David Gordon (14 de julio de 1936 - 29 de enero de 2022) fue un bailarín, coreógrafo, escritor y director teatral estadounidense destacado en el mundo de la danza y la interpretación posmoderna . Con sede en la ciudad de Nueva York, el trabajo de Gordon se ha visto en los principales lugares de actuación de los Estados Unidos, Europa, América del Sur y Japón, y ha aparecido en televisión en Great Performances y Alive TV de PBS , y en la BBC y Channel 4 en Great. Bretaña.
Gordon, dos veces becario Guggenheim (1981 y 1987), ha sido panelista de los paneles del programa de danza del Fondo Nacional de las Artes y del Consejo de las Artes del Estado de Nueva York , y presidente del primero. [1] Fue miembro del Actors Studio y fundador del Centro de Investigación Creativa.
Gordon estaba casado con Valda Setterfield , una bailarina y actriz nacida en Inglaterra, que fue durante 10 años solista destacada de la Merce Cunningham Dance Company . [1] Aparece regularmente en el trabajo de Gordon y se la conoce como su " musa ". [2] Juntos, han sido llamados "Los Barrymores de la danza posmoderna". [3] Su hijo, dramaturgo, actor y director teatral Ain Gordon , ha colaborado con Gordon en varios proyectos.
El trabajo de Gordon ha sido archivado en la Biblioteca Pública de Artes Escénicas de Nueva York en el Lincoln Center . Gordon también creó un archivo digital llamado Archiveography que cubre tanto su vida personal como profesional. [4] [3]
Como la mayoría de los posmodernistas en danza, Gordon emplea movimientos peatonales en su trabajo, [5] [notas 1] pero se destacó por su uso frecuente del diálogo hablado, incluso en piezas de "danza", así como por su rechazo brechtiano de la ilusión junto con Interés por la teatralidad. [notas 2] Fue citado diciendo: "Quiero usar medios mundanos para un fin mágico". [1] Gordon, un contrario por naturaleza, crea obras que se basan en la claridad estructural, que luego socava: "Siempre encuentro alguna manera de arruinar una estructura fabulosamente sencilla", ha dicho Gordon, "parece que no puedo evitarlo". eso." [6]
Otra de las señas de identidad de Gordon es su afición por el reciclaje de materiales previamente utilizados, tanto coreográficos como físicos. [5] Según la crítica Arlene Croce : "Gordon es un collagista. Muchas de sus danzas y piezas... pueden sacarse de contexto y combinarse con material nuevo para causar una nueva impresión". [7] Esto es particularmente cierto con su uso de gestos, que cuando se ven en un contexto pueden parecer arbitrarios o sin sentido, pero que captarán significado y aparecerán como deliberados cuando, por ejemplo, van acompañados de música o texto. [6] Según Gordon:
El movimiento es ambiguo hasta que lo colocas contra algún fondo. ... Utilizo muchas repeticiones con variaciones para hacer evidentes las ambigüedades del movimiento. Explorar los posibles significados alternativos del gesto es una de mis principales preocupaciones. [6]
Las piezas de Gordon frecuentemente hacen referencia a películas y otros aspectos de la cultura popular, [8] y a menudo son autobiográficas, o al menos aparentemente, con la distinción entre hechos verdaderos y autobiografía ficticia deliberadamente oscurecida. [9] Sus piezas a menudo emplean humor, a veces en forma de autodesprecio, [10] y ha sido llamado uno de los pocos "espíritus cómicos" producidos por el movimiento de danza posmoderna. [1]
Gordon era muy consciente de las personas que interpretaban sus obras y con frecuencia adaptaba las piezas a las habilidades específicas de los bailarines sobre las que estaban construidas. Dijo que "las danzas pueden ser abstracciones gloriosas y reverberantes o narraciones elocuentes de danza de alto nivel o narrativas no lineales reflexivas y que provocan emociones, pero bailar, pase lo que pase, siempre parece tratarse de las personas que lo hacen". [11]
Más adelante en la vida, Gordon diría: "Acepto proyectos que no sé cómo hacer y disfruto del viaje peligroso". [3]
Gordon, nativo de la ciudad de Nueva York, nació el 14 de julio de 1936, hijo de Samuel y Rose (Wunderlich) Gordon, cuyos padres eran inmigrantes judíos de Europa del Este. [8] [11] Creció en el Lower East Side y en Coney Island y se graduó de Seward Park High School . [12] [11] Al crecer, vio películas en los cines del vecindario y espectáculos de vodevil en la zona alta y miró televisión, y estas influencias, como Milton Berle en la televisión y Fanny Brice cantando " Second Hand Rose ", más tarde influyeron en sus primeras piezas de danza. [3]
Después de la secundaria, recibió un BFA del Brooklyn College , [12] donde primero estudió inglés y luego pasó al arte con el pintor Ad Reinhardt , [1] [13] tomó lecciones de canto para deshacerse de su acento yiddish, [3] y se unió al club de baile moderno, [5] y, ante la insistencia de un amigo, audicionó y obtuvo el papel principal del niño brujo en la producción universitaria de Dark of the Moon . [notas 3]
Después de terminar la universidad, Gordon consiguió un trabajo vistiendo las ventanas en "Azuma" en Greenwich Village, que vendía productos de Japón. Mantendría este trabajo, que se expandió hasta vestir todos los escaparates de la cadena Azuma, hasta bien entrada su carrera de baile, hasta que tomó la decisión de intentar ganarse la vida como bailarín y coreógrafo. [3] [13]
Un encuentro casual en Washington Square Park en 1957 – "una escena sacada de Hollywood", en sus palabras- llevó a Gordon a unirse a la compañía de danza del coreógrafo James Waring , donde conoció a Setterfield, que recientemente había seguido a su amigo David Vaughan [14 ] De Inglaterra. [5] Waring iba a ser un mentor para Gordon, presentándole a John Cage y Robert Rauschenberg , llevándolo a museos para ver arte moderno y diciéndole que viera películas de Laurel & Hardy y WC Fields , todo lo cual influyó en la vida posterior de Gordon. obras. [3] Actuaría con la compañía de Waring hasta 1962. [11] Más adelante en su vida, Gordon fue curador de una exposición sobre Waring en la Biblioteca Pública de Artes Escénicas de Nueva York . [13]
Gordon y Setterfield se casaron el 28 de enero de 1961, [15] y permanecieron así hasta su muerte.
