Giotto di Bondone ( en italiano: [ˈdʒɔtto di bonˈdoːne] ; c. 1267 [a] - 8 de enero de 1337), [ 2] [3] conocido como Giotto [b] , fue un pintor y arquitecto italiano de Florencia durante la Baja Edad Media . Trabajó durante el período gótico y protorrenacentista . [7] El banquero y cronista contemporáneo de Giotto, Giovanni Villani , escribió que Giotto fue «el maestro más soberano de la pintura en su tiempo, que dibujó todas sus figuras y sus posturas según la naturaleza» y de su «talento y excelencia» públicamente reconocidos. [8] Giorgio Vasari describió a Giotto como un artista que rompió decisivamente con el estilo bizantino predominante y como el iniciador «del gran arte de la pintura tal como lo conocemos hoy, introduciendo la técnica del dibujo preciso del natural, que había sido descuidada durante más de doscientos años». [9]
La obra maestra de Giotto es la decoración de la Capilla de los Scrovegni , en Padua , también conocida como Capilla de la Arena, que se completó alrededor de 1305. El ciclo de frescos representa la Vida de la Virgen y la Vida de Cristo . Se considera una de las obras maestras supremas del Renacimiento temprano. [10]
El hecho de que Giotto pintara la Capilla de la Arena y que fuera elegido por la Comuna de Florencia en 1334 para diseñar el nuevo campanario de la Catedral de Florencia son algunas de las pocas certezas sobre su vida. Casi todos los demás aspectos de su vida son objeto de controversia: su fecha de nacimiento, su lugar de nacimiento, su apariencia, su aprendizaje, el orden en el que creó sus obras, si pintó los famosos frescos de la Basílica Superior de San Francisco en Asís y su lugar de sepultura.
Según la tradición, Giotto nació en una casa de campo, tal vez en Colle di Romagnano o Romignano. [11] Desde 1850, una casa-torre en el cercano Colle Vespignano lleva una placa que reivindica el honor de su lugar de nacimiento, una afirmación que se publicita comercialmente. Sin embargo, investigaciones recientes han presentado evidencia documental de que nació en Florencia, hijo de un herrero. [12] El nombre de su padre era Bondone. La mayoría de los autores aceptan que Giotto era su verdadero nombre, pero puede haber sido una abreviatura de Ambrogio ( Ambrogiotto ) o Angelo ( Angelotto ). [1]
En sus Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos, Vasari afirma que Giotto era un pastorcillo, un niño alegre e inteligente que era amado por todos los que lo conocían. El gran pintor florentino Cimabue descubrió a Giotto dibujando imágenes de sus ovejas en una roca. Eran tan reales que Cimabue se acercó a Giotto y le preguntó si podía tomarlo como aprendiz. [9] Cimabue fue uno de los dos pintores más renombrados de la Toscana , el otro fue Duccio , que trabajó principalmente en Siena . Vasari relata varias historias similares sobre la habilidad de Giotto como artista joven. Cuenta una ocasión en la que Cimabue estaba ausente del taller, y Giotto pintó una mosca notablemente realista en una cara en una pintura de Cimabue. Cuando Cimabue regresó, intentó varias veces quitarse la mosca de encima. [13] Muchos estudiosos de la actualidad no están seguros de la formación de Giotto y consideran una leyenda el relato de Vasari de que fue alumno de Cimabue; citan fuentes anteriores que sugieren que Giotto no fue alumno de Cimabue. [14] La historia sobre la mosca también es sospechosa porque es paralela a la anécdota de Plinio el Viejo sobre Zeuxis pintando uvas tan realistas que los pájaros intentaron picotearlas. [15]
Vasari también relata que cuando el papa Benedicto XI envió un mensajero a Giotto para pedirle que le enviara un dibujo que demostrara su habilidad, Giotto dibujó un círculo rojo tan perfecto que parecía dibujado con un compás y le ordenó al mensajero que se lo enviara al papa. [16] El mensajero se fue disgustado, creyendo que se había burlado de él. El mensajero trajo al papa dibujos de otros artistas además de los de Giotto. Cuando el mensajero le contó cómo había hecho el círculo sin mover el brazo y sin la ayuda del compás, el papa y sus cortesanos se sorprendieron de cómo la habilidad de Giotto superaba con creces a la de todos sus contemporáneos. [9]
Alrededor de 1290, Giotto se casó con Ricevuta di Lapo del Pela (conocida como 'Ciuta'), la hija de Lapo del Pela de Florencia. El matrimonio produjo cuatro hijas y cuatro hijos, uno de los cuales, Francesco, se convirtió en pintor. [1] [17] Giotto trabajó en Roma entre 1297 y 1300, pero hoy quedan pocos rastros de su presencia allí. En 1301, Giotto era dueño de una casa en Florencia y, cuando no viajaba, regresaba allí y vivía cómodamente con su familia. A principios del siglo XIV, tenía múltiples encargos de pintura en Florencia. [16] La Archibasílica de San Juan de Letrán alberga una pequeña parte de un ciclo de frescos, pintados para el Jubileo de 1300 convocado por Bonifacio VIII . También diseñó la Navicella , un mosaico que decoraba la fachada de la antigua Basílica de San Pedro . En este período, Giotto también pintó el Políptico de Badia , ahora en los Uffizi , Florencia. [9]
Cimabue fue a Asís para pintar varios frescos de gran tamaño en la nueva Basílica de San Francisco de Asís , y es posible, pero no seguro, que Giotto fuera con él. La atribución del ciclo de frescos de la Vida de San Francisco en la Iglesia Superior ha sido una de las más controvertidas en la historia del arte. Los documentos de los frailes franciscanos que se relacionan con encargos artísticos durante este período fueron destruidos por las tropas de Napoleón , que tenían caballos en los establos de la Iglesia Superior de la Basílica, por lo que los estudiosos han debatido la atribución a Giotto. En ausencia de evidencia de lo contrario, era conveniente atribuir todos los frescos de la Iglesia Superior que no eran obviamente obra de Cimabue al más conocido Giotto, incluidos los frescos que ahora se atribuyen al Maestro de Isaac . En la década de 1960, los expertos en arte Millard Meiss y Leonetto Tintori examinaron todos los frescos de Asís y encontraron que parte de la pintura contenía albayalde, también utilizado en la Crucifixión de Cimabue (c. 1283), muy deteriorada. No se conocen obras de Giotto que contengan este medio. Sin embargo, la pintura sobre tabla de Giotto de La estigmatización de San Francisco (c. 1297) incluye un motivo del santo sosteniendo la iglesia derrumbada, que ya había aparecido en los frescos de Asís. [18]
La autoría de un gran número de pinturas sobre tabla atribuidas a Giotto por Vasari, entre otros, es tan ampliamente discutida como los frescos de Asís. [19] Según Vasari, las primeras obras de Giotto fueron para los dominicos en Santa Maria Novella . Incluyen un fresco de La Anunciación y un enorme Crucifijo suspendido , que mide unos 5 metros (16 pies) de alto. [9] Se ha datado en alrededor de 1290 y se cree que es contemporáneo de los frescos de Asís. [20] Las obras atribuidas anteriormente son la Virgen con el Niño de San Giorgio alla Costa , ahora en el Museo Diocesano de Santo Stefano al Ponte , Florencia, y el panel firmado de la Estigmatización de San Francisco alojado en el Louvre .
