El Anatsui ( nacido el 4 de febrero de 1944 ) [1] [ 2 ] [3] es un escultor ghanés que trabajó durante gran parte de su carrera en Nigeria . Ha llamado especialmente la atención internacional por sus « instalaciones con tapas de botellas » . Estas instalaciones consisten en miles de piezas de aluminio procedentes de plantas de reciclaje de alcohol y cosidas con alambre de cobre, que luego se transforman en esculturas de pared metálicas similares a telas. Estos materiales, aunque parecen rígidos y resistentes, en realidad son libres y flexibles, lo que a menudo ayuda con la manipulación al instalar sus esculturas. [4] [5]
Anatsui fue incluido en la lista Time 100 de las personas más influyentes del mundo de 2023. [6]
El Anatsui nació en Anyako , en la región de Volta , en Ghana . Fue el más joven de los 32 hijos de su padre. Perdió a su madre y fue criado por su tío. Su primera experiencia con el arte fue dibujando letras en una pizarra. [7] Sus intentos de rotulación llamaron la atención del director de su escuela, quien alentó su esfuerzo proporcionándole más tiza. Debido a su edad en ese momento (recién había terminado el jardín de infantes), consideraba las letras más como imágenes que como letras: las formas le interesaban. [8]
Anatsui se licenció en 1968 en la Facultad de Arte y Medio Ambiente Construido (KNUST) de Kumasi (Ghana). Al año siguiente, en 1969, obtuvo su diploma de posgrado en Educación Artística en la Universidad de Ciencia y Tecnología Kwame Nkrumah (KNUST) , también en Kumasi. [9]
Algunas de sus primeras influencias artísticas incluyen a Oku Ampofo , Vincent Akwete Kofi y Kofi Antubam , quienes comenzaron a rechazar las influencias extranjeras en sus prácticas a favor de las formas de arte indígenas. [10] Después de graduarse en 1969, Anatsui asumió un puesto de profesor en Winneba Specialist Training College (ahora Universidad de Educación ), un puesto que anteriormente había sido desempeñado por Kofi. [7]
Comenzó a enseñar en la Universidad de Nigeria, Nsukka en 1975. [11] Se convirtió en profesor titular del departamento de Bellas Artes y Artes Aplicadas en 1982, y más tarde se convirtió en jefe de ese departamento y profesor titular de escultura en 1996, cargo que ocupó hasta 2011. [9] Su presencia en la Universidad de Nsukka lo llevó a afiliarse al grupo Nsukka .
Han sido necesarios muchos años para encontrar artistas que pudieran ocupar un lugar destacado en el circuito mundial y al mismo tiempo optar por residir fuera de los centros metropolitanos . William Kentridge se ha ganado su reputación en Johannesburgo y El Anatsui ha conquistado el planeta mientras vivía y trabajaba en la ciudad universitaria nigeriana de Nsukka. [12]
Anatsui señala que, en la escuela y en la universidad, "todo lo que hacíamos era occidental", especialmente en el departamento de Bellas Artes de su universidad; sentía que faltaba algo en su educación por la falta de enfoque en su propia cultura. [13] Para rectificar esto, comenzó a visitar el Centro Cultural Nacional de Ghana, también en Kumasi, para relacionarse con los músicos, artistas gráficos, artistas textiles, impresores y artistas creativos de todo tipo. Fue allí donde conoció Adinkra , un sistema de signos y símbolos, que fue su primera introducción al arte abstracto y le abrió un nuevo mundo de posibilidades artísticas. [13]
En la década de 1970, Anatsui trabajó frecuentemente con madera. Estaba particularmente interesado en las bandejas de madera, que a menudo veía utilizadas en los mercados para exhibir alimentos y otros productos: las tallaba o grababa con símbolos Adinkra y otras marcas usando varillas calientes. [8] También comenzó a usar madera para construir paneles de pared a partir de tiras colocadas una al lado de la otra, la superficie decorada con diseños impartidos en el material mediante el uso de motosierras, gubias, llama o pintura. [11] A fines de la década de 1970, comenzó a trabajar con arcilla: ollas, en particular, explorando temas de fragilidad y deterioro. Estaba interesado en cómo, incluso después de que una olla se rompe y deja de usarse de la manera en que comúnmente pensamos (para comida, agua), adquiere un nuevo propósito, incluso adquiere más usos, desde lo mundano hasta lo espiritual. Lo más intrigante para él es el uso de fragmentos de ollas para presentar ofrendas. Dijo: “Es como si la olla, al romperse, se transformara en una dimensión que la hace ideal para el uso de los antepasados y las deidades que están en la dimensión espiritual”. [8]
