Cristo saliendo del pretorio es un óleo sobre lienzo del artista francés Gustave Doré , creado entre 1867 y 1872. Fue el más grande de sus cuadros religiosos, con 609 por 914 cm, y el cuadro que consideraba "la obra de su vida". La pintura fue un gran éxito, ya que fue reproducida en grabado en 1877. [1] El propio Doré creó otras réplicas, de las cuales se sabe que existen dos: una, significativamente más pequeña, se encuentra en la Galería de Imágenes de la Universidad Bob Jones en Greenville . en Carolina del Sur ; el otro, casi del mismo tamaño que el original, se conserva en el Museo de Artes de Nantes .
El original fue adquirido en 1988 por el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Estrasburgo , en la casa natal del pintor. Requirió una larga restauración, realizada en público de 1998 a 2003, en la gran Sala Gustave Doré del museo, donde está expuesta.
La pintura original, la más monumental de las pinturas de Doré, fue creada en el mayor de sus estudios parisinos, un antiguo gimnasio de 400 m2, situado en el número 3 de la Rue Bayard, y alquilado desde 1865. Tras su finalización en abril de 1872, se exhibió por primera vez. en la Doré Gallery, de Londres, a partir de mayo. [2]
En 1873, los propietarios de su galería de Londres, James Fairless y George Lord Beeforth, le encargaron una réplica. Al no haber obtenido satisfacción, reiteraron su pedido dos años después. Doré creó una réplica, de dimensiones grandes pero ligeramente más pequeñas (482 por 722 cm), pintada entre 1876 y 1883. [3] Es propiedad del Museo de Bellas Artes de Nantes, que la compró en Estados Unidos, en 1984.
Doré informó por carta a Fairless y Beeforth, el 24 de febrero de 1882, por carta, que se estaban fabricando seis réplicas. De este, una tercera versión existente, conservada en la Universidad Bob Jones en Greenville, es significativamente más pequeña que las dos anteriores (148 por 223 cm). [4]
Doré se sintió decepcionado al ser visto principalmente como un ilustrador por los críticos franceses, que a menudo ignoraban su pintura. Sin embargo, fueron apreciados en el extranjero, particularmente en Inglaterra, donde expuso con éxito en 1867. Al año siguiente, aceptó la propuesta de dos editores londinenses, los marchantes de arte James Fairless y George Lord Beeforth, de abrir una galería en el 35 de New Bond Street en Londres, enteramente dedicada a la exposición permanente de sus pinturas: la Galería Doré.
Las ilustraciones de su monumental Biblia , publicada el 1 de diciembre de 1865, para aprovechar las rebajas navideñas, en todas las capitales de Europa, le dieron fama de pintor religioso. [5] Creó varias pinturas religiosas más o menos espectaculares que estaban destinadas a la Galería Doré, entre las que se encontraba este monumental Cristo saliendo del pretorio . Comenzó a trabajar en él en 1867 y le llevó cinco años completarlo. El trabajo fue frecuentemente interrumpido por la realización de varias ilustraciones, y principalmente por el asedio de París en la guerra franco-prusiana , y luego la insurrección de la Comuna de París , durante la cual enrolló y enterró su lienzo. No reanudó su trabajo en el cuadro hasta principios de 1872 y lo terminó en abril. [6]
La pintura fue finalmente enviada a Londres en mayo de 1872. Después de la muerte de Doré, en 1883, la pintura formó parte de una larga exposición itinerante de la Galería Doré en Estados Unidos, a partir de 1892. Comenzó en el Carnegie Hall , en la ciudad de Nueva York. , y terminado triunfalmente en Chicago, en 1896. Cuando el cuadro regresó a Londres en 1898, tras la muerte de los propietarios de la Galería Doré, fue almacenado y olvidado.
Redescubierta en los años 1960, fue adquirida por Oscar Kline, propietario de la Central Picture Gallery de Nueva York, antes de entrar en la colección de George Encil en 1984, quien la depositó en la Iglesia Votiva de Viena. En 1988, fue comprado por el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Estrasburgo, gracias al Fondo Regional para la Adquisición de Museos, y finalmente regresó a Francia. Desde su restauración, esta obra maestra de Gustave Doré se exhibe en una sala a su medida, amplia y muy alta, junto con algunas de sus otras pinturas.
