Rococó , menos comúnmente rococó ( / r ə ˈ k oʊ k oʊ / rə- KOH -koh , EE. UU. también / ˌ r oʊ k ə ˈ k oʊ / ROH -kə- KOH ; francés: [ʁɔkɔko] o [ʁokoko] ), también conocido comobarroco tardío, es un estilo arquitectónico, artístico y decorativo excepcionalmente ornamental y dramático que combina asimetría, curvas onduladas, dorado, colores blanco y pastel, molduras esculpidas ytrampantojopara crear sorpresa y la ilusión de movimiento y dramatismo. A menudo se lo describe como la expresión final delmovimientobarroco[1]
El estilo rococó surgió en Francia en la década de 1730 como una reacción contra el estilo Luis XIV, más formal y geométrico . Se lo conocía como «estilo Rocaille » o «estilo Rocaille». [2] Pronto se extendió a otras partes de Europa, en particular al norte de Italia, Austria, el sur de Alemania, Europa central y Rusia. [3] También llegó a influir en otras artes, en particular la escultura, el mobiliario, la platería, la cristalería, la pintura, la música, el teatro [4] y la literatura. [5] Aunque originalmente era un estilo secular utilizado principalmente para interiores de residencias privadas, el rococó tenía un aspecto espiritual que llevó a su uso generalizado en interiores de iglesias, en particular en Europa central, Portugal y Sudamérica. [6]
La palabra rococó fue utilizada por primera vez como una variación humorística de la palabra rocalla por Pierre-Maurice Quays . [7] [8] La rocalla era originalmente un método de decoración , que utilizaba guijarros, conchas marinas y cemento, que se usaba a menudo para decorar grutas y fuentes desde el Renacimiento. [9] [10] A finales del siglo XVII y principios del XVIII, rocalla se convirtió en el término para una especie de motivo decorativo u ornamento que apareció en el estilo Luis XIV tardío , en forma de una concha marina entrelazada con hojas de acanto . En 1736, el diseñador y joyero Jean Mondon publicó el Premier Livre de forme rocquaille et cartel , una colección de diseños para adornos de muebles y decoración de interiores. Fue la primera aparición impresa del término rocalla para designar el estilo. [11] El motivo de concha marina tallada o moldeada se combinaba con hojas de palma o enredaderas retorcidas para decorar puertas, muebles, paneles de pared y otros elementos arquitectónicos. [12]
El término rococó se utilizó por primera vez en forma impresa en 1825 para describir una decoración que estaba «pasada de moda y pasada de moda». En 1828 se utilizó para la decoración «que pertenecía al estilo del siglo XVIII, sobrecargada con adornos retorcidos». En 1829, el autor Stendhal describió el rococó como «el estilo rocalla del siglo XVIII». [13]
En el siglo XIX, el término se utilizó para describir la arquitectura o la música que eran excesivamente ornamentales. [14] [15] Desde mediados del siglo XIX, el término ha sido aceptado por los historiadores del arte . Si bien todavía existe cierto debate sobre la importancia histórica del estilo, ahora se considera que el rococó es un período distinto en el desarrollo del arte europeo .