Una fuente biográfica temprana, Riccobaldo de Ferrara , menciona que Giotto pintó en Asís pero no especifica el Ciclo de San Francisco : "El tipo de arte que [Giotto] hizo está atestiguado por las obras realizadas por él en las iglesias franciscanas de Asís, Rímini, Padua..." [21] Desde que el historiador de arte alemán Friedrich Rintelen propuso la idea en 1912, [22] muchos académicos han expresado dudas de que Giotto fuera el autor de los frescos de la Iglesia Superior. Sin documentación, los argumentos sobre la atribución se han basado en el conocimiento, una "ciencia" notoriamente poco confiable, [23] pero los exámenes técnicos y las comparaciones de los procesos de pintura del taller en Asís y Padua en 2002 han proporcionado evidencia sólida de que Giotto no pintó el Ciclo de San Francisco . [24] Hay muchas diferencias entre este y los frescos de la Capilla de la Arena que son difíciles de explicar dentro del desarrollo estilístico de un artista individual. En la actualidad se acepta generalmente que en los frescos de San Francisco de Asís se pueden identificar cuatro manos diferentes y que proceden de Roma. Si es así, los frescos de Giotto en Padua deben mucho al naturalismo de los pintores. [1]
La fama de Giotto como pintor se extendió. Fue llamado a trabajar a Padua y también a Rímini , donde sólo queda un Crucifijo pintado antes de 1309 y conservado en la iglesia de San Francisco . [9] Influyó en el auge de la escuela riminesa de Giovanni y Pietro da Rimini . Según documentos de 1301 y 1304, Giotto en esa época poseía grandes propiedades en Florencia, y es probable que ya estuviera al frente de un gran taller y recibiendo encargos de toda Italia. [1]
Hacia 1305, Giotto ejecutó su obra más influyente, los frescos interiores de la Capilla de los Scrovegni en Padua que en 2021 fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO junto con otros ciclos de frescos del siglo XIV en diferentes edificios del centro de la ciudad. [25] Enrico degli Scrovegni encargó la capilla para que sirviera como culto familiar, espacio de entierro [26] y como telón de fondo para una obra de misterio que se representaba anualmente . [27]
El tema de la decoración es la Salvación , y se hace hincapié en la Virgen María , ya que la capilla está dedicada a la Anunciación y a la Virgen de la Caridad. Como era común en la decoración de las iglesias de la Italia medieval, el muro oeste está dominado por el Juicio Final . A ambos lados del presbiterio hay pinturas complementarias del ángel Gabriel y la Virgen María, que representan la Anunciación. La escena está incorporada a los ciclos de La vida de la Santísima Virgen María y La vida de Cristo . La inspiración de Giotto para el ciclo de La vida de la Virgen probablemente fue tomada de La leyenda dorada de Jacobus de Voragine y La vida de Cristo se basa en las Meditaciones sobre la vida de Cristo , así como en la Biblia. Sin embargo, los frescos son más que meras ilustraciones de textos familiares, y los estudiosos han encontrado numerosas fuentes para las interpretaciones de Giotto de las historias sagradas. [28]
Vasari, basándose en una descripción de Giovanni Boccaccio , un amigo de Giotto, dice de él que "no había hombre más feo en la ciudad de Florencia" e indica que sus hijos también eran de apariencia fea. Existe una historia que cuenta que Dante visitó a Giotto mientras pintaba la Capilla de los Scrovegni y, al ver a los hijos del artista bajo sus pies, preguntó cómo un hombre que pintaba cuadros tan hermosos podía tener hijos tan feos. Giotto, que según Vasari siempre fue ingenioso, respondió: "Hago mis cuadros de día y a mis bebés de noche". [9] [16]
El ciclo está dividido en 37 escenas, dispuestas alrededor de las paredes laterales en tres niveles, comenzando en el registro superior con la historia de San Joaquín y Santa Ana , los padres de la Virgen, y continuando con su vida temprana. La vida de Jesús ocupa dos registros. El nivel superior sur trata de las vidas de los padres de María, el superior norte de su vida temprana y todo el nivel intermedio de la vida temprana y los milagros de Cristo. El nivel inferior en ambos lados se ocupa de la Pasión de Cristo . Está representado principalmente de perfil, y sus ojos apuntan continuamente a la derecha, tal vez para guiar al espectador hacia adelante en los episodios. El beso de Judas cerca del final de la secuencia señala el cierre de esta procesión de izquierda a derecha. Debajo de las escenas narrativas en color, Giotto también pintó alegorías de siete Virtudes y sus contrapartes en gris monocromo ( grisalla ). Los frescos en grisalla están pintados para parecer estatuas de mármol que personifican Virtudes y Vicios. Las alegorías centrales de Justicia e Injusticia se oponen a dos tipos específicos de gobierno: la paz que conduce a un festival de amor y la tiranía que resulta en violaciones en tiempos de guerra. [29] Entre las escenas narrativas hay pinturas en cuadrifolio de escenas del Antiguo Testamento , como Jonás y la ballena , que corresponden alegóricamente a la vida de Cristo y quizás la predicen.
Gran parte del azul de los frescos se ha desgastado con el tiempo. El coste del pigmento azul ultramar utilizado requería que se pintara sobre el fresco ya seco ( a secco ) para preservar su brillo. Por eso se ha desintegrado más rápido que los otros colores, que se pintaron sobre yeso húmedo y se adhirieron a la pared. [30] Un ejemplo de la descomposición se puede ver claramente en el manto de la Virgen, en el fresco de la Natividad .
