El Juicio Final en la Catedral de Santa María del Fiore , en Florencia , Italia, es una pintura al fresco que fue iniciada por elmaestro renacentista italiano Giorgio Vasari en 1572 y completada después de su muerte por Federico Zuccari , en 1579. Inicialmente encargada por el Gran Duque Cosimo I de Médici , está ubicada en el techo de la cúpula de la catedral. Fue objeto de una extensa restauración realizada entre 1989 y 1994.
A medida que se acercaba la finalización de la cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore en Florencia, surgieron varias sugerencias sobre cómo decorar su techo. Una de ellas era que se cubriera con una decoración de mosaico para aprovechar al máximo la luz disponible que entraba por las ventanas circulares del tambor y por la linterna. Sin embargo, existía poca experiencia con el mosaico y se consideraba que era extremadamente caro. También existía la preocupación en ese momento sobre el impacto que tendría su peso en la cúpula, lo que no parece muy importante hoy en día, dado el enorme peso de la cúpula. El arquitecto de las cúpulas Filippo Brunelleschi había propuesto que el techo se cubriera de oro, pero su muerte en abril de 1446 acabó con esta idea. Al final, el techo simplemente se encaló.
La cúpula permaneció sin adornos hasta que el Gran Duque Cosimo I de Médici , en respuesta al Concilio de Trento y la consiguiente Contrarreforma , decidió en 1568 encargar la decoración del techo como un medio no solo para publicitar su papel como gobernante cristiano y promotor del arte religioso en Florencia, sino también para mostrar su apoyo a la nueva orden religiosa y al Papa. [1] Cosimo encargó a su pintor de corte Giorgio Vasari y a su asesor literario y teológico, el erudito clérigo benedictino Vincenzo Borghini, que compusieran una decoración adecuada. Probablemente inspirado por la obra de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina, Vasari sugirió el tema de El Juicio Final . Se llevó a cabo una amplia consulta entre Vasari y Borghini y entre Vasari y el eminente humanista Cosimo Bartoli sobre el proyecto. [1]
El diseño iconográfico final de Borghini, que se inspiró en el Libro del Apocalipsis junto con la Divina Comedia de Dante, exigía que las paredes de la bóveda se pintaran en círculos concéntricos, con las áreas superiores presentando a Cristo, la Virgen y los ángeles, que simbolizarían la redención del espíritu del hombre en su lucha por alcanzar el cielo. [1] El círculo más bajo presentaría el tormento eterno para representar el descenso del hombre a los horrores del inframundo. [2] En respuesta, Vasari, con el aporte de Borghini, completó numerosos dibujos para visualizar el diseño.
Vasari comenzó la obra en 1572. Brunelleschi había previsto que se necesitaría acceso a la superficie interior de la cúpula mediante la instalación de anillos de hierro de los que se pudieran colgar andamios. También había pequeñas ventanas en la carcasa interior a través de las cuales un pintor podía trepar hasta plataformas suspendidas. [3] A pesar de la ayuda del pintor boloñés Lorenzo Sabatini , Vasari había completado solo el nivel superior que representa a Los 24 Ancianos del Apocalipsis y tres secciones del inmediatamente inferior antes de su muerte en junio de 1574. [4] Cosimo lo había presidido durante dos meses. Su sucesor Francesco I de' Medici decidió continuar con el proyecto y encargó a Federico Zuccari que completara la obra, con instrucciones de adherirse al uso del fresco, así como a los dibujos de Vasari para los cuatro segmentos superiores de la cúpula y sus bocetos para las escenas del Infierno, así como a su estilo de pintura. El acuerdo formal de Zuccari para llevar a cabo el proyecto se firmó con la Opera di Santa Maria del Fiore en noviembre de 1575, y comenzó a trabajar el 30 de agosto de 1576. [5] [4] Entre los artistas que lo ayudaron estaban Bartolomeo Carducci , Domenico Passignano y Stefano Pieri (que había sido colaborador de Zuccari en Roma). [5]
El trabajo que se había completado hasta la fecha reflejaba el estilo tradicional toscano "conservador" de Vasari, que tenía una delicadeza armónica con cambios de color sutiles y figuras representadas impecablemente. [6] [4] A pesar de las restricciones que le impuso el contrato, Zuccari (que era un extraño a la cultura y el gusto florentinos) intentó imponer su propio lenguaje estilístico, cambiando los físicos de los personajes pintados, los trajes y la gama de colores. [7] Dado que el detalle característico del método de Vasari era difícil de distinguir del suelo de la catedral, Zuccari se basó en su experiencia en la producción de telones de fondo teatrales y en los métodos de los pintores romanos para producir una obra que, si bien era de una calidad ejecutiva pobre, produjo un efecto final grandioso. [4] Sin embargo, esto le permitió completar el proyecto en tres años, especialmente para un encargo de tal tamaño.