El rococó se caracteriza por una decoración exuberante, con abundancia de curvas, contracurvas, ondulaciones y elementos modelados a partir de la naturaleza. Los exteriores de los edificios rococó suelen ser sencillos, mientras que los interiores están completamente dominados por su ornamentación. El estilo era muy teatral, diseñado para impresionar y asombrar a primera vista. Los planos de las iglesias eran a menudo complejos, presentando óvalos entrelazados; en los palacios, las grandes escaleras se convirtieron en piezas centrales y ofrecían diferentes puntos de vista de la decoración. [1] Los principales adornos del rococó son: conchas asimétricas, acanto y otras hojas, pájaros, ramos de flores, frutas, instrumentos musicales, ángeles y chinoiserie ( pagodas , dragones, monos, flores extrañas y personas chinas). [16]
El estilo a menudo combinaba pintura, estuco moldeado y tallado de madera, así como quadraturas o pinturas ilusionistas en el techo, que estaban diseñadas para dar la impresión de que quienes entraban en la habitación miraban hacia el cielo, donde querubines y otras figuras los observaban. Los materiales utilizados incluían estuco, pintado o dejado en blanco; combinaciones de maderas de diferentes colores (generalmente roble, haya o nogal); madera lacada al estilo japonés, adornos de bronce dorado y tapas de mármol para cómodas o mesas. [17] La intención era crear una impresión de sorpresa, asombro y maravilla a primera vista. [18]
El rococó tiende a tener las siguientes características, que el barroco no tiene:
El estilo Rocaille , o rococó francés, apareció en París durante el reinado de Luis XV y floreció entre 1723 y 1759. [21] El estilo se utilizó particularmente en salones, un nuevo estilo de habitación diseñado para impresionar y entretener a los invitados. El ejemplo más destacado fue el salón de la princesa en el Hôtel de Soubise en París, diseñado por Germain Boffrand y Charles-Joseph Natoire (1735-1740). Las características del rococó francés incluían un arte excepcional, especialmente en los marcos complejos hechos para espejos y pinturas, que estaban esculpidos en yeso y a menudo dorados; y el uso de formas vegetales (vides, hojas, flores) entrelazadas en diseños complejos. [22] Los muebles también presentaban curvas sinuosas y diseños vegetales. Los principales diseñadores de muebles y artesanos del estilo incluyeron a Juste-Aurèle Meissonier , Charles Cressent y Nicolas Pineau . [23] [24]
El estilo rocalla perduró en Francia hasta mediados del siglo XVIII y, si bien se volvió más curvilíneo y vegetal, nunca alcanzó la exuberancia extravagante del rococó en Baviera, Austria e Italia. Los descubrimientos de antigüedades romanas a partir de 1738 en Herculano y, especialmente, en Pompeya en 1748, orientaron la arquitectura francesa hacia el neoclasicismo , más simétrico y menos extravagante .
Los artistas de Italia, particularmente de Venecia , también produjeron un exuberante estilo rococó. Las cómodas venecianas imitaban las líneas curvas y los adornos tallados de la rocalla francesa, pero con una variación veneciana particular; las piezas estaban pintadas, a menudo con paisajes o flores o escenas de Guardi u otros pintores, o chinoiserie , sobre un fondo azul o verde, a juego con los colores de la escuela veneciana de pintores cuyo trabajo decoraba los salones. Entre los pintores decorativos notables se encuentran Giovanni Battista Tiepolo , que pintó techos y murales tanto de iglesias como de palacios, y Giovanni Battista Crosato , que pintó el techo del salón de baile de Ca' Rezzonico al estilo quadraturo , dando la ilusión de tres dimensiones. Tiepolo viajó a Alemania con su hijo durante 1752-1754, decorando los techos de la Residencia de Würzburg , uno de los principales hitos del rococó bávaro. Un pintor veneciano célebre anterior fue Giovanni Battista Piazzetta , que pintó varios techos de iglesias notables. [25]
El rococó veneciano también se caracterizó por su excepcional cristalería, en particular el cristal de Murano , a menudo grabado y coloreado, que se exportó a toda Europa. Entre las obras se encontraban candelabros multicolores y espejos con marcos extremadamente ornamentados. [25]