Gordon estudió con Merce Cunningham y Louis Horst en la Escuela de Danza de Verano del Connecticut College, que más tarde se convertiría en el American Dance Festival , [3] y en Nueva York tomó la clase de composición impartida por Judith y Robert Dunn , lo que le llevó a convertirse en un artista fundador de los conciertos del Judson Dance Theatre en la Judson Church ; estos comenzaron en 1962 y continuaron hasta 1966. [16] Gordon hizo solos y dúos para él y Setterfield, que exhibió en el Living Theatre y la Paula Cooper Gallery , entre otros lugares del centro. También participó en el "First New York Theatre Rally", organizado por Steve Paxton y Alan Solomon. [notas 4] [17]
Los primeros trabajos de Gordon incluyeron:
Gordon y Setterfield fueron descritos durante este período como "amables saboteadores... [con] la habilidad estilística de los viejos comediantes del music-hall... [y] un ingenio perversamente perspicaz". [18]
En 1966, la respuesta ruidosamente negativa del público a su pieza solista Walks and Diggressions –Gordon escribió que “[e]l público abucheó, siseó, aplaudió, pateó y cruzó el espacio de actuación mientras yo trabajaba” [19] – le hizo dejar de hacer bailes durante cinco años.
La reseña fue devastadora y no fui lo suficientemente inteligente como para comprender o utilizar la posible notoriedad asociada a esa actuación (después de todo, obviamente nadie estaba aburrido) en un paso positivo en mi carrera. Había descubierto que realizar públicamente mi propio trabajo me colocaba en una posición extremadamente vulnerable emocional y físicamente, y no quería nada de eso. Ahora creo que básicamente no estaba comprometido con mi trabajo y no podía asumir públicamente la responsabilidad de mis decisiones. Había trabajado principalmente para obtener una respuesta positiva de mis compañeros y de una audiencia, sin orientar mi trabajo hacia esa respuesta sino esperándola como los dividendos de haber trabajado. Cuando el público y mis compañeros se volvieron contra mí, recogí mis canicas y me fui a casa. Simplemente decidí dejar de trabajar. [19]
Continuó actuando como miembro de la compañía de Yvonne Rainer [5] y, de 1970 a 1976, [1] [20] como miembro fundador del grupo de danza de improvisación The Grand Union , que evolucionó a partir de la compañía de Rainer e incluía a Rainer. , Trisha Brown , Barbara Dilley , Douglas Dunn , Nancy Lewis y Steve Paxton, entre otros. [notas 8] Gordon diría más tarde sobre su trabajo con Grand Union: "Se trata de ser perverso. Quiero hacer lo que no esperas que haga. Quiero hacer lo que no espero que haga". . Tampoco puedo saber si lo estás pasando bien a menos que pueda hacerte reír". [3]
Gordon atribuye a todas estas primeras experiencias el mérito de haber sentado las bases de su proceso artístico:
Jimmy [Waring] fue una educación para mí, como lo fue para la mayoría de las personas que entraron en contacto con él. ... [Él] me enseñó sobre arte y desarrolló mi gusto, pero no comencé a entender cómo trabajar hasta más tarde con Yvonne Rainer. Gracias a ella descubrí lo que es ser artista: una persona que toma decisiones y las respalda. Luego, trabajando con Trisha Brown en Grand Union, aprendí a editar, a reducir una cosa a su esencia. El enfoque de Jimmy fue mucho más caprichoso. Su forma de trabajar te llevó –o me llevó a mí en todo caso– a aceptar cualquier idea como válida simplemente porque se me había ocurrido. Lo pensé y lo guardé, y lo que vino después fue lo que pensé a continuación. No creo que Jimmy quisiera absolverme de toda responsabilidad por mi trabajo, pero tuve la impresión de que todo lo que tenía que hacer para hacer arte era una conjetura intuitiva y descabellada. Nunca tiré nada. Recuerdo claramente que Jimmy dijo: "Si no te gusta ahora, te puede llegar a gustar. Si no te puede gustar, ¿quién dice que te tiene que gustar?". El objetivo era desmitificar el arte y liberar al artista de las limitaciones de su propio gusto. Hubo una gran sensación de liberación que surgió de la defensa de esta filosofía por parte de John Cage , y Jimmy, entre otros, estaba estableciendo alternativas al tipo de enseñanza que había dominado la composición de danza moderna hasta entonces. [1]
