistas y asistentes que limpiaban sus pantallas y pinceles en las superficies y que luego Faile completó con la incorporación de la reconocible iconografía "Faile" en la superficie. Las exhibiciones fueron un éxito de crítica y público.
Del 16 de julio al 5 de agosto de 2010, FAILE exhibió Temple , una iglesia en ruinas a escala real, en la Praça dos Restauradores Square en Lisboa, Portugal. [25] La instalación se realizó en conjunto con el Festival Portugal Arte 10 y está programada para una gira por el extranjero. Temple reunió una variedad de motivos anteriores (arte callejero vernáculo, ruedas de oración y un interés dualista en la globalización del comercio y nuevas formas de inmanencia espiritual) con las preocupaciones específicas del sitio de trabajar en un país históricamente católico . La pieza en sí es un edificio en ruinas fabricado con componentes, como puertas de hierro, relieves de cerámica y azulejos de cerámica pintados de fabricantes locales y extranjeros. Las imágenes familiares de FAILE aparecen en relieve (una actualización del escultor florentino del siglo XV Luca Della Robia ), el "Caballo de buceo" previamente en 2-D se realizó como una fuente escultórica, y la paleta de colores blanco, azul y dorado fue un guiño al paisaje portugués. [26] Temple marcó la primera contribución de FAILE al circuito de festivales internacionales y completó el círculo de su práctica, llevando el arte de estudio de alto concepto a un entorno urbano accesible.
Temple recibió una gran atención de la crítica y de los espectadores, y logró integrarse perfectamente en su entorno temporal al mismo tiempo que expandía y aumentaba los leitmotivs idiosincrásicos de FAILE. [27] Según Interview , "el trabajo específico del sitio de Faile parece ser el éxito de la bienal. Es una ruina brillante, un diálogo al aire libre entre el pasado sagrado y el presente secular. Y es una combinación fácil para la arquitectura histórica que rodea la concurrida Praça dos Restauradores, que es probablemente la razón por la que al taxista promedio le gusta y por la que los turistas extranjeros que pasan por allí han estado tratando de buscarlo en sus guías". [28] En su capacidad para difuminar los límites entre el arte y la arquitectura, el objeto y el entorno de exhibición, Temple amplificó aún más las corrientes subyacentes en el trabajo de FAILE, como el énfasis en la apertura y la participación, la porosidad de los límites culturales e institucionales y la integración fluida de la cultura visual y el entorno construido.
Esta exposición de obras sobre madera fue una especie de retorno a los fundamentos, haciendo hincapié claramente en la forma y el proceso, y se realizó del 4 de noviembre al 23 de diciembre de 2010 en la galería Perry Rubenstein de Nueva York. [29] Cada una de las composiciones de las doce obras se creó a partir de bloques de madera pintados individualmente que se unieron en formato de "caja de rompecabezas" como pinturas unificadas. Según el texto que acompaña a la muestra, las pinturas sobre madera "revelan la incesante asimilación y refinamiento de FAILE de los vastos vocabularios visuales tanto del entorno urbano como de su propia práctica de una década. Las cuadrículas de estas pinturas son a la vez modulares y fijas, táctiles y gráficas. En sus superficies, los personajes iconoclastas se entremezclan fluidamente con hábiles deconstrucciones de la cultura de la mercancía. Las recombinaciones de textos e imágenes cuidadosamente construidos brindan una visión del proceso riguroso y orgánico de FAILE y llaman la atención sobre la materialidad inherente de la pintura". [30]
A finales del otoño de 2011, FAILE realizó una serie de nuevas pinturas para una exposición individual en la Galería Lazarides de Londres. La nueva obra marcó un período de experimentación y un pronunciado retorno a la pintura y la tradición popular. Si bien todas las piezas de Fragments of FAILE se construyeron a partir de motivos, imágenes y textos de FAILE existentes, sus formatos hicieron referencia a una amplia gama de nuevos enfoques formales, incluida la abstracción monocromática , la figuración y el retrato , el acolchado estadounidense , los textiles nativos americanos y los mandalas tibetanos . [31] Fragments of FAILE mostró el trabajo realizado durante una fase intensiva de trabajo de estudio entre encargos al aire libre más grandes. Algunos elementos, como el uso de madera y una estructura modular o "acolchada", tendrían un papel destacado en instalaciones posteriores.