Después de su trabajo con las ollas rotas, Anatsui exploró temas relacionados con la comida en otros materiales: madera, nuevamente, en forma de morteros; equipos utilizados para procesar mandioca y tapas de botellas. [8]
Gran parte de la obra de Anatsui presenta materiales encontrados o que tuvieron una vida útil antes de convertirse en esta obra de arte. Sin embargo, su énfasis en el objeto encontrado es menos duchampiano y se centra más en la historia del uso y la evidencia de la mano humana en el material. [8]
“Cuando algo ha sido utilizado, hay una cierta carga, una cierta energía, que tiene que ver con las personas que lo han tocado y utilizado y, a veces, abusado de ello. Esto ayuda a orientar lo que uno está haciendo y también a enraizar lo que uno está haciendo en el entorno y la cultura.” [13]
Las tapas de metal son uno de sus materiales favoritos; al igual que la tela, describe Anatsui, una disposición de tapas de botellas es versátil, lo que le permite considerar su arte tanto de manera escultórica (a través de la forma de las tapas) como pictórica (a través de los colores de las tapas). Además, aprecia la visión que las tapas de botellas brindan sobre cuestiones políticas y sociológicas actuales e históricas, en virtud de los nombres y colores de varias marcas de bebidas que están impresos en las tapas. [13]
“Lo más importante para mí es la transformación. El hecho de que estos medios, cada uno de los cuales identifica una marca de bebida, ya no vuelvan a cumplir la misma función, sino que sean elementos que puedan generar alguna reflexión, algún pensamiento o simplemente algún asombro. Esto es posible porque se los saca de su contexto habitual y funcional para introducirlos en uno nuevo, y traen consigo sus historias e identidades.” [8]
En la obra de Anatsui están presentes varios temas: la destrucción y posterior reconstitución de material como metáfora de la vida y los cambios que enfrentó África bajo el colonialismo y desde la independencia; temas y motivos tradicionales de las telas tejidas en tiras de África occidental y otros textiles africanos ; y la preocupación por la mala interpretación académica occidental de la historia africana y las distorsiones que ha causado. [11] Su obra también está conectada temáticamente con el paisaje cultural de África occidental y las ideas de consumo y trabajo. [8]
La idea de Sankofa (que significa "regresar y recuperar") también está presente en la obra de Anatsui. Él la considera una forma de recurrir al pasado, a las lecciones que ofrece, para trazar un modo de avanzar. Para él, Sankofa describió la necesidad de recurrir a lo que lo rodeaba inmediatamente; Ghana se independizó cuando estaba en la escuela secundaria, y gran parte de su educación se había centrado en el arte occidental y la historia del arte, por lo que se sintió llamado a "regresar y recuperar" aspectos de la cultura ghanesa que habían sido suprimidos, algo que describió como una especie de "búsqueda de autodescubrimiento". [8]
La carrera de Anatsui creció gradualmente, comenzando en su pueblo natal de Nsukka antes de diversificarse a lugares como Enugu y Lagos , y eventualmente a nivel internacional. [14] En 1990, Anatsui tuvo su primera exposición grupal importante en el Studio Museum en Harlem , Nueva York . También fue uno de los tres artistas destacados en la exposición de 1990 "Artistas africanos contemporáneos: tradiciones cambiantes", que se extendió por cinco años. [14] Desde entonces, Anatsui ha exhibido su trabajo en todo el mundo, incluso en el Museo de Brooklyn (2013); [15] el Instituto de Arte Clark (2011); [16] la Galería de Arte de la Universidad Rice, Houston (2010); [17] el Museo Metropolitano de Arte , Nueva York (2008-09); [18] el Museo Nacional de Arte Africano , Institución Smithsonian, Washington, DC (2008); [19] el Museo Fowler en UCLA (2007); [20] la Bienal de Venecia (1990 y 2007); [21] la Hayward Gallery (2005); [22] la Bienal de Liverpool (2002); [21] el Museo Nacional de Arte Africano (2001); [21] el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (2001); [21] la 8ª Trienal de Escultura de Osaka (1995); [21] la 5ª Bienal de Gwangju (2004); el Museo Árabe de Arte Moderno de Doha (2019); [23] y el Kunstmuseum Bern (2020). [24] En 1995, Anatsui realizó su primera exposición individual fuera de África en Londres . Expresó una variedad de temas y demostró cómo el arte africano se puede mostrar de una multitud de formas que no se consideran africanas "típicas". [14] Su obra utilizó modos conceptuales utilizados por artistas europeos y estadounidenses, pero apenas en los países africanos. [14] Anatsui mostró su obra en el Museo de Young en San Francisco en 2005. Esta fue la primera vez que "apareció como parte de la colección permanente de un importante museo de arte". [25] También en 2005, su exposición en la Galería Skoto de Nueva York, "Danudo", fue la primera exhibición de sus láminas de metal en una ciudad estadounidense. [25] En esta galería, Skoto Aghahowa presentó los paneles de madera para pared de Anatsui junto con Sol LeWittLos dibujos de 's. Esta exposición popularizó sus obras con tapas de botellas a medida que ganaba más reconocimiento en la prensa. [25]
