Catástrofe es una obra corta de Samuel Beckett , escrita en francés en 1982 por invitación de AIDA (Association Internationale de Défense des Artistes) y “[e]producida por primera vez en el Festival de Aviñón (21 de julio de 1982)... Beckett la consideró 'masacrada'. '” [1] Es una de sus pocas obras que aborda un tema político y, posiblemente, ostenta el título de la obra más optimista de Beckett. Beckett "escribió la obra corta Catastrophe sobre control y censura" y la dedicó aldramaturgo checo Václav Havel , que se encontraba en prisión en ese momento. [2] Havel escribió una obra de teatro llamada Mistake "como respuesta a la que Beckett había escrito en solidaridad ". [3] "En febrero de 1984, en uno de los hitos más significativos en la historia del Índice de Censura , ambas obras fueron publicadas por primera vez." [4] En enero de 2022, después de casi 38 años, en la celebración del 50 cumpleaños de Index , pidieron al "dramaturgo iraní Reza Shirmarz que escribiera su propia respuesta a la catástrofe de Beckett". [5] Shirmarz escribió su obra Muzzled [6] [7] que fue publicada por Index como una respuesta dramática a la catástrofe de Beckett. Al dar su punto de vista sobre la obra de Beckett en una entrevista con Index , Shirmarz dijo que " Catástrofe trata sobre la comunicación censurada, la representación ritual y la imagen simbólica de la relación humana constreñida por fuerzas externas, un texto determinista, político y posdramático que demuestra cómo los humanos son obligados a estar y vivir en un tortuoso limbo [En Catastrophe ], el protagonista de Beckett se ve privado de su libre albedrío por los sistemas que lo rodean y el control sistemático impuesto por los demás, excepto en el momento en que levanta la cabeza y mira a los espectadores. A pesar de su dolor psicosomático, habla a través de su silencio y protesta a través de su inmovilidad. Como supuestos factores sociales y audiencias, el dramaturgo nos recuerda que no podemos salir de la jaula en la que nos tienen aprisionados. y debemos cumplir con las leyes inviolables impuestas por las estructuras y conglomerados globales para poder sobrevivir". [8]
Un director autocrático y su asistente femenina dan los “'[l]os toques finales a la última escena' de algún tipo de presentación dramática”, [9] que consiste enteramente en un hombre ( El Protagonista ) parado inmóvil en el escenario.
La Asistente ha dispuesto al hombre como le ha parecido oportuno, encima de un “bloque negro de 18” de altura”, envuelto en una “bata negra [hasta] hasta [sus] tobillos” y, curiosamente, luciendo un “vestido negro de ala ancha”. sombrero." [10] La mayor parte del drama consiste en que el director le arrebata el control y moldea al hombre en el escenario para adaptarlo a su visión personal. “El Director pide luz, tanto para su cigarro que se apaga constantemente como para el espectáculo del Protagonista en escena”. [11]
El director es un hombre irritable e impaciente, y su enfado probablemente se ve exacerbado por el hecho de que tiene otra cita, “una asamblea ” [12] , a la que asistir y su tiempo allí es limitado. Expresa preocupación por la apariencia general y exige que le quiten el abrigo y el sombrero, dejando al hombre "temblando" en su "viejo pijama gris ". [13] Tiene los puños del hombre abiertos y luego unidos, la única sugerencia de su asistente a la que le presta atención; una vez colocado a la altura del pecho queda satisfecho. (Beckett le explicó a James Knowlson que cuando estaba componiendo Catastrophe , “en mi mente estaba la contractura de Dupuytren (que padezco) que reduce las manos a garras”. [14] ) El director rechaza la propuesta de su asistente de amordazar al hombre (“ ¡Esta locura por la explicación! [15] ” [16] ) o por “mostrar la cara… sólo por un instante”. [17] También le pide que tome notas para blanquear toda la carne expuesta.
En un momento de respiro, cuando el director abandona el escenario, su asistente se desploma en su silla, luego salta y la limpia vigorosamente, como para evitar la contaminación, antes de volver a sentarse. Esto ayuda a que la audiencia aprecie mejor su relación con cada una de las partes. Después de todo, ella es quien vistió abrigadamente al protagonista y quien, dos veces, resalta el hecho de que está temblando. En cierto modo, ella es simplemente “otra víctima más que una colaboradora”. [18]
Finalmente ensayan la iluminación con el técnico del teatro (el nunca visto "Luke" ). La obra dentro de la obra dura sólo unos segundos: desde la oscuridad hasta la luz que cae sobre la cabeza del hombre y luego nuevamente la oscuridad. Finalmente el director exclama: "¡Ahí está nuestra catástrofe! En la bolsa" [17] y pide una última revisión antes de irse. Se imagina el aumento de los aplausos expectantes el día de la inauguración (“¡Genial! Los tendrá en pie. Lo escucho desde aquí [19] ). El hombre se ha convertido, como dice John Calder , en “una estatua viviente que retrata, desde el punto de vista del director, a la víctima inmóvil y que no protesta, un símbolo del ciudadano ideal de un régimen totalitario”. [20]
Sin embargo, en un acto de desafío, el hombre mira hacia el público (después de haber estado mirando hacia abajo todo el tiempo); los “aplausos flaquean y mueren”. [19] Quizás una victoria pírrica . Sin embargo, “el movimiento inesperado de la figura parece ocurrir no en el espacio temporal imaginado por el director sino en el espacio temporal de la actuación [ real ]. El momento es inquietante... No sabemos por qué la figura ha reaccionado así; no sabemos cuándo ocurre la reacción; No sabemos dónde tiene lugar la reacción”. [21] Beckett le dijo a Mel Gussow que “no era su intención que el personaje hiciera un llamamiento... Es un mártir triunfante más que una víctima de sacrificio... y está destinado a intimidar a los espectadores hasta la sumisión a través de la intensidad de su mirada y su estoicismo. ” [22]
El título requiere algunas aclaraciones. “En palabras de Aristóteles : ' la catástrofe es una acción que trae ruina y dolor al escenario, [donde] se realizan heridas y otros sufrimientos similares'”. [23] Malone se refiere a “Catástrofe… en el antiguo sentido… [s]er enterrado vivo en lava y no moverse ni un pelo, es entonces cuando un hombre muestra de qué materia está hecho”. [24] La definición más obvia se aplica, por supuesto, al acto de desafío en sí; el efecto es nada menos que catastrófico.