En 1971 Gordon volvió a hacer danza cuando Rainer lo puso a cargo de sus clases mientras ella iba a la India, de donde surgió el material que se convirtió en Sleepwalking , [5] presentado primero en el Oberlin College y luego en Nueva York. Gordon formó Pick Up Performance Company ese año, incorporada en 1978 como una organización sin fines de lucro, para apoyar y administrar su trabajo en presentaciones en vivo y medios. Su trabajo durante este período [21] incluyó:
y la seminal Chair (1974), un dúo de Gordon y Setterfield en el que actúan con sillas plegables de metal, [1] cuyo uso se convirtió en una firma de su trabajo. [24] La crítica Deborah Jowitt escribió sobre sus obras durante este período que "el proceso y el pulido estaban vinculados en bonitas paradojas". [25]
Para entonces, Gordon y Setterfield se habían ganado la reputación de ser "la pareja más intrigante del mundo de la danza. Compañeros ideales, opuestos ideales, yin y yang, hombre y mujer, comunicación total". [14] También durante este período y en la década de 1980, Gordon, un contrario natural, [24] no se llamaba a sí mismo un "coreógrafo", sino que anunciaba sus piezas como "construidas" por él. [1] Aunque ha colaborado con artistas visuales y diseñadores como Power Boothe , Red Grooms y Santo Loquasto , Gordon a menudo, generalmente sin ser acreditado por ello, ha diseñado el vestuario, la decoración y la utilería de sus piezas. Para ello, utiliza con frecuencia el contenido de tiendas de segunda mano y utiliza materiales cotidianos como cartón , núcleo de espuma y cinta adhesiva , así como artículos producidos comercialmente como percheros para ropa y escaleras rodantes.
La partitura hecha a mano por Gordon para One Part of The Matter , un extracto de The Matter para bailarín solista (Setterfield), que consistía en recortes de poses extraídas de fotografías de Eadweard Muybridge pegadas con cinta adhesiva en hojas de papel, se encuentra en la colección de dibujos de el Museo de Arte Moderno de Nueva York. [26] La partitura surgió porque Setterfield estaba de gira con la compañía Cunningham, y Gordon le envió las poses para que pudiera memorizarlas en su habitación de hotel. Cuando regresó, trabajaron juntos en las transiciones entre las poses. [20] Desde entonces, Setterfield ha realizado One Part of the Matter en muchos lugares del mundo.
En 1980, Gordon dejó su trabajo de creación de escaparates, [27] que durante 18 años había sustentado tanto su trabajo como a su familia (su hijo Ain nació en 1962) para trabajar a tiempo completo como intérprete y coreógrafo. [1] [28] También apareció en dos documentales fundamentales sobre la danza posmoderna, Beyond the Mainstream: The Postmoderns , parte de la serie Dance in America de PBS , y Making Dances de Michael Blackwood , que se centró en siete coreógrafos: Brown, Lucinda. Childs , Gordon, Douglas Dunn , Kenneth King , Meredith Monk y Sara Rudner . [29] [30]
En la década de 1980, su Pick-Up Company realizó giras por todo Estados Unidos interpretando tanto piezas íntimas como:
así como obras de mayor envergadura, entre las que destacan:
y el gigantesco Estados Unidos (1988-1989), que fue encargado conjuntamente por 26 presentadores en 16 estados [31] y tiene tantas secciones que existen en versiones diferentes pero relacionadas que nunca se han representado todas juntas. Muchas de las piezas de Gordon de este período se estrenaron en el Dance Theatre Workshop de David White .
Gordon también trabajó para otras empresas durante este tiempo, entre ellas:
También realizó Field, Chair and Mountain (1985) [32] y Murder (1986) para el American Ballet Theatre (ABT) por invitación de Mikhail Baryshnikov . [3] Más tarde, Murder pasó a formar parte de Made in US de David Gordon , un programa de televisión encargado por WNET y Great Performances en 1987 como parte de la serie Dance in America . Gordon recibió un premio Primetime Emmy por el programa.
Para la Academia de Música de Brooklyn (BAM) en 1983, Gordon coreografió el Acto III, la sección de danza, de The Photographer , una pieza multimedia sobre Eadweard Muybridge con música de Philip Glass , en la que incorporó el solo anterior de Setterfield, One Part of the. Asunto . Además, dirigió Renard , una ópera-ballet de cámara en un acto de Igor Stravinsky , para el Festival de Spoleto EE.UU. en 1986. [33]
¿Los misterios y qué es tan divertido? (1991), en la que Marcel Duchamp –interpretado por Setterfield– es la figura central en torno a la cual gira toda la acción, recibió un premio Bessie y un Obie . Fue escrita, dirigida y coreografiada por Gordon con música nuevamente de Philip Glass y diseño visual de Red Grooms . El guión fue publicado en Grove New American Theatre . [34] Gordon luego colaboró con su hijo, el dramaturgo Ain Gordon , en The Family Business , que se estrenó en el Dance Theatre Workshop de la ciudad de Nueva York en febrero de 1994, recibió un premio Obie y se presentó en el New York Theatre Workshop y en el Mark Taper Forum en Los Ángeles en 1995. El elenco de The Family Business estaba formado por Gordons, padre e hijo, y Setterfield.
En 1994, para el American Repertory Theatre (ART) en Cambridge, Massachusetts y el American Music Theatre Festival (AMTF) en Filadelfia , Gordon dirigió y coreografió un musical original, Shlemiel the First , adaptado por Robert Brustein , a partir de las historias de Isaac Bashevis. Cantante y ambientada en música tradicional klezmer con nueva letra de Arnold Weinstein . [notas 9] Se han visto producciones posteriores en el Geffen Playhouse de Los Ángeles, por el que Gordon ganó premios Drama-Logue por su dirección y coreografía en 1997, y en el American Conservatory Theatre (ACT) de San Francisco. El espectáculo también realizó una gira por Florida y Stamford, Connecticut , y Peak Performances lo volvió a montar en 2010 en el Teatro Alexander Kasser de la Universidad Estatal de Montclair . Esta producción fue remontada por Theatre for a New Audience en Manhattan, Nueva York, a finales de 2011, en el Skirball Center for the Performing Arts de la Universidad de Nueva York , en asociación con el National Yiddish Theatre Folksbiene . [35]
En 1993, Gordon recibió una Beca Nacional de Residencia para Artistas de Teatro, financiada por Pew Charitable Trusts y administrada por Theatre Communications Group , para trabajar con el Teatro Guthrie en Minneapolis , donde dirigió y coreografió The Firebugs de Max Frisch para su escenario principal en 1995. También recibió una Beca Nacional de Residencia para Artistas de Danza Pew en 1996, administrada por la Fundación para las Artes de Nueva York , convirtiéndose en el único artista en recibir becas de residencia de Pew tanto en teatro como en danza. [36]
Ain y David Gordon colaboraron nuevamente en el libro y la dirección de Punch & Judy Get Divorced , con música de Edward Barnes y letra de Arnold Weinstein , que se estrenó en AMTF en 1996 y posteriormente fue presentada por ART. La pieza comenzó en 1991 como un programa de televisión en un acto realizado para KTCA para su serie de PBS Alive TV , y tuvo una segunda vida como pieza de danza, con música de Carl Stalling , para el White Oak Dance Project de Baryshnikov en 1992. En 1999 , los Gordon trabajaron juntos una vez más, esta vez en un musical sobre directoras en los primeros días del cine, The First Picture Show , con música de Jeanine Tesori , para ACT en San Francisco y el Mark Taper Forum en Los Ángeles.
Otras producciones que Gordon ha creado como escritor, director y coreógrafo incluyen Autobiography of a Liar (1999), [email protected] (2001) – por la que recibió su tercer premio Bessie [37] – y Private Lives of Dancers (2002). ), todos presentados originalmente en Danspace en Nueva York. En 2000, ACT le encargó escribir una adaptación de The Wind in the Willows de Kenneth Grahame , con música de Gina Leishman, llamada Some Kind of Wind in the Willows . Esta producción fue realizada en taller pero nunca se produjo. [38] Ese mismo año, montó y dirigió para el White Oak Project de Baryshnikov un programa retrospectivo de danza posmoderna, PAST/Forward , que incluía piezas de Gordon, Simone Forti , Steve Paxton, Deborah Hay , Yvonne Rainer, Lucinda Childs y Trisha. Marrón. [39] [notas 10]
En 2004, Gordon hizo Dancing Henry Five , que utilizó la música de William Walton para la película de Laurence Olivier sobre Enrique V de Shakespeare , así como diálogos de la película y recitaciones dramáticas grabadas del texto de Christopher Plummer y otros. Esta producción recibió una American Masterpiece Grant del National Endowment for the Arts Dance Program, [40] y se ha visto en Nueva York; el Centro de Artes Walker en Minneapolis ; la Universidad de Kansas ; la Universidad de Maryland ; Lexington, Kentucky ; y ODC/Dance en San Francisco. En 2011 fue revivido y presentado en la Universidad Estatal de Montclair en Nueva Jersey , el Columbia College en Chicago y la Universidad de Albany , Nueva York.
Gordon también ha adaptado, dirigido y coreografiado varias obras de teatro clásicas:
Gordon montó en octubre de 2012 para Danspace Project The Matter/2012: Art and Archive , basado en sus primeros trabajos The Matter (1972-1979), e incluye versiones de Mannequin (1962) y Chair (1974). La pieza formó parte de la serie Platform 2012: Judson Now , relacionada con la celebración del 50 aniversario de las primeras presentaciones del Judson Dance Theatre , [44] y fue calificada por The New York Times como "una impresionante velada de danza que rinde homenaje a sus primeros días." [45]
En abril de 2013, Gordon fue nombrado uno de los veinte artistas que recibieron el premio Doris Duke Artist Award de la Doris Duke Charitable Foundation , un premio multianual sin restricciones de 225.000 dólares más cantidades adicionales para el desarrollo de la audiencia y "reservas personales o exploración creativa durante lo que son". comúnmente años de jubilación para la mayoría de los estadounidenses". [46]
Los archivos de Gordon fueron aceptados en 2016 para donación por la Colección de Danza Jerome Robbins de la Biblioteca Pública de Artes Escénicas de Nueva York en el Lincoln Center ; Gordon contó con la ayuda de la archivera Patsy Gay en su preparación. [3] La donación estuvo marcada por una serie de presentaciones en talleres llamadas LIVE ARCHIVEOGRAPHY , presentadas en el Auditorio Bruno Walter de la biblioteca , [47] [48] así como una instalación, David Gordon ARCHIVEOGRAPHY - Under Construction en la Galería Vincent Astor de la biblioteca de 6 de diciembre de 2016 al 6 de abril de 2017. [49] En The New York Times , Gia Kouurlas se refirió a la exposición como "una instalación maníaca y mágica". [50] El comentario de Gordon sobre su vida y obra se narra en el sitio web de su archivo, cuyo acceso forma parte de la instalación. [51] Una tercera versión de LIVE ARCHIVEOGRAPHY , subtitulada "Coupledom or Twice-Cooked Pork and Re-fried Beans", se presentó posteriormente en el ODC Theatre [52] en mayo de 2017 en San Francisco, y en The Kitchen en la ciudad de Nueva York. en junio, presentado por Lumberyard . [53]
En 2018, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York montó una exposición retrospectiva, Judson Dance Theatre : The Work Is Never Done , que incluía otra versión de The Matter , llamada The Matter en el MoMA/2018 . [23] [54] [notas 11] Dos años más tarde, Gordon llevó The Matter a un nuevo medio con el lanzamiento de The Philadelphia Matter - 1972/2020 , una presentación en video de una "compañía de danza virtual" de artistas de Filadelfia que interpretaban "Song & Dance", "Close Up" y "Chair", que fueron transformados y editados por Gordon y el videoartista Jorge Cosineau como parte del Philadelphia Fringe Festival. [55] El video fue seleccionado por The New York Times como uno de los mejores en danza en 2020. [56]
El 14 de julio de 2021, Peak Performances lanzó Las nuevas aventuras del viejo David (What Happened 1978-2021) , un video escrito, coreografiado y dirigido por Gordon, que basó en su pieza de 1978 "What Happened". Gordon y el editor Daniel Madoff combinaron nuevas actuaciones grabadas en el Teatro Alexander Kasser de la Universidad Estatal de Montclair con imágenes de archivo y secciones recién filmadas de Gordon, su esposa Valda Setterfield y su director de escena de mucho tiempo explicando cómo sucedió lo que sucedió . [57]
Cerca del final de su vida, Gordon volvió a las artes visuales que había estudiado originalmente en la universidad e hizo collages digitales en la computadora, comentando que "la computadora es el rectángulo final de mi vida". [3] [58]
Gordon murió en su estudio tipo loft, ubicado en SoHo en el bajo Manhattan , Nueva York, el 29 de enero de 2022, a la edad de 85 años. [3] [11] Él y Setterfield habían celebrado su 61 aniversario de bodas la noche anterior. [11]
El trabajo de Gordon ha sido en general bien recibido por la crítica y el público, aunque su pieza Field, Chair and Mountain para el American Ballet Theatre, su primer ballet, fue abucheado en su estreno en el Kennedy Center Opera House en Washington, DC en 1985. [59] [60] La respuesta crítica fue más generosa, calificándola de "notable", [61] "irreverente e inteligente", [62] "una fascinante exploración de la asociación", [63] y "una de las más bellas y [ballets] distintivos en el repertorio actual de ABT", [64] y elogiando el "humor inexpresivo y ... evidente afecto nostálgico de Gordon por las cosas románticas", [65] y su "energía e ingenio". [66] Sin embargo, Arlene Croce en The New Yorker dijo que el ballet era "el tipo de locura que avanza hasta el límite de la frivolidad con la fuerza de la pasión", [67] y en The New York Times , Anna Kisselgoff escribió que " A pesar de [sus] aspectos originales, "Field, Chair and Mountain" no aporta nada más allá de sus partes aisladas, las ideas del Sr. Gordon parecen vestidas con adornos de ópera que cuelgan como ropa que no le queda bien". [68]
Veinte años después, Gordon, que hasta entonces no se había considerado un artista político, creó Dancing Henry Five en respuesta a los ataques del 11 de septiembre y la guerra de Irak . [69] También recibió una respuesta crítica mayoritariamente positiva. John Rockwell la llamó "una producción básica que creó un poderoso ambiente épico" , quien la comparó favorablemente con una producción en el Lincoln Center . [70] Otros críticos elogiaron su "humor y movimiento hábil", [71] su "mezcla magistral de encanto y aguijón", [69] y lo llamaron "deslumbrante y provocativo", [72] mientras describían el movimiento en la danza. obra de teatro como "simple y democrática". [73] "Se necesita un ingenioso artesano de danza teatro como Gordon para convertir una obra heroicamente patriotera en una súplica irónica pero ferviente por la paz", [74] escribió un crítico sobre la reactivación más reciente de la pieza, mientras que otro escribió que " Los medios son simples, el baile lejos de ser virtuoso; el pensamiento y los significados son complejos." [75]
Sin embargo, varios años antes del éxito de Dancing Henry Five , Gordon colaboró con Ain Gordon y la compositora Jeanine Tesori en el musical teatral The First Picture Show , sobre directoras en los primeros días de la industria cinematográfica, protagonizado por Estelle Parsons y Ellen Greene. . La pieza fue elaborada y representada extensamente en San Francisco, en el American Conservatory Theatre y en Los Ángeles en el Mark Taper Forum , que había encargado la pieza. Después del éxito de Shlemiel the First en Los Ángeles varios años antes, las expectativas eran altas para el nuevo musical, pero la recepción de la crítica no fue demasiado positiva: el crítico de Los Angeles Times escribió: "Este proyecto tentador, aunque informe, tiene un tema demasiado vital , o temas, por mera nostalgia. En ocasiones maravillosa y nunca aburrida, 'The First Picture Show' carece de cierta urgencia en su narración." [76] – y la producción no tuvo transferencia comercial después de su suscripción. Algunos años más tarde, en respuesta a una pregunta sobre si su carrera alguna vez "se había topado con la pared", Gordon dijo: "Morí en Los Ángeles", pero reconoce que luego "regresó a Nueva York y comenzó de nuevo, coreografiando para mi propia compañía." [77] Uno de los resultados de empezar de nuevo fue Dancing Henry Five.
A lo largo de su carrera, los críticos y otros artistas de la danza han resumido a Gordon y su trabajo:
Gordon quiere sensibilizar al espectador sobre una dialéctica cambiante entre el gesto individual y la estructura coreográfica más amplia en la que está incrustado. En lugar de resaltar el gesto individual como tal, Gordon investiga en broma las formas en que un movimiento discreto en una frase de danza cambiará en términos de cómo lo percibimos como resultado de la posición que ocupa en complejos coreográficos sistemáticamente variados. ( Noël Carroll , 1978) [78]
[Gordon] ha sido etiquetado como formalista, estructuralista, maestro de la palabra, comediante de vanguardia, satírico, parodista reflexivo. Sus obras son investigaciones profundas de correspondencias y colisiones entre el lenguaje y el movimiento, exámenes de los procesos creativos y escénicos, exploraciones de estructuras. También son enormemente simpáticos y, a menudo, deliciosamente divertidos. ( Amanda Smith , 1981) [5]
En las danzas de David Gordon, se reiteran frases de movimientos simples hasta que lo que se nota no es el movimiento en sí sino la singularidad de los cuerpos de los intérpretes. La genialidad de Gordon reside tanto en la elección de los bailarines, sobre todo su esposa y colaboradora de toda la vida Valda Setterfield, como en su vocabulario gestual. Además, su uso del lenguaje subraya el mensaje de sus danzas, que es que las acciones y señales del cuerpo, como las palabras, pueden cambiar su significado dependiendo del contexto. El fraseo de los movimientos de Gordon no tiene inflexiones, es fluido y tiende a deslizarse cómodamente a través de la memoria, de modo que a lo que hay que prestar atención es a la manera misma en que estas figuras tan interesantes en particular hacen lo que sea que están haciendo. ( Sally Banes , 1981) [79]
Sería difícil para los observadores veteranos del trabajo de Gordon encontrar una mejor definición que un vasto juego que juega con Valda Setterfield. Su sentido de la ironía ha estado rebotando en su fachada sencilla y sencilla durante años. Dado que ella siempre es perfectamente recta, el don de Gordon para proyectar ambigüedad cómica en el lenguaje y el movimiento puede brillar aún más, con una inocencia más allá de toda mancha. Puede ser que sin Setterfield como principal caja de resonancia y cómplice no hubiera desarrollado su doble filo en absoluto, al menos no hasta convertirlo en el inocente instrumento satírico que es ahora. ( Arlene Croce , 1982) [1]
Lo que [Gordon] es, creo, es un punógrafo plasario: dramaturgo/empresario/punster/coreógrafo. También es el principal humanista del mundo de la danza. Su trabajo tiene calidez, brillo, humor irónico y un amor total por la vida. Las peculiaridades, debilidades y complejidades imposibles de nuestro entorno urbano se ven y se muestran como estimulantes y consoladoras, frustrantes y estimulantes. (Allen Robertson, 1982) [80]