Anatsui fue invitado a la Bienal de Venecia en 2006 y nuevamente en 2007, donde se le encargó hacer dos tapices de metal colgantes. Durante la edición de 2007, exhibió sus obras en el Palazzo Fortuny , que consistía en paredes recién construidas para que exhibiera tres tapices de metal titulados Dusasa . [25] Cada obra de arte mostró diferentes texturas y colores, incluidos dorados, rojos y negros. La forma en que las tapas de las botellas cubrían los tapices creaba una sensación de delicadeza que lo hacía destacar de las otras obras en la galería. [25] El curador de arte de la Bienal, Robert Storr , menciona que la serie del artista "se remonta a toda una serie de cosas en el período de posguerra; tiene una especie de exaltación que no había visto antes". [25] Durante esta muestra veneciana, Anatsui quería crear una nueva experiencia para sus espectadores conceptualmente. Él cree que “la vida humana no es algo que esté definido y determinado, sino algo que está en constante cambio”. [14] En ese momento, comenzó a referirse a sus obras de metal como tapices en lugar de “telas”. [14]
En 2010, el Museo de Arte Africano organizó una retrospectiva de su obra titulada When I Last Wrote to You About Africa (Cuando te escribí por última vez sobre África ) que se inauguró en el Museo Real de Ontario en Toronto (Ontario , Canadá). Posteriormente, estuvo de gira por varios lugares de los Estados Unidos durante tres años y concluyó en el Museo de Arte de la Universidad de Michigan .
Una importante exposición de obras recientes, titulada Gravity & Grace: Monumental Works by El Anatsui , tuvo su estreno en Nueva York en el Museo de Brooklyn en 2013. Organizada por el Museo de Arte de Akron (exposición: 2012), la exposición viajó más tarde al Centro de Arte de Des Moines (2013-14) y al Museo de Arte Bass en Miami (2014). [26]
Una muestra de su carrera artística, organizada por Okwui Enwezor y Chika Okeke-Agulu , titulada Triumphant Scale, atrajo a una multitud récord cuando se inauguró en marzo de 2019 en la Haus der Kunst de Múnich . Desde allí, la muestra viajó al Museo Árabe de Arte Moderno de Doha y, más tarde, al Kunstmuseum de Berna en 2020. [23]
Anatsui fue seleccionado para la Comisión Hyundai 2023 en la Sala de Turbinas de la Tate Modern ; un vasto espacio de exhibición para obras escultóricas y obras de arte específicas de sitio a gran escala. Su obra, "Behind the Red Moon", está hecha de miles de tapas y fragmentos de botellas de metal, basándose en su trabajo con materiales vinculados a la trata transatlántica de esclavos, y estará en exhibición hasta el 14 de abril de 2024. [27] [28] [29]
Anatsui fue seleccionado para ser miembro del consejo mundial de la Sociedad Internacional para la Educación a través del Arte (InSEA) en 1992 por su trabajo en educación. [14] Anatsui fue miembro fundador y miembro del Foro para las Artes Africanas en 2000. Ese año también se convirtió en miembro del Comité de Selección Internacional para la Bienal de Dakar en Senegal. [14] En 2001 fue miembro de la Fundación Civitella Ranieri en Italia. [30] [14]
Anatsui ganó una mención honorífica en el Primer Concurso Nacional de Arte de Ghana como estudiante de pregrado en 1968. Al año siguiente fue galardonado como Mejor Estudiante del Año en la Facultad de Arte de Kumasi, Ghana. [14] En 1983 ganó un encargo para dos grandes esculturas públicas hechas de cemento con superficie de terrazo en el campus de Nsukka . [14] Fue seleccionado para ser uno de los diez artistas invitados a la residencia Zweites Symposium Nordesekkuste en Cuxhaven , Alemania Occidental , en 1984. [14]
En 1990, Anatsui fue invitado a la 44ª Bienal anual de Venecia , 5 Contemporary African Artists , donde recibió una mención honorífica. [14] Ese año fue incluido en el documental estadounidense Nigerian Art-Kindred Spirits .
En 2015, la Bienal de Venecia le otorgó a Anatsui el León de Oro por su trayectoria . [31] [32] En 2017, Anatsui recibió el Praemium Imperiale , siendo el primer ghanés en ganar este premio de arte internacional. [33] [34]
Otros premios incluyen: