Coro (en italiano: Chorus ) es una composición a gran escala para cuarenta voces y cuarenta instrumentos del compositor italiano Luciano Berio .
Coro fue escrito en una época en la que, según Berio, «la sangre de las calles de Italia se desbordó», en parte debido a los Años de Plomo . Berio, un compositor comprometido con temas sociales, expresó a menudo sus puntos de vista y describió el tema central de la composición como «la conciencia aguda de las cosas en un momento trágico». En esta línea, se refirió a Coro como un homenaje al poeta chileno Pablo Neruda . En su opinión, Neruda fue «prácticamente asesinado (no físicamente, sino espiritualmente); le rompieron el corazón. [...] Es una invitación a tomar conciencia de la violencia de los tiempos, la violencia fascista ». [1]
Berio compuso Coro entre 1974 y 1976 por encargo de la Westdeutscher Rundfunk Köln . Fue dedicado a su esposa, Talia Berio . Su estreno tuvo lugar en el Festival de Donaueschingen el 24 de octubre de 1976 por el WDR Rundfunkchor Köln y la WDR Rundfunkorchester Köln . Sin embargo, Berio solo estrenó una versión inicial de Coro , que contenía 29 movimientos. La pieza final de 31 movimientos fue estrenada más tarde en Graz , el 16 de noviembre de 1977, por la Orquesta Sinfónica y Coro de la Radio de Viena, dirigidos por Leif Segerstam . [2]
Como es habitual en la producción musical de Berio, Coro se sitúa en una secuencia de obras cuyos títulos hacen referencia a modos arquetípicos de expresión musical. Comenzó esta secuencia con su Sinfonía (1968-1969), seguida por su visión de todo el género del teatro musical en la ópera (1960-1970), sobre la vida y obra de un cantante solista en Recital I (para Cathy) (1972) y sobre la relación entre solistas y conjuntos en su Concierto para dos pianos y orquesta (1972-1973). [3] Con Coro , Berio también exploró más a fondo el tipo de música folclórica que ya había utilizado en sus Canciones populares (1964) y Questo vuol dire che (1969). [4]
El coro está dividido en 31 movimientos sin título de duración variable y su ejecución lleva alrededor de una hora. A continuación se incluye un desglose completo de los movimientos, con su duración tal como Berio especificó en la partitura original.
La distinción entre música individual y música de masas también se hace patente en el uso de dos tipos diferentes de textos. Por un lado, Berio recurrió a la poesía popular en varios idiomas para los episodios en solitario. Estas expresiones populares suelen traducirse de una amplia gama de idiomas y tratan temas muy diferentes, desde el amor y la muerte hasta la unidad entre el hombre y la naturaleza. Todas estas canciones no tienen autor. Por ejemplo, el episodio inicial en el que a una soprano se le unen gradualmente otras cuatro sopranos y cinco contraltos está basado en un texto indio americano, "Today is mine".