El estilo de Giotto se inspiró en la escultura sólida y clasicista de Arnolfo di Cambio . A diferencia de las de Cimabue y Duccio, las figuras de Giotto no son estilizadas ni alargadas y no siguen los modelos bizantinos. Son sólidamente tridimensionales, tienen rostros y gestos que se basan en la observación atenta y están vestidas, no con drapeados formalizados y arremolinados, sino con prendas que cuelgan naturalmente y tienen forma y peso. También dio pasos audaces al escorzar y hacer que los personajes miren hacia adentro, de espaldas al observador, creando la ilusión de espacio. Las figuras ocupan escenarios comprimidos con elementos naturalistas, a menudo utilizando dispositivos de perspectiva forzada para que se parezcan a escenarios teatrales. Esta similitud se ve aumentada por la cuidadosa disposición de las figuras por parte de Giotto de tal manera que el espectador parece tener un lugar particular e incluso una participación en muchas de las escenas. Esto se puede ver más marcadamente en la disposición de las figuras en La burla de Cristo y Lamentación , en la que la composición invita al espectador a convertirse en burlador en una y en doliente en la otra.
La representación que hace Giotto del rostro humano y de las emociones distingue su obra de la de sus contemporáneos. Cuando el deshonrado Joaquín regresa tristemente a la ladera de la montaña, los dos jóvenes pastores se miran de reojo. El soldado que arrastra a un bebé lejos de su madre que grita en la Masacre de los Inocentes lo hace con la cabeza encorvada sobre los hombros y una expresión de vergüenza en el rostro. La gente que va de camino a Egipto cotillea sobre María y José a medida que avanzan. El crítico inglés del siglo XIX John Ruskin dijo del realismo de Giotto: "Pintó a la Virgen, a San José y a Cristo, sí, por supuesto... pero esencialmente a Mamá, Papá y el Bebé". [1]
Entre los relatos más famosos de la serie se encuentra la Adoración de los Reyes Magos , en la que una estrella de Belén con forma de cometa atraviesa el cielo. Se cree que Giotto se inspiró en la aparición del cometa Halley en 1301 , lo que llevó a que en 1986 la sonda espacial Giotto recibiera el nombre del artista.
Giotto trabajó en otros frescos en Padua, algunos ahora perdidos, como los que estaban en la Basílica de San Antonio [31] y el Palazzo della Ragione . [32] Numerosos pintores del norte de Italia fueron influenciados por la obra de Giotto en Padua, incluidos Guariento , Giusto de' Menabuoi , Jacopo Avanzi y Altichiero .
Entre 1306 y 1311, Giotto estuvo en Asís, donde pintó los frescos del transepto de la iglesia inferior de la basílica de San Francisco, entre los que se incluyen La vida de Cristo , Alegorías franciscanas y la Capilla de la Magdalena, basándose en historias de la Leyenda Áurea e incluyendo el retrato del obispo Teobaldo Pontano, que encargó la obra. Se mencionan varios ayudantes, entre ellos Palerino di Guido. El estilo muestra desarrollos a partir de la obra de Giotto en Padua. [1]
En 1311, Giotto regresó a Florencia. Un documento de 1313 sobre sus muebles allí muestra que había pasado un período en Roma algún tiempo antes. Ahora se cree que produjo el diseño para el famoso mosaico de Navicella para el patio de la antigua Basílica de San Pedro en 1310, encargado por el cardenal Giacomo o Jacopo Stefaneschi y ahora perdido para la iglesia renacentista, excepto algunos fragmentos y una reconstrucción barroca . Según la necrología del cardenal , también diseñó al menos el Tríptico Stefaneschi (c. 1320), un retablo de doble cara para San Pedro, ahora en la Pinacoteca Vaticana . Muestra a San Pedro entronizado con santos en el frente, y en el reverso, Cristo está entronizado, enmarcado con escenas del martirio de los santos Pedro y Pablo. Es una de las pocas obras de Giotto para las que existe evidencia firme de un encargo. [33] Sin embargo, el estilo parece poco probable tanto para Giotto como para sus asistentes florentinos habituales, por lo que es posible que haya hecho ejecutar su diseño en un taller ad hoc de romanos. [34]
El cardenal también encargó a Giotto que decorara el ábside de la basílica de San Pedro con un ciclo de frescos que fueron destruidos durante la renovación del siglo XVI. Según Vasari, Giotto permaneció en Roma durante seis años, recibiendo posteriormente numerosos encargos en Italia y en la sede papal de Aviñón , pero ahora se reconoce que algunas de las obras son de otros artistas.