... Gordon, por naturaleza, es un crítico. Su obra se presenta y comenta a la vez. ... Gordon en el fondo es un vodevil, un tejedor de hilos, un compositor de acertijos, un mago que confunde las expectativas. La base de su obra es su movimiento. Las imágenes fotográficas, el vídeo y, lo más importante, la palabra hablada y escrita son elementos colaborativos. A partir de estos materiales, Gordon construye anagramas de danza, cuyo significado y tono cambian rápidamente. ... La historiadora Sally Banes ha comparado el trabajo de Gordon con el de un pintor cubista, destacando su laminación de imágenes, movimientos y palabras. Otros han destacado la inseparabilidad de la vida y el trabajo en sus piezas escénicas. (Sali Ann Krigsman, 1982) [81]
Formado en la polémica década de 1960, Gordon parece ser, por naturaleza, un ironista, con una apreciación de la paradoja, una fascinación por la psicología de la asociación y una ambivalencia sobre el glamour y la fama. En ocasiones ha revelado un temperamento crítico y, al estilo posmoderno (o balanchiniano), un interés por las alusiones estratificadas. También cuida temas y efectos. ( Mindy Aloff , 1985) [82]
Gordon es un verdadero contrario; siempre parece trabajar contra la corriente. ... La mitología del [ Judson Dance Theatre ] a menudo equipara toda la época con el manifiesto de renuncia de Yvonne Rainer . ... ¿No a las transformaciones y a la magia? No para David Gordon. (Aunque es esencial señalar que su actitud hacia la transformación y la magia tiene más en común con el trabajo de prestidigitadores modernos y antiilusionistas como Penn y Teller que con la sobreproducción, misteriosa y ostentosa de David Copperfield .) Gordon es el tipo de mago que te muestra dónde se esconde el conejo en el sombrero. ... [Él] no es el primer coreógrafo que hace una contribución importante al teatro. ... Pero Gordon es el primer "bailarín" que es tanto dramaturgo como coreógrafo. ( Roger Copeland , 1996) [24]
David Gordon no es un coreógrafo cualquiera. Sabe cómo manipular el texto y la danza para que el resultado evoque un lugar estimulante, donde el teatro reflexivo adquiere la apariencia de ser casual. Nunca es sólo eso. ... [Él] juega con muchas piezas de frases aparentemente dispares antes de que se transformen en un todo elocuente. En muchos sentidos, es un recolector de su propio trabajo, que archiva con la posibilidad de revisitarlo en el futuro. ... Pero por mucho que reviva el material después de recontextualizarlo, lo más fundamental para la vitalidad de [su] repertorio no es la apariencia del movimiento o incluso lo que dicen las palabras, sino la forma seductora en la que encajan. Es un director que sabe bailar. Y aunque hay un poco de todo en su obra –humor, musicalidad, movimiento exuberante–, es impredecible. (Gia Kourlas, 2002) [37]
[T]al vez lo que más le importa al Sr. Gordon, incluso más que las infinitamente ambiguas superposiciones de la vida y el arte, es la forma en que el presente es la cámara de eco del pasado. [En The Matter en el MoMA / 2018 ] se ven bailarines más jóvenes trabajando en material de movimiento que el Sr. Gordon creó hace años para la Sra. Setterfield y para él mismo; ves películas y fotografías del Sr. Gordon y, especialmente, de la Sra. Setterfield.
Y ves películas de grandes parejas del cine antiguo: Lillian Gish y Richard Barthelmess en Broken Blossoms , Celia Johnson y Trevor Howard en Brief Encounter , Elizabeth Taylor y Montgomery Clift en A Place in the Sun. Estas relaciones en pantalla, a su vez, se convierten en arquetipos a cuya sombra se ha desarrollado la sociedad Gordon-Setterfield (como muchas otras relaciones románticas y matrimoniales). ( Alastair Macaulay , 2018) [23]
"Ingenioso" puede ser la palabra favorita de los críticos de danza para describir a David Gordon y Valda Setterfield . El director y el bailarín pioneros son famosos por el humor conmovedor de su trabajo juntos: su asombroso sentido de la ironía ha encontrado el vehículo ideal en su fachada británica y estricta. ... Tanto dramaturgo como coreógrafo, Gordon ha utilizado hábilmente el texto, los gestos y la repetición en obras elogiadas para sus propias Pick Up Performance Co(s), así como para compañías como American Ballet Theatre . ( Jennifer Stahl , 2019) [83]
El humor satírico de Gordon, su impecable sincronización y su capacidad para ver el escenario como una especie de pintura en movimiento (y diseñarlo con cuidado, precisión y el tipo de estilo innato que no se puede enseñar) hicieron que su visión fuera singular. (Gia Kourlas, 2022) [11]
La gentileza y el ingenio [de Gordon] siempre fueron un placer, pero creo que fueron una agradable cobertura para pensamientos profundos y a veces oscuros sobre el mundo. Eso es lo que hizo que su trabajo fuera interesante. Tomaba una silla, un marco, un simple paso y de repente había teatro provocativo. En ese sentido era una especie de alquimista. ( Mijail Baryshnikov , 2022) [11]
Notas informativas
Jowitt, Deborah (29 de mayo de 1978) "'¿No te preguntas qué está pensando?' 'No'" Voz del PuebloGordon crea patrones pulidos a partir de movimientos plebeyos y tambaleantes.