Por otra parte, Berio utilizó una fuente textual diferente para los episodios de misa, que está tomada de una obra del autor chileno Pablo Neruda . Aquí, el proceso se invierte: mientras que en los episodios anteriores la poesía de diferentes pueblos se asigna a cantantes individuales, en el caso de Neruda, su poesía es cantada aquí por los cuarenta cantantes en los tuttis masivos que son los pilares de esta pieza. Solo unos pocos fragmentos están tomados de los tres volúmenes del poeta Residencia en la tierra (1933-1947). El grito más recurrente en la pieza, "Venid a ver la sangre por las calles", está tomado de los versos finales de uno de los poemas incluidos en esta colección, titulado Explico algunas cosas . Este grito aparece muchas veces a lo largo de la pieza como un estribillo sin ningún contexto. [3]
Como el coro tiende a ser algo diferente, especialmente para los cantantes, ya que son solistas la mayor parte del tiempo (dado que el gran número de voces a menudo requiere un coro y no intérpretes solistas), generalmente es psicológicamente nuevo y a menudo desafiante. Probablemente para simplificar las cosas, Berio decidió utilizar una amplia gama de textos en idiomas muy diferentes y, a menudo, poco conocidos; sin embargo, la mayoría de los textos en idiomas africanos, iraníes y estadounidenses generalmente se traducen al alemán. Berio solo utilizó cinco idiomas diferentes: francés, español, italiano, inglés y alemán. [1]
Coro está orquestado para cuarenta voces y cuarenta instrumentos, a saber, un coro de 10 sopranos, 10 altos, 10 tenores y 10 bajos, cuatro flautas (tres flautas y cuatro flautines dobles), un oboe, un corno inglés, un clarinete piccolo en mi bemol, dos clarinetes en si bemol, un clarinete bajo en si bemol, un saxofón alto, un saxofón tenor, dos fagotes, un contrafagot, tres trompetas en fa, cuatro trompas en do, tres trombones, una tuba baja, una tuba tenor, un órgano eléctrico, un piano, una gran sección de percusión tocada por dos percusionistas que consta de cinco cencerros, seis tom-toms, diez tam-tams, un tambor, un juego de campanillas, un par de castañuelas, dos güiros, dos juegos de cascabeles, maracas, dos pares de zills, una carraca, tres xilografías, dos bongós, un bombo, una pandereta y un glockenspiel y, por último, tres violines, cuatro violas, cuatro violonchelos y tres contrabajos.
Aunque la obra se basa en gran medida en material folclórico, Berio no utilizó citas directas ni transformaciones de canciones folclóricas reales, aparte del movimiento 6, donde utilizó una melodía croata, y el movimiento 16, donde citó una melodía de su propio Cries of London . [4] Berio utilizó, además de este elemento folclórico, una amplia gama de técnicas musicales de vanguardia. Dividió la pieza en 31 "episodios autónomos y a menudo contrastantes" y dejó en claro que el mismo fragmento de texto se utiliza en varias partes diferentes de la pieza con música diferente, mientras que el mismo modelo musical también puede aparecer varias veces con diferentes textos. Con el fin de mejorar las interacciones acústicas y visuales entre las voces y los instrumentos, imaginó una colocación muy específica de los cantantes e instrumentos en el escenario, con un cantante sentado cada uno junto a un instrumentista de timbre y rango aproximadamente comparables, formando un semicírculo. [1] Según Berio, el nivel armónico es quizás el más importante, ya que es la base de la obra pero es al mismo tiempo su entorno y su paisaje lentamente cambiante. [5]
No era la primera vez que Berio decidía colocar a los instrumentistas junto a los cantantes: también lo hizo en su Sinfonía y Laberinto , por nombrar algunas obras, ya que una de sus mayores preocupaciones en la composición musical era crear una unidad acústica entre todos los instrumentos y voces. El propio Berio citó los "diferentes niveles de comprensión" como uno de los rasgos más importantes de su obra, ya que afirmó que el rango de complejidad variaba ampliamente a lo largo de toda la composición, pasando de técnicas musicales africanas a técnicas complejas y de vanguardia. Sobre la forma en que los oyentes deben entender esta pieza, comentó:
Hay muchas maneras de escuchar: se puede escuchar una sinfonía de Mozart sólo en términos de melodía. Eso es pobre, pero está ahí, se puede hacer. Por supuesto, cuanto más se profundiza, más se obtiene una recompensa. Así que aquí hay un nivel de percepción más simple, luego es más complejo. Uno de los grandes privilegios de la música es que existe una cierta complejidad de percepción: la Grosse Fuge es compleja. Pero luego se pueden generar niveles más simples.
—Luciano Berio [1]
Tanto Berio como el reconocido director Lorin Maazel han afirmado que uno de los principales retos en el coro es el equilibrio en los sonidos y, más concretamente, en las voces, argumentando que “suena mejor en una sala”. Debido a esto, ambos directores fueron muy críticos con las grabaciones, alegando que la gratificante experiencia de escuchar la frescura de los sonidos a menudo se destruye, y no se puede tener una sensación de distribución al escuchar una versión grabada de la pieza. [1]