En el otoño de 2012, FAILE colaboró con el programa Tiger Translate para construir una enorme escultura pública (de 4,5 metros de altura) en el complejo National Garden Park, en las afueras de Ulaanbaatar , la capital de Mongolia . Para el encargo, FAILE seleccionó una figura extraída de su exposición Lost in Glimmering Shadows , un hombre de estilo corporativo que parece estar en transición hacia una forma similar a la de un lobo. Construida a una escala dos veces humana, la imagen original ( Eat With the Wolf ), concebida al borde de la crisis financiera de 2008, recibió un nuevo contexto y nuevas asociaciones. Wolf Within puede, por ejemplo, leerse como una historia de advertencia para una nación en medio de un auge masivo de recursos minerales y en proceso de rápida urbanización. También es un recordatorio del delicado equilibrio entre el progreso y la tradición, y la persistencia y la resiliencia del mundo natural. [32] Wolf Within es una instalación permanente, más que una exposición en una galería o un museo, y marcó el creciente compromiso de FAILE con proyectos al aire libre encargados y a gran escala.
FAILE recibió el encargo del New York City Ballet de construir una nueva instalación en el atrio de cinco pisos del Teatro David H. Koch en el Lincoln Center for the Performing Arts en el Upper West Side de Nueva York, que se exhibirá durante el invierno y la primavera de 2013. Además de una serie de nuevas pinturas, FAILE también produjo cientos de bloques de madera pintados individualmente para ser entregados a los miembros del público en dos de las actuaciones del NYCB. Sin embargo, la pieza central del proyecto fue una torre de cuarenta pies de alto llamada Tower of FAILE , construida utilizando cajas de madera sobre un pedestal de madera para formar un obelisco serigrafiado y pintado con imágenes familiares de FAILE y nuevos materiales extraídos de la investigación en los archivos del NYCB. Esta torre fue una consecuencia de la experimentación a largo plazo de FAILE con madera y formas escultóricas híbridas, pero fue el objeto construido más grande de FAILE hasta la fecha. La torre aprovechó las múltiples perspectivas y los altos techos del teatro para crear encuentros con la obra que van más allá de la perspectiva única de una obra montada en la pared o pegada con nervaduras. De esta manera, se podría decir que la torre se basó en teorías anteriores del minimalismo en la creación artística y en formatos de instalación contemporáneos, como la retrospectiva de 2012 de Maurizio Cattelan en el Guggenheim de Nueva York. Sobre la instalación, el Village Voice sostuvo que el proyecto señalaba el surgimiento de la generación de Internet como bastión de la cultura de élite y que conectaba de manera efectiva "la imaginería populista identificable con las artes burguesas más rígidas". [33] En mayo de 2013, FAILE repitió su colaboración con el NYCB, instalando veintiuna de sus ruedas de oración características en el espacio del atrio de Koch. Esta instalación también contó con una actuación del ballet que se desarrolló en diálogo con el arte.
En 2013, la primera exposición individual de FAILE en un museo estadounidense se celebró del 21 de septiembre al 22 de diciembre en Dallas Contemporary . La muestra incluía una serie de pinturas sobre madera con armazones de metal y una serie de obras en técnica mixta que se inspiraban en la cultura americana clásica, como camisetas y monos de carreras. Para Where Wild Won't Break, FAILE incorporó una serie de imágenes asociadas con el oeste americano, incluidos vaqueros, forajidos con pañuelos, caballos, águilas y paisajes desérticos. Otro motivo de la muestra eran las carreras de coches potentes y la iconografía asociada, como parches y calcomanías, todo ello reelaborado con los enfoques característicos de FAILE, el decollage digital y el ensamblaje multimedia. La publicación Artnews argumentó que "la naturaleza aventurera e impulsiva del Oeste se prestaba bien a la obra de arte de FAILE porque, como sugiere su nombre, el dúo abraza la falibilidad y la espontaneidad. [Citando a Miller] "No importa lo bien que intentes domar algo salvaje, el caos siempre será parte de ello". [34] Mientras instalaba la muestra Dallas Contemporary, FAILE completó un gran mural en el bulevar Singleton de la ciudad, que reflejaba imágenes del archivo de FAILE, incluido el hombre lobo y el niño conejo, yuxtapuestos con material más nuevo realizado para la exposición, incluido un bandido conduciendo un hot rod. [35]