La obra a menudo se señala entre el canon de Beckett como abiertamente política, aunque se podrían hacer afirmaciones similares para What Where y Rough for Radio II . La obra sigue siendo una obra de Beckett y, como tal, no es prudente limitar su lectura. "Cuando... se le preguntó sobre el significado político de Catástrofe , levantó los brazos en un gesto de impaciencia y sólo hizo una observación: 'No es más político que Pochade Radiophonique '”, Áspero para Radio II , como se conoce a esta última. en Inglés." [25]
La obra puede verse como una alegoría sobre el poder del totalitarismo y la lucha para oponerse a él, representando el protagonista a un pueblo gobernado por dictadores (el director y su ayudante). Al "modificarlo hasta que su ropa y su postura proyecten la imagen requerida de lamentable abatimiento"[1], ejercen su control sobre la figura silenciada. “La cosificación del protagonista por parte del director puede verse como un intento de reducir a un ser humano vivo al estatus de un ícono del sufrimiento impotente. Pero, al final de la obra, reafirma su humanidad y su individualidad en un movimiento único, rudimentario pero convincente”. [26] En respuesta a un crítico que afirmó que el final era ambiguo, Beckett respondió enojado: “No hay ninguna ambigüedad allí en absoluto. Él está diciendo, bastardos, todavía no me habéis acabado. [27]
David Mamet dirigió una versión filmada de Catastrophe para el proyecto Beckett on Film . Protagonizada por el dramaturgo y entusiasta de Beckett, Harold Pinter, como director, y contó con la última aparición ante la cámara del actor británico, John Gielgud, como protagonista (murió sólo unas semanas después).
Esta versión ha sido algo controvertida, ya que Mamet optó por filmarla como una pieza realista: la escena se desarrolla en un teatro real, y los protagonistas están vestidos como un director y su asistente podrían lucir. “Cuando el director (D) pidió perentoriamente luz a su asistente (A), no la recibió para su cigarro, como en el original, sino en forma de antorcha para su guión. Esto debilitó la sensación de ofensiva gratuita que flotaba sobre el personaje. D., interpretado por Pinter, recibió demasiada atención de la cámara y un paciente John Gielgud demasiado poca, sobre todo en el momento final» [28], cuando levanta la cabeza desafiante. Algunos críticos han argumentado que esta interpretación se aleja del tema tiránico de la obra. [ cita necesaria ] Mamet también cambia la dirección escénica de Beckett con respecto a las manos del protagonista, sustituyendo las manos unidas por un dedo que señala. [ cita necesaria ]
Esta no es la única versión que se ha tomado libertades con la puesta en escena. “Cuando Catastrophe se presentó en el Festival Beckett el 15 de septiembre de 1999, el director Robert O'Mahoney interpretó el clímax de manera muy diferente [a la forma en que lo había hecho Beckett]. Después de que Johnny Murphy levantó la cabeza y miró con gran dignidad a la audiencia, sus labios se separaron y se estiraron en una imitación de El grito de Edvard Munch . Esto anuló el impacto del final, ya que el protagonista quedó reducido a nada más que una abyecta víctima que gritaba en silencio”. [29]
La catástrofe no se trata sólo de una situación política y el lugar del artista en ella. La víctima o “protagonista” también es representativo de todos los actores y tiene que retratar lo que los escritores escriben para ellos en la forma en que los directores les dicen que lo haga (Beckett no ignora su propia relación con los actores, particularmente aquellos que en el pasado se han resistido). sus acotaciones escénicas). El director de la obra capta dos prototipos, el del comisario político y el del director de personalidad todopoderosa como Peter Brook , Vitez, [Mamet u O'Mahoney], que adaptan una actuación a su propia interpretación, donde a menudo la víctima es el propio autor; Hay muchos chistes teatrales “de moda”. La asistente del director ejecuta con frialdad sus instrucciones, y poco importa si estamos en un campo de concentración o en un estudio de cine : toda consideración humana queda descartada para lograr la obra de arte definitiva. La metáfora doble es increíblemente efectiva a pesar de su simplicidad superficial. Con el tiempo, como ocurre con toda la obra de Beckett, se descubrirán más hilos y alusiones . [20]
“La obra también se ha relacionado con el horror del propio Beckett ante la autoexposición y se ha vinculado a la naturaleza esencialmente exhibicionista del teatro. Se ha visto como una demostración de la imposibilidad para un artista de dar forma a su obra de tal manera que revele lo que pretende que revele; el arte al final se le escapa”. [26]