Dennis Oppenheim (6 de septiembre de 1938 - 21 de enero de 2011) fue un artista conceptual , artista de performance , artista de la tierra , escultor y fotógrafo estadounidense. La práctica artística temprana de Dennis Oppenheim es un cuestionamiento epistemológico sobre la naturaleza del arte, la creación del arte y la definición del arte: un metaarte que surgió cuando las estrategias de los minimalistas se expandieron para centrarse en el sitio y el contexto. Además de una agenda estética, el trabajo progresó desde las percepciones de las propiedades físicas de la galería hasta el contexto social y político, tomando en gran medida la forma de escultura pública permanente en las últimas dos décadas de una carrera altamente prolífica, cuya diversidad podría exasperar a sus críticos. [1]
El padre de Oppenheim era un inmigrante ruso y su madre, oriunda de California. [2] Oppenheim nació en Electric City, Washington , mientras su padre trabajaba como ingeniero [3] en la presa Grand Coulee . [4] Poco después, su familia regresó a su hogar en el área de la Bahía de San Francisco. Oppenheim asistió a la escuela secundaria Richmond. [5]
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Más tarde asistió al California College of Arts and Crafts , donde conoció a su primera esposa, Karen Marie [2] Cackett. Oppenheim y Cackett se mudaron a Honolulu, donde enseñó en la Universidad de Hawái [3] y tuvieron su primer hijo, Kristin, [2] en 1959. [6] En 1962 [3] tuvieron su segundo hijo, Erik. [2] En 1964, obtuvo una licenciatura en Bellas Artes del California College of Arts and Crafts en Oakland y una maestría en Bellas Artes de la Universidad de Stanford en Palo Alto en 1965. [7] Se mudó a Nueva York en 1966 y enseñó arte en una guardería en Northport y una escuela secundaria en Smithtown, Long Island , mientras trabajaba para su primera exposición unipersonal en Nueva York en 1968 cuando tenía 30 años. Su tercer hijo, Chandra, [2] nació de Phyllis Jalbert ese año. [8] En 1972, Oppenheim recibió una beca Guggenheim [9] de Bellas Artes.
En 1981 se casó con la escultora Alice Aycock, con quien mantuvo una estrecha amistad. En 1998 se casó con Amy Plumb, con quien siguió casado. [10] Oppenheim vivió y trabajó en un loft en Tribeca desde 1967 hasta su muerte por cáncer el 21 de enero de 2011, a los 72 años. [2]
Obras conceptuales :
Realizadas en Nueva York, París y Ámsterdam y documentadas en fotografías, la serie Indentations (1968) consistía en la eliminación de objetos, exponiendo la impresión de cada objeto en esa ubicación. Viewing Stations (1967) se construyeron como plataformas para observar vistas de la tierra, lo que sugiere una noción corpórea de visión. [1] El artista presenta la base como el arte en sí mismo, un espectador se convierte en un objeto para ser observado, [1] una inversión conceptual.
Movimientos de tierra :
Los sistemas sociales se superpusieron a los sistemas naturales en los movimientos de tierra de Oppenheim. [1] En Annual Rings (1968) los esquemas de líneas que representan el crecimiento anual de un árbol se mapearon quitando nieve en lados opuestos del río St. John's, el límite entre los EE. UU. y Canadá. El movimiento de tierra relaciona límites geopolíticos, zonas horarias, crecimiento del árbol y descomposición entrópica [1] en un trabajo seminal específico del sitio.