El episodio representado en esta obra es original: tuvo lugar entre dos episodios de la Pasión de Cristo , a menudo representados en la iconografía religiosa, la Presentación de Jesús a la multitud por Poncio Pilato , quien les dejó elegir entre Él y Barrabás , y el Transporte. de la Cruz . Según uno de sus primeros biógrafos, su amigo William Blanchard Jerrold, el hecho de que este episodio en particular nunca hubiera sido representado previamente en pintura fue evocado durante una comida en George Grove en Sydenham en compañía del reverendo Frederick Harford , canónigo de Westminster. Abadía , en 1867. [7]
Doré inmediatamente se puso manos a la obra y realizó numerosos estudios en blanco y negro para los grupos de figuras, la cabeza de Cristo. A veces le irritaba tener que posponerlo para trabajar en sus ilustraciones. Cuando viajó a Londres en compañía de Blanchard Jerrold para preparar las ilustraciones de London: A Pilgrimage , este último lo encontró obsesionado con su gran cuadro, hasta el punto de integrar en él ciertas perspectivas londinenses. Así es como la vista de la iglesia neoclásica de San Jorge, en Hanover Square, con la estatua de William Pitt el Joven , en la parte sur, en una mañana particularmente sombría, lo inspiró para crear las columnatas del templo de la derecha. y la estatua al fondo en el centro de la pintura. [8]
Originalmente, el cuadro estaba "bañado de luz", según Blanchard Jerrold. Pero Frederick Harford, durante una visita a Doré en 1870, cuando el cuadro estaba prácticamente terminado, se sintió decepcionado: para él, "el cielo debería haber estado nublado; esta espantosa mañana no debería haber sido soleada", y el pintor, comprendiendo sus críticas , comenzó a oscurecer la parte superior del lienzo, resaltando gradualmente "la imponente majestad del Salvador en la tristeza de esta triste mañana". Dejada de lado durante el asedio de París, la pintura no se reanudó ni se completó hasta después del final de la guerra de 1870. Fue presentado en París en abril de 1872, antes de partir hacia Londres en mayo. [9]
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Pilato, vestido con una toga púrpura, está de pie en lo alto de las escaleras, completamente ahogado en las sombras del fondo, como Herodes Antipas . Caifás y otras dos personas, a la derecha de la escalera, ligeramente detrás de Jesús, se alegran de su condena. Judas Iscariote , entre la multitud, a la izquierda, se vuelve, con los ojos bajos, mientras la mayoría de las figuras miran a Jesús. A la derecha, al pie de las escaleras, de pie en medio de la multitud, violentamente empujada hacia atrás por los soldados, se encuentra la Virgen María , reconocible por su ropa azul y blanca, según la tradición, está rodeada por el santo mujeres y Juan Apóstol , sobre cuyo hombro se desmaya María Magdalena .
Debido a las grandes dimensiones del lienzo, el pintor no unificó realmente la perspectiva, para evitar deformaciones; pero es, sin embargo, riguroso: el punto de fuga del pavimento se sitúa hacia los pies de Jesús, mientras que las líneas de las arquitecturas del fondo convergen en la estatua de César ahogada en la niebla. Esta construcción simbólica recuerda la cuestión de los dos poderes (temporal y espiritual) en el centro del proceso de Jesús. [10]
Cristo se sitúa exactamente en el centro de la composición y de las líneas directrices que estructuran el cuadro: el eje de simetría vertical, la línea horizontal de la balaustrada y las líneas transversales, que se cruzan a la altura de su cabeza. Su postura es digna, en una mezcla de fragilidad y nobleza. Vestido de blanco, con la cabeza ensangrentada por la corona de espinas, irradiando una luz suave, Jesús desciende las escaleras que parece iluminar con su presencia. Es el único entre todos los personajes que mira en dirección a los espectadores. A su alrededor se desata la acción, en un enjambre de personajes expresivos. Los soldados empujan brutalmente a la multitud hacia la derecha, los espectadores gesticulan; Se puede encontrar toda una gama de sentimientos en las actitudes de los innumerables figurantes que pueblan el cuadro: curiosidad, compasión, dolor, odio, satisfacción... Pero la composición del cuadro sigue siendo muy clásica, incluso académica, con sus grandes arquitecturas que recuerdan de obras como La escuela de Atenas , de Rafael , o Las bodas de Caná , de Veronés . Si bien se inscribe en la imaginería contemporánea de Jesús de la época, esta pintura de "gran espectáculo", destinada a impresionar a un amplio público, parece evocar futuras superproducciones de Hollywood . [11]
Este cuadro, considerado por el pintor como la "obra de su vida", es un ejemplo de su obra: la composición es amplia, la puesta en escena teatral y dramática. Es cierto que no está libre de fallos: así, Blanchard Jerrold constata "las proporciones relativas de los personajes, el dibujo inacabado, en definitiva, diversas debilidades de carácter técnico", como este fallo en la perspectiva de la cruz en primer plano. (aún más marcado en la réplica de Nantes). Pero ver sólo ellos sería "reducir al artista al rango de simple artesano", mientras que, ante este cuadro, el espectador se deja llevar emocionalmente por la fuerza de convicción del pintor, su poder de crear espacio, de hacer presente. la multitud y la "majestad del Salvador, que se dirige, desprendido, en calma y serenidad, hacia el Gólgota". [12] Por otra parte, Nadine Lehni, conservadora jefe del Museo Rodin , analizando la réplica conservada en Nantes en 1987, afirmó haber quedado impresionada por "el gigantismo de su composición y la vitalidad que emana de ella". [13]