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En la construcción de iglesias, especialmente en la región del sur de Alemania y Austria, a veces se crean gigantescas creaciones espaciales por razones puramente prácticas, que, sin embargo, no parecen monumentales, sino que se caracterizan por una fusión única de arquitectura, pintura, estuco, etc., que a menudo elimina los límites entre los géneros artísticos, y se caracterizan por una ingravidez llena de luz, alegría festiva y movimiento. El estilo decorativo rococó alcanzó su apogeo en el sur de Alemania y Austria desde la década de 1730 hasta la de 1770. Allí domina el paisaje de las iglesias hasta el día de hoy y está profundamente arraigado allí en la cultura popular. Fue introducido por primera vez desde Francia a través de las publicaciones y obras de arquitectos y decoradores franceses, entre ellos el escultor Claude III Audran , el diseñador de interiores Gilles-Marie Oppenordt , el arquitecto Germain Boffrand , el escultor Jean Mondon y el dibujante y grabador Pierre Lepautre . Su obra tuvo una importante influencia en el estilo rococó alemán, pero no alcanzó el nivel de los edificios del sur de Alemania. [26]
Los arquitectos alemanes adaptaron el estilo rococó, pero lo hicieron mucho más asimétrico y cargado de una decoración más ornamentada que el original francés. El estilo alemán se caracterizaba por una explosión de formas que caían en cascada por las paredes. Presentaba molduras formadas en curvas y contracurvas, patrones sinuosos y giratorios, techos y paredes sin ángulos rectos y follaje de estuco que parecía trepar por las paredes y atravesar el techo. La decoración solía ser dorada o plateada para contrastar con las paredes blancas o de tonos pastel pálidos. [27]
El arquitecto y diseñador belga François de Cuvilliés fue uno de los primeros en crear un edificio rococó en Alemania, con el pabellón de Amalienburg en Múnich (1734-1739), inspirado en los pabellones de Trianon y Marly en Francia. Fue construido como pabellón de caza, con una plataforma en el techo para cazar faisanes. El Salón de los Espejos en el interior, obra del pintor y escultor de estucos Johann Baptist Zimmermann , era mucho más exuberante que cualquier rococó francés. [28]
Otro ejemplo notable del rococó alemán temprano es la Residencia de Wurzburgo (1737-1744) construida para el príncipe-obispo Johann Philipp Franz von Schönborn de Wurzburgo por Balthasar Neumann . Neumann había viajado a París y había consultado con los artistas decorativos franceses de rocalla Germain Boffrand y Robert de Cotte . Mientras que el exterior era de estilo barroco más sobrio, el interior, en particular las escaleras y los techos, era mucho más ligero y decorativo. El príncipe-obispo importó al pintor rococó italiano Giovanni Battista Tiepolo en 1750-1753 para crear un mural sobre la parte superior de la escalera ceremonial de tres niveles. [29] [30] [31] Neumann describió el interior de la residencia como "un teatro de luz". La escalera también fue el elemento central de una residencia que Neumann construyó en el Palacio Augustusburg en Brühl (1743-1748). En ese edificio la escalera conducía a los visitantes a través de una fantasía de estuco de pinturas, esculturas, herrería y decoración, con vistas sorprendentes a cada paso. [29]
En las décadas de 1740 y 1750 se construyeron en Baviera varias iglesias de peregrinación notables , con interiores decorados en una variante distintiva del estilo rococó. Uno de los ejemplos más notables es la Wieskirche (1745-1754) diseñada por Dominikus Zimmermann . Como la mayoría de las iglesias de peregrinación bávaras, el exterior es muy simple, con paredes de color pastel y pocos adornos. Al entrar en la iglesia, el visitante se encuentra con un asombroso teatro de movimiento y luz. Cuenta con un presbiterio de forma ovalada y un deambulatorio de la misma forma, que llena la iglesia de luz por todos lados. Las paredes blancas contrastan con columnas de estuco azul y rosa en el coro, y el techo abovedado rodeado de ángeles de yeso debajo de una cúpula que representa el cielo lleno de coloridas figuras bíblicas. Otras iglesias de peregrinación notables incluyen la Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores de Balthasar Neumann (1743-1772). [32] [33]
Johann Michael Fischer fue el arquitecto de la Abadía de Ottobeuren (1748-1766), otro hito del estilo rococó bávaro. La iglesia presenta, como gran parte de la arquitectura rococó en Alemania, un notable contraste entre la regularidad de la fachada y la sobreabundancia de la decoración en el interior. [29]