El trabajo de FAILE regresó a Nueva York para una gran retrospectiva en el Museo de Brooklyn , que se realizó del 10 de julio al 4 de octubre. La exposición, organizada por la curadora Sharon Matt Atkins, presentó el regreso del Templo , que apareció por primera vez al aire libre en Lisboa, Portugal. Aquí, fue reconstituido en una galería interior del museo entre dos esculturas talladas a mano a gran escala y pinturas y obras en madera más recientes. FAILE también preparó una nueva galería para la ocasión, aprovechando la estética de iluminación negra y de superficie completa de sus anteriores instalaciones emergentes Deluxx Fluxx con Bäst. En el Museo de Brooklyn, las exclusivas máquinas de arcade se complementaron con nuevas máquinas de pinball diseñadas por FAILE que eran (como sus contrapartes digitales) completamente interactivas y cultivaban una sensación de juego y ocio dentro del espacio de la galería, que por lo demás era un "cubo blanco". Las críticas sobre la muestra fueron variadas, y Jaime Rojo y Steven Harrington del Huffington Post destacaron los motivos punk rock y dadaísta dentro de la galería y elogiaron la sensibilidad democrática de la instalación. Argumentaron que Savage/Sacred Young Minds ofrecía "una inmersión total y la oportunidad de una interacción excitante; este programa proporciona una sensación inequívoca de la industria que respalda la fantasía FAILE. A lo largo de su trabajo y de tu imaginación y papel asumido, puedes ser un villano, una damisela en apuros, un hombre lobo, un hada, un vándalo, un luchador, un hot-rodder, una madonna, una prostituta, un suplicante, un vengador, un caballo surfista o simplemente un héroe de arcade que pasa horas sin ventanas presionando botones, haciendo estallar aletas e introduciendo fichas FAILE en tentadoras máquinas de arte". [36] Otros, como Ken Johnson del New York Times , no vieron las implicaciones más amplias del programa, y lo encontraron desenfocado. Señaló que, "mientras que algunas otras partes del templo son divertidas, no se perciben vibraciones intensas de salvajismo, sacralidad o locura. La forma en que esos estados psíquicos podrían estar relacionados queda oscurecida por la desconcertantemente exagerada y desenfocada apropiación de significantes gráficos de muchas épocas y lugares, desde el antiguo Egipto hasta los cómics del siglo XX". [37] Time Out New York , a su vez, marcó el movimiento de FAILE hacia el contexto del museo y su conexión con un legado anterior en la vanguardia neoyorquina. Sugirieron que, "como muestran las carreras de Keith Haring y Jean-Michel Basquiat, la calle a menudo puede ser una avenida hacia el mundo del arte, algo que sin duda es cierto para Patrick McNeil y Patrick Miller. Dos artistas de Brooklyn que colaboran bajo el nombre en mayúsculas de FAILE, han pasado de enyesar paredes en Williamsburg a exponer en galerías y museos". [38]
Durante el verano de 2015, los visitantes de Times Square en Nueva York se encontraron con una instalación de FAILE a gran escala titulada Wishing on You (Deseándote) . Esta escultura cinética de dos metros de alto se basaba en las ruedas de oración que FAILE había colocado tanto dentro como fuera de la galería en años anteriores. Wishing on You combinaba motivos antiguos y nuevos de FAILE y estaba construida en un refugio con techo plano, parecido a una pagoda. Los espectadores subían dos escalones y pasaban por columnas verdes y rojas con motivos decorativos que parecían del sur de Asia. La rueda, con sus colores vivos y texturas, no solo giraba, sino que también alimentaba las luces de neón del techo de la estructura. De esta manera, Wishing on You no solo rendía homenaje a las tradicionales ruedas de oración de mayor tamaño de Bután, sino también a la historia de la plaza pública, con galerías, minimercados y publicidad estridente. Sobre la instalación, FAILE señaló que "si bien Wishing on You realmente se basa en el pasado histórico de Times Square... también somos conscientes de que ha servido durante tanto tiempo como un lugar verdaderamente estadounidense de celebración y conmemoración". Por su parte, el presidente de Times Square Alliance, Tim Tompkins, comentó sobre Wishing on You que "los rituales que desean esperanza son fundamentales para el carácter de nuestra ciudad, pero especialmente para el carácter de Times Square". [39]