En Florencia, donde documentos de 1314 a 1327 dan fe de sus actividades financieras, Giotto pintó un retablo, conocido como la Madonna de Ognissanti , que ahora se exhibe en los Uffizi, donde se exhibe junto a la Madonna de Santa Trinita de Cimabue y la Madonna de Rucellai de Duccio . [1] El retablo de Ognissanti es la única pintura sobre tabla de Giotto que ha sido universalmente aceptada por los académicos, a pesar del hecho de que no está documentada. Fue pintada para la iglesia de los Ognissanti (todos los santos) en Florencia, que fue construida por una oscura orden religiosa, conocida como los Humillati. [35] Es una pintura de gran tamaño (325 × 204 cm), y los académicos están divididos sobre si fue hecha para el altar principal de la iglesia, donde habría sido vista principalmente por los hermanos de la orden, o para el biombo del coro, donde habría sido vista más fácilmente por un público laico. [36]
También pintó en esa época la Dormición de la Virgen , ahora en la Gemäldegalerie de Berlín , y el Crucifijo en la Iglesia de Ognissanti . [37]
Según Lorenzo Ghiberti , Giotto pintó capillas para cuatro familias florentinas diferentes en la iglesia de Santa Croce , pero no identifica cuáles capillas. [38] Es solo con Vasari que se identifican las cuatro capillas: la Capilla Bardi ( Vida de San Francisco ), la Capilla Peruzzi ( Vida de San Juan Bautista y San Juan Evangelista , tal vez incluyendo un políptico de Madonna con Santos ahora en el Museo de Arte de Raleigh , Carolina del Norte ) y la perdida Capilla Giugni ( Historias de los Apóstoles ) y la Capilla Tosinghi Spinelli ( Historias de la Santísima Virgen ). [39] Como ocurre con casi todo en la carrera de Giotto, las fechas de las decoraciones al fresco que sobreviven en Santa Croce son discutidas. La Capilla Bardi, inmediatamente a la derecha de la capilla principal de la iglesia, fue pintada al fresco verdadero, y para algunos estudiosos, la simplicidad de sus configuraciones parece relativamente cercana a las de Padua, pero las configuraciones más complejas de la Capilla Peruzzi sugieren una fecha posterior. [40]
La Capilla Peruzzi está adyacente a la Capilla Bardi y fue pintada en gran parte a secco . La técnica, más rápida pero menos duradera que un fresco auténtico, ha dejado la obra en un estado de grave deterioro. Los estudiosos que datan el ciclo en una etapa anterior de la carrera de Giotto consideran que el creciente interés por la expansión arquitectónica que muestra se acerca a los desarrollos de los frescos giottescos de la Iglesia Inferior de Asís, pero los frescos de Bardi tienen una nueva suavidad de color que indica que el artista va en una dirección diferente, probablemente bajo la influencia del arte sienés, por lo que debe ser posterior. [41]
La Capilla Peruzzi combina tres frescos de la vida de San Juan Bautista ( La Anunciación del Nacimiento de Juan a su padre Zacarías; El Nacimiento y Nombramiento de Juan; La Fiesta de Herodes ) en la pared izquierda con tres escenas de la vida de San Juan Evangelista ( Las Visiones de Juan en Éfeso ; La Resurrección de Drusiana ; La Ascensión de Juan ) en la pared derecha. La elección de las escenas se ha relacionado tanto con los mecenas como con los franciscanos . [42] Debido al estado deteriorado de los frescos, es difícil discutir el estilo de Giotto en la capilla, pero los frescos muestran signos de su interés típico en el naturalismo controlado y la penetración psicológica. [43] La Capilla Peruzzi fue especialmente famosa durante la época del Renacimiento. Las composiciones de Giotto influyeron en los frescos de Masaccio en la Capilla Brancacci , y también se sabe que Miguel Ángel los estudió.