Trabajos de performance corporales :
el arte corporal de Oppenheim surgió de la conciencia que tenía de su propio cuerpo al realizar trabajos de earthworks. En estas obras, el cuerpo del artista era tanto el sujeto como el objeto, lo que le brindaba la oportunidad de trabajar sobre una superficie que no era exterior a sí mismo y le otorgaba un control total sobre la obra de arte. Estas acciones de arte corporal se asimilaron más tarde al canon del arte de performance. [1] Para Reading Position for Second Degree Burn (1970), Oppenheim se tumbó en una playa durante cinco horas con un libro abierto sobre el pecho, exponiéndose al sol. Oppenheim describe la pieza como una representación corporal de la pintura y continúa afirmando: "Podía sentir el acto de ponerme rojo". [11]
Obras genéticas :
Oppenheim realizó una serie de obras en colaboración con sus hijos, a quienes consideraba extensiones de sí mismo. En un díptico titulado 2- Stage Transfer Drawing. (Advancing to a Future State) ., hace un dibujo en una pared al mismo tiempo que su hijo intenta replicar el dibujo en la espalda de su padre, un procedimiento invertido en 2- Stage Transfer Drawing. (Returning to a Past State) . (1971) cuando replica el dibujo en la espalda de su hijo. Grabadas en fotografía fija, película y cinta de vídeo, las performances se exhibieron por primera vez como proyecciones de películas en bucle de piso a techo. También colaboró con su primera esposa en Forming Sounds (1972) y se refirió a su padre, David Oppenheim, en las obras Polarties (1972) y Identity Transfer (1970).
Instalaciones de cine y vídeo :
Oppenheim comenzó a producir instalaciones a principios de los años setenta. Estas obras eran a menudo autobiográficas. En Recall (1974), un monitor de vídeo es un componente de la instalación, situado delante de un recipiente con trementina. El monitor muestra un primer plano de la boca de Oppenheim mientras verbaliza un monólogo de flujo de conciencia inducido por el olor, sobre sus experiencias en la escuela de arte en los años cincuenta.
Obras biográficas post-performance :
En una serie de ocho obras que Oppenheim llamó "post-performance", el artista habló a través de sus figuras de performance sustitutas sobre el fin de la vanguardia, su propia creación artística, en diálogo como opuestos o como en Theme for a Major Hit (1974) actuado bajo control motorizado al ritmo de una canción de rock con su letra, "No es lo que haces, es lo que te hace hacerlo", grabada por una banda de artistas del Soho. Reflejando el contenido subyacente de lo posmoderno, es un "análisis de sus propios orígenes" [12] con una "conciencia de su vulnerabilidad". [12]
Machineworks :
A principios de los años ochenta, las instalaciones escultóricas del tamaño de una sala tomaron la forma de fábricas y máquinas para visualizar la génesis de una obra de arte antes de que se convierta en forma. Final Stroke- Project for a Glass Factory (1981) hizo una analogía de los patrones de pensamiento como partes móviles. Las aspiradoras y los calentadores eléctricos activaban la materia prima a través de tamices, canales, pilas y respiraderos, como las etapas de procesamiento en la producción de ideas. Las máquinas se convirtieron en estructuras de proyección para fuegos artificiales, produciendo líneas de pensamiento en el aire, como en Newton Discovering Gravity (1984).
Escultura :
Si bien a finales de los años ochenta sigue utilizando el sonido, la luz y el movimiento en su obra escultórica, la imaginería incluye objetos cotidianos en diferentes escalas o como una colisión de objetos. En varias obras aparecen animales. Un grupo de ciervos disecados produce llamas desde las puntas de sus astas, en Digestión. Gitanos de yeso . (1989).
Escultura pública :
Oppenheim experimentó con formas voladizas y con títulos en Device to Root Out Evil (1997). Incluida como parte de la Bienal de Venecia , utiliza vidrio veneciano soplado a mano en el techo y el campanario de la iglesia rural. En 1999, se instaló una versión que utiliza fibra de vidrio corrugada translúcida como obra permanente en Palma de Mallorca. En la obra pública encargada que siguió, Oppenheim integró la función del edificio o el sitio en la obra misma. Jump and Twist (1999) es una obra industrial, antropológica en tres partes: en la plaza, a través de la fachada del edificio y suspendida del techo del atrio como forma giratoria translúcida. La obra pública Light Chamber (2011) en el Justice Center en Denver, es una sala abierta con paredes translúcidas derivadas de los pétalos de muchas flores.