En 2016 se realizó la primera exposición de FAILE con Gordon Gallery, un espacio de arte contemporáneo en Tel Aviv. Strong Currents , de estilo salón, reunió una variedad de obras realizadas en el estudio y presentó motivos familiares como el "hombre lobo" reclinado y la bandera estadounidense geométrica de la era Lost in Glimmering Shadows . En general, la muestra se destacó por sus composiciones sobrias y su manejo más suelto. En contraste con la complejidad de los ensamblajes en bloques de madera que las precedieron, las obras de Strong Currents tenían una sensación notablemente gráfica. En ellas, FAILE enfatizó el color vibrante, las amplias extensiones y una pincelada más evidente, como en un ramo de flores multicolor sobre un fondo blanco, o la pieza central de la muestra, una mujer y su caballo descansando en un campo abierto. [40]
Esta línea de investigación continuó en 2017 con la exposición Meet Me Halfway en París . Como en trabajos anteriores de FAILE, el proceso de superposición y bricolaje fue fundamental para las obras multimedia expuestas. Pero aquí, FAILE llevó más allá la sensibilidad de bloques de color de Strong Currents , construyendo formas figurativas usando papel cortado y luego pintando sobre un tono neutro para crear un espacio negativo o un fondo para la composición. Este proceso le dio a las figuras una calidad abstracta que recuerda a los carteles de principios del siglo XX y a pintores modernistas como Henri Matisse. Las obras de papel cortado se exhibieron junto con una muestra de obras recientes realizadas en el estudio, incluidos ensamblajes de bloques de madera, placas de cobre y conjuntos de módulos más pequeños con estilo de mosaico o azulejo. Junto con esta muestra, FAILE tradujo una de las obras más pequeñas en un mural de diez pisos en el costado de un edificio en el distrito 13 de la ciudad, con un texto en francés que se traduce como "y contuve la respiración". [41]
Desde sus inicios, FAILE ha trabajado en una amplia gama de superficies, desde lienzos y bloques de madera hasta muros de ciudades. Desde al menos la muestra Lost in Glimmering Shadows , también han intentado convertir galerías en entornos inmersivos, construyendo plataformas, pintando en espacios de exhibición y fomentando la participación del público. En 2010, también dirigieron su atención más de lleno a cuestiones de sonido e iluminación. La muestra Stages en Berlín reunió muchos de estos elementos, mostrando un amplio espectro de enfoques de la pintura de la década anterior (por ejemplo, abstracción gestual, "bloques" entrelazados y collage fragmentado). Para esta exposición, FAILE también aplicó piezas en blanco y negro directamente a las paredes de la Galería Springmann y creó un escenario literal marcado por un portal en forma de diamante que enmarcaba a una mujer con un pañuelo tocando una guitarra. Durante la muestra, el espacio fue cuidadosamente iluminado en tonos púrpura y azul y utilizado por una variedad de artistas. [42] Este "entorno" parecía basarse en experimentos anteriores y marcó el tono para versiones posteriores del proyecto Deluxx Fluxx .
En 2018, FAILE aceptó varios encargos a gran escala en la ciudad de Estrasburgo, en el noreste de Francia. Cada uno de ellos estaba orientado al público y se centraba en una cualidad más secuencial o narrativa. En 2017, FAILE visitó Estrasburgo y estudió su tradición local, y finalmente escribió un poema que se ilustraría con una serie de enormes paneles en blanco y negro en el exterior del Musée d'Art moderne et contemporain. [43] El sitio del museo señala que el texto y las imágenes tienen un tono épico y son ricos en metáforas, pero se conectan con luminarias locales, desde María Antonieta hasta Hans Arp, así como con características geográficas importantes como el río Rin. [44] En relación con esto, FAILE también creó un enorme mural en color, "Poco a poco", que abarca varios miles de pies de la estación central de trenes con vista a la Place de la Gare. Fragmentos decorativos y figurativos de pinturas de FAILE (por ejemplo, el vaquero que conduce un coche de carreras, el caballo de surf y las mujeres como damisela y ladrona) aparecen en el encargo en un formato monumental. [45] Como parte de este proyecto, FAILE también pintó un tranvía en tonos pastel brillantes (de nuevo, tanto abstracto como figurativo). Aunque el encargo de la estación finaliza en 2019, el "Tren FAILE" estará en servicio durante varios años. [46]