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Zuccari celebró la finalización del proyecto encargando un medallón conmemorativo (que ahora se conserva en el Museo del Bargello). Cuando se dio a conocer la obra terminada en agosto de 1579 [8], los florentinos no estaban contentos con el resultado y hubo ataques tan mordaces que afectaron profundamente la reputación de Zuccari y sus futuros encargos. [9] El autor del siglo XVI Antonio Francesco Grazzini satirizó con humor los frescos (en los que "Giorgin" era una referencia a Vasari):
“Digo la verdad, no por odio a los demás ni para menospreciar, pero realmente Giorgin d'Arezzo, Giorgin, Giorgin debe ser culpado por Giorgin pecó.” [10]
Más tarde, el crítico de arte italiano del siglo XX Carlo Ludovico Ragghianti propuso que se encalara toda la bóveda para enfatizar mejor las formas puras de la arquitectura de Brunelleschi. [11]
El debate se prolongó hasta que en 1981 se tomó la decisión de restaurar los frescos. [12]
Aunque en 1979 se levantaron 16 capas concéntricas de andamios en el interior de la catedral [12] para facilitar el acceso a los restauradores, se necesitaron otros 10 años de investigación y preparación, junto con varios retrasos, antes de que comenzara la restauración real en enero de 1989. [6] La restauración , llevada a cabo bajo la supervisión de Cristina Acidini, finalizó oficialmente en enero de 1994, aunque hubo que esperar hasta finales de 1995 para que se retiraran los andamios. [12] Un ascensor de 60 m de altura proporcionó acceso desde el suelo hasta el inicio de los niveles de restauración. [6] El proyecto tenía un coste previsto de 25 millones de dólares. [6]
Para crear el fresco, Vasari utilizó el método del verdadero fresco , que implicaba la aplicación de pigmento directamente sobre yeso húmedo a base de cal sin el uso de un agente aglutinante, ya que consideraba que era el más viril, más seguro, más resuelto y duradero . [6] La desventaja es que este método es uno de los más difíciles y requiere más tiempo de uso. Presionado por el tiempo, Zuccari utilizó principalmente el método in secco , que implica pintar sobre yeso seco utilizando un aglutinante de solución de caliza débil. Vasari tenía una mala opinión de este método, creyendo que no era duradero. Su creencia se confirmó cuando los restauradores descubrieron que, si bien los frescos de Vasari estaban prácticamente intactos y los colores aún estaban bien integrados en el yeso, los frescos de Zuccari habían sufrido una notable pérdida de color y en algunas áreas se habían desprendido de la pared. Como el impacto principal en la obra de arte había sido el polvo y la suciedad (que se depositaron por el humo que se elevaba hacia arriba de las actividades de la iglesia), los frescos se limpiaron principalmente con agua desionizada, que se aplicó en una compresa de harina de madera a través de una hoja de papel japonés. En los casos en que la obra de arte se encontraba en un estado más frágil, se utilizó únicamente papel y agua. La compresa se dejó actuar durante 20 minutos, antes de retirarla y eliminar la suciedad con cuidado utilizando un hisopo de algodón. [6] En los casos en que los colores de Zuccari se habían desprendido irreversiblemente de la pared de apoyo, fue necesario que los restauradores los volvieran a fijar utilizando resinas acrílicas.
Durante las obras de restauración se fotografió todo el ciclo pictórico del Juicio Final con un equipo especialmente diseñado y toda la información se recopiló en un catálogo. Toda la información de la restauración, junto con las imágenes reconstruidas de los frescos, se almacenó y gestionó en el sistema informático Thesaurus Florentinus . [13] [14]
Los frescos cubren 10.500 pies cuadrados (980 m 2 ) [6] aunque otras fuentes indican 14.000 pies cuadrados (1.300 m 2 ) [12] y 3.600 m 2 (39.000 pies cuadrados) [8] [9]
La pintura consta de cinco niveles concéntricos y ocho segmentos triangulares ( spicchi ).
De arriba a abajo, a partir de la falsa linterna central rodeada por los 24 Ancianos del Apocalipsis, el cuadro se organiza de la siguiente manera: [7]
En el segmento frente a la nave central, sólo hay tres niveles para dar espacio a una gran figura de Cristo entre la Virgen y San Juan Bautista. [4]
La obra contiene 700 figuras, que consisten en 248 ángeles, 235 almas, 21 personalidades contemporáneas, 102 figuras religiosas, 35 condenados, 23 querubines, 14 monstruos, 13 retratos y 12 animales. [15] [8] Entre los personajes contemporáneos que Zuccari representó estaban los mecenas de los Medici (Cosimo I de Medici y su hijo Francesco), el emperador, el rey de Francia, Borghini, Giambologna, Vasari y otros artistas, e incluso él mismo y muchos de sus parientes (como el difunto hermano Taddeo) y amigos. [7]