En Gran Bretaña, el rococó se denominaba «gusto francés» y tuvo menos influencia en el diseño y las artes decorativas que en la Europa continental, aunque su influencia se sintió en áreas como la platería, la porcelana y la seda. William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para la belleza rococó. Aunque no mencionó el rococó por su nombre, argumentó en su Análisis de la belleza (1753) que las líneas onduladas y las curvas en forma de S que predominaban en el rococó eran la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o el círculo en el clasicismo ). [34]
El rococó tardó en llegar a Inglaterra. Antes de entrar en el rococó, el mobiliario británico siguió durante un tiempo el modelo neoclásico palladiano bajo la dirección del diseñador William Kent , que diseñó para Lord Burlington y otros importantes mecenas de las artes. Kent viajó a Italia con Lord Burlington entre 1712 y 1720, y trajo consigo muchos modelos e ideas de Palladio. Diseñó el mobiliario para el palacio de Hampton Court (1732), la Chiswick House de Lord Burlington (1729) en Londres, el Holkham Hall de Thomas Coke en Norfolk, el Houghton Hall de Robert Walpole , para Devonshire House en Londres y para Rousham House . [23]
La caoba hizo su aparición en Inglaterra alrededor de 1720, y de inmediato se hizo popular para los muebles, junto con la madera de nogal . El rococó comenzó a aparecer en Inglaterra entre 1740 y 1750. Los muebles de Thomas Chippendale fueron los más cercanos al estilo rococó. En 1754 publicó "Gentleman's and Cabinet-makers' directory", un catálogo de diseños de muebles rococó, chinoiserie e incluso góticos, que alcanzó una gran popularidad, pasando por tres ediciones. A diferencia de los diseñadores franceses, Chippendale no empleó marquetería o incrustaciones en sus muebles. El diseñador predominante de muebles con incrustaciones fue Vile y Cob, los ebanistas del rey Jorge III . Otra figura importante en el mobiliario británico fue Thomas Johnson , quien en 1761, muy tarde en el período, publicó un catálogo de diseños de muebles rococó. Estos incluyen muebles basados en motivos chinos e indios bastante fantásticos, incluida una cama con dosel coronada por una pagoda china (ahora en el Victoria and Albert Museum ). [25]
Otras figuras notables del rococó británico incluyeron al platero Charles Friedrich Kandler.
El estilo rococó ruso fue introducido en gran parte por la emperatriz Isabel y Catalina la Grande [ cita requerida ] , durante el siglo XVIII por arquitectos de la corte como Francesco Bartolomeo Rastrelli .
Las obras de Rastrelli en palacios como el Palacio de Invierno en San Petersburgo y el Palacio de Catalina en Tsarskoye Selo incorporaron muchas características de la arquitectura rococó de Europa occidental, incluidas grandes salas ornamentadas con pan de oro, espejos y grandes ventanales para la luz natural en los interiores, y suaves colores pastel enmarcados con grandes ventanas con capuchones y cornisas en los exteriores con motivos de rocalla, como conchas y rocas asimétricas. [35] Los plafones a menudo presentaban volutas rococó que rodeaban pinturas alegóricas de antiguos dioses y diosas griegos y romanos. [36] Los pisos a menudo tenían incrustaciones de diseños de parquet formados a partir de diferentes maderas para crear diseños elaborados en la carpintería.
La arquitectura de las iglesias ortodoxas rusas también estuvo muy influenciada por los diseños rococó durante el siglo XVIII, que a menudo presentaban un diseño de cruz griega cuadrada con cuatro alas equidistantes. Los exteriores estaban pintados en colores pastel claros, como azules y rosas, y los campanarios a menudo estaban rematados con cúpulas de cebolla doradas. [37]
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El rococó frederickiano es una forma de rococó que se desarrolló en Prusia durante el reinado de Federico el Grande y combinó influencias de Francia, Alemania (especialmente Sajonia ) y los Países Bajos . [38] Su más famoso seguidor fue el arquitecto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff . Además, el pintor Antoine Pesne e incluso el propio rey Federico influyeron en los diseños de Knobelsdorff. Entre los edificios famosos del estilo frederickiano se incluyen el palacio de Sanssouci , [39] el palacio de la ciudad de Potsdam y partes del palacio de Charlottenburg .
El arte de François Boucher y otros pintores de la época, con su énfasis en la mitología decorativa y la galantería, pronto inspiró una reacción y una demanda de temas más "nobles". Mientras el rococó continuaba en Alemania y Austria, la Academia Francesa en Roma comenzó a enseñar el estilo clásico. Esto fue confirmado por el nombramiento de Jean François de Troy como director de la academia en 1738, y luego en 1751 por Charles-Joseph Natoire .
Madame de Pompadour , amante de Luis XV , contribuyó a la decadencia del estilo rococó. En 1750 envió a su hermano, Abel-François Poisson de Vandières , en una misión de dos años para estudiar los avances artísticos y arqueológicos en Italia. Lo acompañaron varios artistas, entre ellos el grabador Charles-Nicolas Cochin y el arquitecto Soufflot . Regresaron a París con una pasión por el arte clásico. Vandières se convirtió en el marqués de Marigny y fue nombrado director general de los Edificios del Rey . Giró la arquitectura francesa oficial hacia el neoclásico. Cochin se convirtió en un importante crítico de arte; denunció el petit style de Boucher y pidió un gran estilo con un nuevo énfasis en la antigüedad y la nobleza en las academias de pintura y arquitectura. [40]
El principio del fin del rococó llegó a principios de la década de 1760, cuando figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a expresar sus críticas a la superficialidad y degeneración de este arte. Blondel denunció la "ridícula mezcolanza de conchas, dragones, juncos, palmeras y plantas" en los interiores contemporáneos. [41]
En 1785, el rococó ya no estaba de moda en Francia, y fue reemplazado por el orden y la seriedad de artistas neoclásicos como Jacques-Louis David . En Alemania, el rococó de finales del siglo XVIII fue ridiculizado como Zopf und Perücke ("coleta y peluca"), y a esta fase a veces se la conoce como Zopfstil . El rococó siguió siendo popular en ciertos estados provinciales alemanes y en Italia, hasta que llegó la segunda fase del neoclasicismo, el " estilo Imperio ", con los gobiernos napoleónicos y barrió al rococó.
El estilo ornamental llamado rocalla surgió en Francia entre 1710 y 1750, principalmente durante la regencia y el reinado de Luis XV ; el estilo también fue llamado Luis XV . Sus principales características eran los detalles pintorescos, las curvas y contracurvas, la asimetría y una exuberancia teatral. En las paredes de los nuevos salones de París, los diseños sinuosos y torcidos, generalmente hechos de estuco dorado o pintado, se enroscaban alrededor de las puertas y los espejos como enredaderas. Uno de los primeros ejemplos fue el Hôtel Soubise en París (1704-1705), con su famoso salón ovalado decorado con pinturas de Boucher y Charles-Joseph Natoire . [42]
El diseñador de muebles francés más conocido de la época fue Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), que también fue escultor, pintor y orfebre de la casa real. Ostentaba el título de diseñador oficial de la Cámara y del Gabinete de Luis XV. Su obra es muy conocida hoy en día por la enorme cantidad de grabados realizados a partir de su obra, que popularizaron el estilo en toda Europa. Diseñó obras para las familias reales de Sajonia y Portugal .
Italia fue otro lugar donde floreció el estilo rococó, tanto en sus primeras fases como en las posteriores. Los artesanos de Roma, Milán y Venecia produjeron muebles y objetos decorativos profusamente decorados.
La decoración esculpida incluía floretes, palmetas, conchas marinas y follaje tallado en madera. Las formas de rocalla más extravagantes se encontraron en las consolas , mesas diseñadas para apoyarse contra las paredes. Las cómodas , o arcones, que habían aparecido por primera vez bajo Luis XIV, estaban ricamente decoradas con adornos de rocalla hechos de bronce dorado. Fueron hechas por maestros artesanos como Jean-Pierre Latz y también presentaban marquetería de maderas de diferentes colores, a veces colocadas en patrones cúbicos de tablero de damas, hechos con maderas claras y oscuras. El período también vio la llegada de Chinoiserie , a menudo en forma de cómodas lacadas y doradas, llamadas falcon de Chine de Vernis Martin , en honor al ebenista que introdujo la técnica en Francia. El ormolu , o bronce dorado, fue utilizado por maestros artesanos como Jean-Pierre Latz . Latz fabricó un reloj particularmente ornamentado montado sobre un cartonero para Federico el Grande para su palacio en Potsdam [ aclaración necesaria ] . Las piezas de porcelana china importada a menudo se montaban en configuraciones rococó de ormolu (bronce dorado) para exhibirlas en mesas o consolas en salones. Otros artesanos imitaron muebles lacados japoneses y produjeron cómodas con motivos japoneses. [18]
El rococó británico tendía a ser más sobrio. Los diseños de muebles de Thomas Chippendale conservaban las curvas y el estilo, pero no alcanzaban los niveles franceses de extravagancia. El exponente más exitoso del rococó británico fue probablemente Thomas Johnson , un talentoso tallista y diseñador de muebles que trabajó en Londres a mediados del siglo XVIII.
Elementos del estilo Rocaille aparecieron en la obra de algunos pintores franceses, incluyendo un gusto por lo pintoresco en los detalles; curvas y contracurvas; y disimetría que reemplazó el movimiento del barroco con exuberancia, aunque el rocaille francés nunca alcanzó la extravagancia del rococó germánico. [43] El principal defensor fue Antoine Watteau , particularmente en El embarque para Citera (1717), Louvre , en un género llamado Fête galante que representa escenas de jóvenes nobles reunidos para celebrar en un entorno pastoral. Watteau murió en 1721 a la edad de treinta y siete años, pero su trabajo continuó teniendo influencia durante el resto del siglo. Una versión de la pintura de Watteau titulada Peregrinación a Citera fue comprada por Federico el Grande de Prusia en 1752 o 1765 para decorar su palacio de Charlottenburg en Berlín. [43]
El sucesor de Watteau y de la Féte Galante en la pintura decorativa fue François Boucher (1703-1770), el pintor favorito de Madame de Pompadour . Su obra incluye la sensual Toilette de Venus (1746), que se convirtió en uno de los ejemplos más conocidos del estilo. Boucher participó en todos los géneros de la época, diseñando tapices, modelos para esculturas de porcelana, decorados para la Ópera de París y la Opéra-Comique , y decoración para la Feria de Saint-Laurent . [44] Otros pintores importantes del estilo de la Fête Galante fueron Nicolas Lancret y Jean-Baptiste Pater . El estilo influyó particularmente en François Lemoyne , quien pintó la lujosa decoración del techo del Salón de Hércules en el Palacio de Versalles , completado en 1735. [43] Pinturas con fiestas galantes y temas mitológicos de Boucher, Pierre-Charles Trémolières y Charles-Joseph Natoire decoraron el famoso salón del Hôtel Soubise en París (1735-1740). [44] Otros pintores rococó incluyen: Jean François de Troy (1679 – 1752), Jean-Baptiste van Loo (1685 – 1745), sus dos hijos Louis-Michel van Loo (1707 – 1771) y Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719 – 1795), su hermano menor Charles-André van Loo (1705 – 1765), las Lancret (1690 – 1743) y Jean Honoré Fragonard (1732 – 1806).
En Austria y el sur de Alemania, la pintura italiana ejerció la mayor influencia en el estilo rococó. El pintor veneciano Giovanni Battista Tiepolo , con la ayuda de su hijo, Giovanni Domenico Tiepolo , fue invitado a pintar frescos para la Residencia de Wurzburgo (1720-1744). El pintor más destacado de las iglesias rococó bávaras fue Johann Baptist Zimmermann , que pintó el techo de la Wieskirche (1745-1754).
La escultura rococó era teatral, sensual y dinámica, y daba una sensación de movimiento en todas las direcciones. Se la encontraba sobre todo en los interiores de las iglesias, por lo general estrechamente integrada con la pintura y la arquitectura. La escultura religiosa siguió el estilo barroco italiano, como lo ejemplifica el retablo teatral de la Karlskirche de Viena.
La escultura rococó o rocalla temprana en Francia era más ligera y ofrecía más movimiento que el estilo clásico de Luis XIV. Fue fomentada en particular por Madame de Pompadour , amante de Luis XV, que encargó muchas obras para sus castillos y jardines. El escultor Edmé Bouchardon representó a Cupido ocupado tallando sus dardos de amor de la maza de Hércules . Las figuras rococó también abarrotaron las fuentes posteriores de Versalles , como la Fuente de Neptuno de Lambert-Sigisbert Adam y Nicolas-Sebastien Adam (1740). Basándose en su éxito en Versalles, fueron invitados a Prusia por Federico el Grande para crear esculturas de fuentes para el parque de Sanssouci , Prusia (década de 1740). [45]
Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) fue otro de los escultores franceses más importantes de este período. Falconet fue famoso por su estatua de bronce de Pedro el Grande en San Petersburgo, pero también creó una serie de obras más pequeñas para coleccionistas adinerados, que podían reproducirse en serie en terracota o fundirse en bronce. Los escultores franceses Jean-Louis Lemoyne , Jean-Baptiste Lemoyne , Louis-Simon Boizot , Michel Clodion , Lambert-Sigisbert Adam y Jean-Baptiste Pigalle produjeron esculturas en serie para coleccionistas. [46]
En Italia, Antonio Corradini fue uno de los escultores más destacados del estilo rococó. Veneciano, viajó por toda Europa, trabajando para Pedro el Grande en San Petersburgo, para las cortes de Austria y Nápoles . Prefería los temas sentimentales y realizó varias obras de gran calidad de mujeres con el rostro cubierto por velos, una de las cuales se encuentra actualmente en el Louvre . [47]
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Los ejemplos más elaborados de escultura rococó se encontraron en España, Austria y el sur de Alemania, en la decoración de palacios e iglesias. La escultura estaba estrechamente integrada con la arquitectura; era imposible saber dónde terminaba una y comenzaba la otra. En el Palacio Belvedere de Viena (1721-1722), el techo abovedado del Salón de los Atlantes se sostiene sobre los hombros de figuras musculosas diseñadas por Johann Lukas von Hildebrandt . El portal del Palacio del Marqués de Dos Aguas en Valencia (1715-1776) estaba completamente empapado de esculturas talladas en mármol, a partir de diseños de Hipólito Rovira Brocandel. [48]
El altar de El Transparente , en la capilla mayor de la catedral de Toledo , es una imponente escultura de mármol policromado y estuco dorado, combinada con pinturas, estatuas y símbolos. Fue realizado por Narciso Tomé (1721 – 1732). Su diseño permite el paso de la luz y, con los cambios de luz, parece moverse. [49]
A new form of small-scale sculpture appeared, the porcelain figure, or small group of figures, initially replacing sugar sculptures on grand dining room tables, but soon popular for placing on mantelpieces and furniture. The number of European factories grew steadily through the century, and some made porcelain that the expanding middle classes could afford. The amount of colourful overglaze decoration used on them also increased. They were usually modelled by artists who had trained in sculpture. Common subjects included figures from the commedia dell'arte, city street vendors, lovers and figures in fashionable clothes, and pairs of birds.
Johann Joachim Kändler was the most important modeller of Meissen porcelain, the earliest European factory, which remained the most important until about 1760. The Swiss-born German sculptor Franz Anton Bustelli produced a wide variety of colourful figures for the Nymphenburg Porcelain Manufactory in Bavaria, which were sold throughout Europe. The French sculptor Étienne-Maurice Falconet (1716 – 1791) followed this example. While also making large-scale works, he became director of the Sevres Porcelain manufactory and produced small-scale works, usually about love and gaiety, for production in series.
A Rococo period existed in music history, although it is not as well known as the earlier Baroque and later Classical forms. The Rococo music style itself developed out of baroque music both in France, where the new style was referred to as style galant ("gallant" or "elegant" style), and in Germany, where it was referred to as empfindsamer Stil ("sensitive style"). It can be characterized as light, intimate music with extremely elaborate and refined forms of ornamentation. Exemplars include Jean Philippe Rameau, Louis-Claude Daquin and François Couperin in France; in Germany, the style's main proponents were C. P. E. Bach and Johann Christian Bach, two sons of J.S. Bach.
In the second half of the 18th century, a reaction against the Rococo style occurred, primarily against its perceived overuse of ornamentation and decoration. Led by Christoph Willibald Gluck, this reaction ushered in the Classical era. By the early 19th century, Catholic opinion had turned against the suitability of the style for ecclesiastical contexts because it was "in no way conducive to sentiments of devotion".[50]
Russian composer of the Romantic era Pyotr Ilyich Tchaikovsky wrote The Variations on a Rococo Theme, Op. 33, for cello and orchestra in 1877. Although the theme is not Rococo in origin, it is written in Rococo style.
Rococo fashion was based on extravagance, elegance, refinement and decoration. Women's fashion of the seventeenth-century was contrasted by the fashion of the eighteenth-century, which was ornate and sophisticated, the true style of Rococo.[51] These fashions spread beyond the royal court into the salons and cafés of the ascendant bourgeoisie.[52] The exuberant, playful, elegant style of decoration and design that we now call 'Rococo' was then known as le style rocaille, le style moderne, le gout.[53]
A style that appeared in the early eighteenth-century was the robe volante,[51] a flowing gown, that became popular towards the end of King Louis XIV's reign. This gown had the features of a bodice with large pleats flowing down the back to the ground over a rounded petticoat. The colour palette was rich, dark fabrics accompanied by elaborate, heavy design features. After the death of Louis XIV the clothing styles began to change. The fashion took a turn to a lighter, more frivolous style, transitioning from the baroque period to the well-known style of Rococo.[54] The later period was known for their pastel colours, more revealing frocks, and the plethora of frills, ruffles, bows, and lace as trims. Shortly after the typical women's Rococo gown was introduced, robe à la Française,[51] a gown with a tight bodice that had a low cut neckline, usually with a large ribbon bows down the centre front, wide panniers, and was lavishly trimmed in large amounts of lace, ribbon, and flowers.
The Watteau pleats[51] also became more popular, named after the painter Jean-Antoine Watteau, who painted the details of the gowns down to the stitches of lace and other trimmings with immense accuracy. Later, the 'pannier' and 'mantua' became fashionable around 1718. They were wide hoops under the dress to extend the hips out sideways and they soon became a staple in formal wear. This gave the Rococo period the iconic dress of wide hips combined with the large amount of decoration on the garments. Wide panniers were worn for special occasions, and could reach up to 16 feet (4.9 metres) in diameter,[55] and smaller hoops were worn for the everyday settings. These features originally came from seventeenth-century Spanish fashion, known as guardainfante, initially designed to hide the pregnant stomach, then reimagined later as the pannier.[55] 1745 became the Golden Age of the Rococo with the introduction of a more exotic, oriental culture in France called a la turque.[51] This was made popular by Louis XV's mistress, Madame de Pompadour, who commissioned the artist, Charles-André van Loo, to paint her as a Turkish sultana.
In the 1760s, a style of less formal dresses emerged and one of these was the polonaise, with inspiration taken from Poland. It was shorter than the French dress, allowing the underskirt and ankles to be seen, which made it easier to move around in. Another dress that came into fashion was the robe a l'anglais, which included elements inspired by the males' fashion; a short jacket, broad lapels and long sleeves.[54] It also had a snug bodice, a full skirt without panniers but still a little long in the back to form a small train, and often some type of lace kerchief worn around the neck. Another piece was the 'redingote', halfway between a cape and an overcoat.
Accessories were also important to all women during this time, as they added to the opulence and the decor of the body to match their gowns. At any official ceremony ladies were required to cover their hands and arms with gloves if their clothes were sleeveless.[54]
In literature the term is "unhelpfully vague, but usually suggests a cheerful lightness and intimacy of tone, and an elegant playfulness."[5] Principal Rococo literary genres were small forms, such as erotic light poetry (French: poésie légère or poésie fugitive), sonnet, madrigal and other songs, pastoral, fairy tail, novella, but there were also long narrative poems, for example, Christoph Martin Wieland's German-language masterpiece Oberon.
Predominantly an 18th-century French literature style, influenced by the 17th-century Précieuses school, is represented by Anne Claude de Caylus, the author of the Art of Love P. J. Bernard, Alexandre Masson de Pezay (the narrative poem Zélis' Bathing), Abbé de Favre (the poem Les quatre heures de la toilette des dames), Évariste de Parny, Jean-Baptiste Louvet de Couvray, and other writers. The Rococo had also followers in Italy (Paolo Rolli, Pietro Metastasio) and Germany (Friedrich von Hagedorn, Johann Wilhelm Ludwig Gleim, Johann Uz,Johann Nikolaus Götz),[56] and to a lesser extent, within English and Russian (Ippolit Bogdanovich) writings.
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![José Campeche, Doña María de los Dolores Gutiérrez del Mazo y Pérez, c. 1796 [57]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4f/Jos%C3%A9_Campeche_(Puerto_Rican,_1751-1809)._Do%C3%B1a_Mar%C3%ADa_de_los_Dolores_Guti%C3%A9rrez_del_Mazo_y_P%C3%A9rez,_ca._1796..jpg/1280px-Jos%C3%A9_Campeche_(Puerto_Rican,_1751-1809)._Do%C3%B1a_Mar%C3%ADa_de_los_Dolores_Guti%C3%A9rrez_del_Mazo_y_P%C3%A9rez,_ca._1796..jpg)
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