En el proyecto Temple de 2010 en Portugal, FAILE trabajó con cerámica a gran escala, desarrolló formas escultóricas fundidas y se inspiró en los agregados de azulejos urbanos. Este proceso complementó el interés de FAILE por la arquitectura vernácula y las tradiciones textiles estadounidenses y abrió una nueva forma de trabajar en la ciudad utilizando cerámica. El primer ejemplo de este tipo de trabajo fue el proyecto 104 North 7th Street en Williamsburg, Brooklyn. [47] Para esta "Casa de los Azulejos", FAILE diseñó una serie de azulejos característicos en patrones llamativos que luego se hicieron a mano y se cocieron en un horno de leña. El edificio, anteriormente un espacio industrial ligero anodino, se revistió a mano en el transcurso de varios días. Según FAILE, North 7th fue una extensión natural de sus proyectos callejeros anteriores. Miller señaló que, al crear el mosaico, "vemos casi el proceso de cómo se construye el grafiti, la forma en que se pule, este tipo de pinturas abstractas de campos de color geométricos". [48]
El trabajo de FAILE con murales de azulejos sigue en curso y ha ejecutado una variedad de proyectos personalizados en el sur de California, incluida una casa en Venice (2017) [49] y un edificio de poca altura en el Distrito de las Artes del centro de Los Ángeles (2018). Este y otros trabajos en la ciudad responden de manera específica al contexto local. Por ejemplo, para una instalación pública en el Distrito Playa del Condado de Orange (2018), FAILE creó una serie de patrones a medida adecuados a la zona, diseños teselados derivados de rollos de película, el paisaje costero, diseño decorativo y artesanía indígena. De manera similar, un encargo de 2019 en Culver City juega con la flor Lantana y las instituciones locales como el Instituto Gemológico de América y el famoso Rollerdrome.
La colaboración de Deluxx Fluxx con Bäst es un espacio de juegos emergente que ha aparecido en múltiples ubicaciones desde 2010. En el verano de 2018, FAILE abrió una versión más permanente del proyecto en el centro de Detroit cerca del "Belt", un callejón entre las calles Library y Broadway. El corredor cuenta con un espacio de exhibición y se centra en una serie de intervenciones de arte público de contemporáneos como Nina Chanel Abney, Carlos Rolón y Shepard Fairey. [50] FAILE ya había mostrado su trabajo el año anterior en esta área con Library Street Collective. Esa muestra, The Size of the Fight , reunió muchas instancias de la práctica de FAILE, incluidas máquinas de pinball, obras en madera y pinturas tipo mandala. Muchas de estas presentaban motivos específicos de Detroit, como un "Tigre de Detroit" y logotipos de carreras que llaman a la ciudad. El título de la exposición hace referencia al adagio de Mark Twain sobre el "tamaño de la pelea en el perro", y el estatus simultáneo de Detroit como un lugar desvalido y de resiliencia y renacimiento. [51] En general, FAILE se inspiró en la energía de Detroit e hizo planes para un proyecto más permanente allí.
Al igual que las versiones anteriores, el Detroit Deluxx Fluxx combina elementos de la época dorada de los arcades, sótanos de la década de 1980 y la cultura visual de los clubes nocturnos. Presenta la paleta de colores fluorescentes característica de los arcades y diez instalaciones de videojuegos personalizadas. Realizadas en colaboración con Matthew Cooley, estas últimas se basan en temas específicos de Detroit, incluidos Robocop y el Eastern Market de la ciudad. [52] Construido a partir de un espacio en bruto, FAILE revistió las paredes con su propio trabajo inspirado en carteles y desarrolló un sistema de iluminación con Andi Watson, un diseñador mejor conocido como director creativo de la banda Radiohead. Según Detroit Free Press, "el resultado es un lugar íntimo (capacidad para 240 personas) y lleno de detalles. Sus elementos se ajustarán con el tiempo para crear una sensación de evolución constante". [53] En este sentido, Deluxx Fluxx es simultáneamente un proyecto de arte interactivo y un lugar de actuación activo, el espacio alberga noches de DJ centradas en los géneros de Detroit (soul, techno) y actos nacionales (por ejemplo, Avey Tare, Chromeo). [54]