Banes, Sally (1 de mayo de 1978) "David Gordon, o las ambigüedades" Village VoiceEn el debate sobre la teatralidad entre los coreógrafos posteriores a Cunningham, Gordon se pronuncia a favor del espectáculo. Pero utiliza momentos espectaculares y toques glamorosos con astucia, a menudo intensificándolos hasta que una brecha entre las relaciones del movimiento y su extravagante superposición teatral pone el movimiento en gran relieve.
Gordon, David (enero de 1983) Comentarios realizados durante la sesión "Colaboración: Investigación de nuevas formas" en la Conferencia Nacional del Theatre Communications Group en junio de 1982. Publicado en "TCG Focus: Combining Forces" en Theatre Communications[E]n estudiante de bellas artes en la universidad, seguí a una joven extremadamente atractiva que llevaba aretes peculiares con guppies vivos hasta lo que resultó ser el Modern Dance Club. Al ser un hombre de seis pies de altura, inmediatamente me pusieron en una actuación. Al mismo tiempo conocí a otra joven del Departamento de Teatro que me llevó a una audición para Dark of the Moon . Dos jóvenes competían vehementemente por el papel del niño brujo cuando entré y el director me dijo: "Oye, estás al fondo de la sala. Sube aquí y lee". Me sorprendí al actuar con algo parecido a un acento sureño e inmediatamente obtuve el papel.
Rainer, Yvonne (2000) "Declaración para el PASADO/Adelante " en Banes (2003), p.210Ahora digo que cualquiera puede dominar el estilo, o casi cualquiera.
Banes (2003), págs.13-14parodiaba la 'Fiebre del oro de Judson Church Dance Factory en la que la coreografía campaba a sus anchas'... Prefabricated Dance , el comentario sobre los propios colegas coreógrafos de Gordon, incluía instrucciones improvisadas sobre cómo hacer una danza moderna.
Gordon, David. "Fragmentos" en Perron, Wendy y Cameron, Daniel J. (eds.) (1981) Judson Dance Theatre: 1962-1966 (catálogo de la exposición) Bennington, Vermont: The Bennington College Judson Project.Utilicé el televisor de mi casa rociado con plata. Valda y yo usábamos medias y leotardos pintados de plata y pelucas infantiles de plástico (como gorros de natación) pintadas de plata... [Crítico] Don McDonagh dijo en The Rise and Fall and Rise of Modern Dance que el baile "... era una mirada coreográfica ante las ruinas de la humanidad en algún futuro horriblemente proyectado". Hasta aquí la intención del artista, o la falta de ella.
Gordon, David (enero de 1983) Comentarios realizados durante la sesión "Colaboración: Investigación de nuevas formas" en la Conferencia Nacional del Theatre Communications Group en junio de 1982. Publicado en "TCG Focus: Combining Forces" en Theatre CommunicationsPasé unos seis años en una compañía llamada The Grand Union, que estaba compuesta por entre seis y nueve artistas. Todas las actuaciones, que generalmente duraban unas dos horas, fueron totalmente improvisadas. No siempre sabíamos cuántos de nosotros estaríamos allí, ni cómo luciríamos, ni quién se iría a la mitad.
Klein, Alvin (9 de abril de 1995) "Teatro: 'Shlemiel' continúa su camino hacia Broadway" Archivado el 30 de noviembre de 2016 en Wayback Machine The New York Times"Shlemiel" está coreografiada y dirigida por el Sr. Gordon quien, al parecer, considera a sus ocho músicos (la Banda del Conservatorio Klezmer) como miembros del elenco en un entretejido de música e imágenes en movimiento, de palabras habladas y cantadas. Se puede decir que Singer es el autor original, el señor Brustein es el adaptador y el señor Gordon es el autor.
Schaefer, Bruce (28 de junio de 2022) "El próximo acto de Pam Tanowitz: 'Necesito hacer una danza judía'" Archivado el 28 de junio de 2022 en Wayback Machine The New York Times
Citas
Bibliografía
Otras lecturas