Aunque las obras terminadas de FAILE son iconográfica y estilísticamente distintivas, su proceso de creación debe mucho al azar, la improvisación y la apertura a materiales de fuentes externas. [55] Esto es cierto tanto en la relación de FAILE con la forma como con el contenido: los elementos visuales de su obra se adaptan continuamente a materiales heterogéneos, desde el papel para carteles de supermercados hasta cajas de madera y cerámica pintada. Durante los primeros años de su carrera, los laboratorios principales de FAILE eran las calles urbanas. Por un lado, su práctica, en su forma más básica, consistía en pintar con plantillas sobre el entorno construido. Por otro lado, desde el principio FAILE desarrolló un trabajo en el estudio que se nutría de una amplia gama de influencias culturales internacionales, tanto sagradas como profanas, que luego se plasmaban en el mundo exterior. [56] Estas últimas obras exigían reproducibilidad y una rápida disponibilidad para la circulación, y por lo tanto eran muy adecuadas para el proceso de grabado. Después de experimentar con imágenes en blanco y negro más centradas gráficamente y el proceso intensivo de transferencia de color capa por capa, FAILE introdujo un elemento de inmediatez en estas impresiones al pintar el papel antes de imprimir, lo que produjo impresiones sueltas y cromáticamente expresivas. [57]
Cada una de estas tendencias se vio amplificada por los constantes viajes de FAILE y su limitado espacio de estudio permanente. Por necesidad, la obra se adaptaba al lugar de exposición, en virtud de su inherente "especificidad del sitio", así como de la absorción por parte del grupo de formas, imágenes y materiales utilizables dondequiera que estuvieran. Una vez que esos materiales se agotaban, se podían utilizar plantillas para proporcionar una plantilla constante en lugar de impresiones. Esta primera fase fue de dinamismo y experimentación, y gran parte de la obra temprana de FAILE se dejó deteriorar e interactuar con su entorno. [58] En 2005, cuando FAILE estableció un espacio de estudio más grande, este enfoque ad hoc se complementó con un enfoque más tradicional de la pintura y las ediciones de grabados que se basaba en estas prioridades anteriores (permutación intercultural, uso de imágenes y significantes encontrados y un enfoque expresivo y lúdico de la ejecución), al tiempo que tomaba la entropía y el dinamismo de la calle como objeto de investigación.
Aunque el arte callejero es un aspecto constante de la práctica de FAILE (en términos concretos y como fuente de inspiración), el período posterior a 2005 les ha permitido trabajar más lentamente, generando suites temáticas ( War Profitees ; Lost in Glimmering Shadows ), [59] pequeñas tiradas y medios cada vez más tridimensionales, desde máquinas recreativas, madera recuperada y piezas fundidas a gran escala. Sin embargo, cada uno de los proyectos de FAILE está unificado por una apertura constante al azar, las influencias culturales externas, la interactividad del público y los ritmos orgánicos de la calle. [60]
Más recientemente, las cajas de madera y de manzanas encontradas figuraron en el desarrollo de la práctica de estudio de FAILE de formas híbridas de pintura que difuminan los límites entre las formas religiosas, folclóricas, artesanales y escultóricas. Las historias de la abstracción y el acolchado , así como la forma modular de la caja de rompecabezas, por ejemplo, fueron fundamentales para las suites de pinturas de Bedtime Stories de 2010 y Fragments of FAILE de 2011. Al mismo tiempo, las formas arquitectónicas y la tradición ornamental ibérica fueron esenciales en la construcción del proyecto Temple de 2010 , una ruina con ruedas de oración y trabajo en relieve fundido en Lisboa. Ambos elementos, proyectos en madera y entornos de construcción, se fusionaron para producir un " obelisco " de cajas impresas/pintadas en el atrio del Auditorio Koch en el Lincoln Center de Nueva York en 2013. Durante gran parte de la última década, el trabajo de FAILE ha sido iterativo, con instalaciones al aire libre y públicas que informan el trabajo basado en el estudio de una manera aparentemente dialógica. Muchas de sus exposiciones en galerías, por ejemplo, recurren a los procedimientos técnicos desarrollados para encargos específicos de un lugar y viceversa. Si bien los proyectos de FAILE son conocidos por su alto grado de acabado, muchos parecen sugerir el proceso artístico en sí mismo como una especie de contenido. A partir de 2019, FAILE trabajó de manera consistente en una amplia variedad de formatos, desde tranvías europeos hasta edificios revestidos de azulejos en California.
FAILE también ha producido consistentemente libros de artistas (generalmente en asociación con la editorial alemana Gestalten Verlag), incluidos FAILE: Prints + Originals, 1999–2009 (2010), FAILE Temple (2012) y FAILE: Works on Wood: Process, Paintings, and Sculpture (2014).
FAILE, como muchos de sus contemporáneos en la comunidad del arte callejero, enfatiza la creación artística por sobre las declaraciones políticas indirectas o los eslóganes, pero su trabajo a menudo contiene mensajes pasivos y abiertos, generalmente envueltos en ambivalencia. Por un lado, FAILE surgió de una sensibilidad de diseño gráfico e históricamente funciona como una presencia gráfica reconocible, así como una identidad artística. De manera similar, el grafiti y el arte callejero han operado típicamente como una práctica artística contrapública y un medio para ganar fama o estatus para los "escritores" y los creadores de arte. [61] Si bien no hay un lado explícitamente partidista o anticapitalista en este tipo de trabajo, es estructuralmente un acto político en su burla de las leyes, su adopción de la estética del punk-rock y el hip-hop , y su función como un medio de expresión populista o directa a las masas. También existe en el grafiti y el arte callejero una tendencia anti-establishment más profunda en su intento de embellecer y recuperar el entorno urbano, y desdibujar la línea entre los sistemas de galerías de arte de élite y el mundo "exterior" de las calles. [62]
FAILE ciertamente trabaja en esta tradición. Aunque no son escritores de graffiti como tales, su trabajo se originó en las calles, y su trabajo de estudio lleva las características estilísticas tanto del wheatpasting/stenciling como del vernáculo del entorno urbano global. FAILE sostiene que, "nuestro proceso siempre se ha parecido a esta crítica suelta y rápida de la sociedad, ya sea literal o figurativa. Nuestra creación de imágenes a veces ha sido muy metódica e investigada, otras veces ha sido experimental y sucia. El arte callejero en sus raíces es 'punk'. Se propuso criticar y comentar un mundo del que se sentía fuera". [63] Tal crítica es a veces ambivalente, ya que el trabajo de FAILE está marcado por la yuxtaposición constante de dualidades. Otras veces, es más directa, como en las imágenes aparentemente explícitas de la exposición Lost in Glimmering Shadows, o en el wheatpasting público en 2010 de imágenes de mujeres besándose en medio del texto "No Change Will My Heart Fear". Este último se hace eco del ambivalente mensaje de la famosa pintura mural "Kissing Coppers" de Banksy, y es indicativo de la constante priorización de FAILE de la ambivalencia y la apertura por sobre una prescriptividad más explícita.
En la obra de FAILE y en su puesta en escena y ejecución en espacios públicos o alternativos hay vertientes tanto sociales como institucionales. La obra de FAILE se caracteriza en general por un enfoque abierto que permite que la interpretación y el significado de su obra se ramifiquen una vez que entra en la esfera pública. Sobre su trabajo al aire libre, FAILE sostiene que "le da a la persona la sensación de que está ahí sólo para ella. De que se ha topado con esta pequeña gran joya en medio del caos de la vida diaria que realmente puede hablarle. Tratamos de incorporar una cierta ambigüedad que deja la puerta abierta para que el espectador se encuentre dentro de la historia". [64] La apertura del significado y el énfasis en la experiencia del espectador marcan una afinidad compartida tanto con los impulsos antielitistas del arte callejero reciente, [65] como con las ideas más institucionales de especificidad del sitio y estética relacional. En 2010, FAILE amplió su pintura e impresión al ámbito de los elementos escultóricos y arquitectónicos reconstruidos, los artefactos religiosos (como las ruedas de oración) y el proyecto del Templo de 2010 en Lisboa. Estos proyectos reflejan la preocupación de FAILE de que "todo lo que requiere habilidad está desapareciendo del mundo" y que el Templo es "una expresión de la belleza desmoronada de este mundo que desaparece". [66] Este enfoque en las obras públicas se desarrolló aún más en 2012 con la escultura Eat With the Wolf en Ulaanbaatar; en las calles de Brooklyn y Los Ángeles con el 104 N. 7th y otros proyectos basados en mosaicos; en Times Square, Manhattan, con la rueda de oración interactiva a gran escala ( Wishing on You ); y en una serie de galerías interactivas que se convirtieron en un lugar de música en Detroit.
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