La Capilla Bardi representa la vida de San Francisco , siguiendo una iconografía similar a los frescos de la Iglesia Superior de Asís, que datan de 20 a 30 años antes. Una comparación muestra la mayor atención que Giotto le dio a la expresión en las figuras humanas y las formas arquitectónicas más simples y mejor integradas. Giotto representa solo siete escenas de la vida del santo, y la narración está organizada de manera un tanto inusual. La historia comienza en la pared superior izquierda con San Francisco renuncia a su padre. Continúa a través de la capilla hasta la pared superior derecha con la Aprobación de la Regla Franciscana , baja por la pared derecha hasta la Prueba de Fuego , cruza la capilla nuevamente hasta la pared izquierda para la Aparición en Arlés , baja por la pared izquierda hasta la Muerte de San Francisco y, una vez más, hasta las Visiones póstumas de Fra Agostino y el Obispo de Asís. La Estigmatización de San Francisco , que cronológicamente pertenece entre la Aparición en Arlés y la Muerte , se encuentra fuera de la capilla, sobre el arco de entrada. La disposición invita a los espectadores a relacionar las escenas: a emparejar frescos a lo largo del espacio de la capilla o a relacionar tríadas de frescos a lo largo de cada pared. Las conexiones sugieren relaciones simbólicas significativas entre diferentes eventos en la vida de San Francisco. [44]
En 1328 se completó el retablo de la Capilla Baroncelli , Santa Croce, Florencia . Anteriormente atribuido a Giotto, ahora se cree que es principalmente obra de sus ayudantes, entre ellos Taddeo Gaddi , que más tarde pintó frescos en la capilla. [45] Al año siguiente, Giotto fue llamado por el rey Roberto de Anjou a Nápoles , donde permaneció con un grupo de alumnos hasta 1333. Pocas de las obras napolitanas de Giotto han sobrevivido: un fragmento de un fresco que representa la Lamentación de Cristo en la iglesia de Santa Chiara y los Hombres Ilustres que está pintado en las ventanas de la Capilla de Santa Bárbara de Castel Nuovo , que generalmente se atribuyen a sus alumnos. En 1332, el rey Roberto lo nombró "primer pintor de la corte", con una pensión anual. También en este período de tiempo, según Vasari, Giotto compuso una serie sobre la Biblia; escenas del Libro del Apocalipsis se basaron en ideas de Dante. [46]
Después de Nápoles, Giotto permaneció un tiempo en Bolonia , donde pintó un Políptico para la iglesia de Santa Maria degli Angeli y, según algunas fuentes, una decoración perdida para la Capilla del Castillo del Cardenal Legado. [9] En 1334, Giotto fue nombrado arquitecto jefe de la Catedral de Florencia . Diseñó el campanario, conocido como el Campanile de Giotto , iniciado el 18 de julio de 1334. Después de la muerte de Giotto tres años más tarde, Andrea Pisano y finalmente Francesco Talenti se hicieron cargo de la construcción de la torre, completada en 1359 y no completamente según el diseño de Giotto. [1] Antes de 1337, estuvo en Milán con Azzone Visconti , pero no queda rastro de obras suyas en la ciudad. Su último trabajo conocido fue con la ayuda de asistentes: la decoración de la Capilla del Podestá en el Bargello , Florencia. [1]
Giotto aparece en los escritos de muchos autores contemporáneos, entre ellos Boccaccio, Dante y Franco Sacchetti . Sacchetti contó el incidente probablemente ficticio en el que un civil encargó a Giotto que pintara un escudo con su escudo de armas ; Giotto en cambio pintó el escudo "armado hasta los dientes", completo con una espada, lanza, daga y armadura. Le dijo al hombre que "saliera un poco al mundo, antes de hablar de armas como si fuera el duque de Baviera", y en respuesta fue demandado. Giotto contrademandó y ganó dos florines. [47] En La Divina Comedia , Dante reconoció la grandeza de su contemporáneo vivo con las palabras de un pintor en Purgatorio (XI, 94-96): "Cimabue creía que tenía el campo / en pintura, y ahora Giotto tiene el grito, / así que la fama del primero es oscura". [10] Giotto murió en enero de 1337.
Según Vasari, [9] Giotto fue enterrado en la Catedral de Florencia, a la izquierda de la entrada y con el lugar marcado por una placa de mármol blanco. Según otras fuentes, fue enterrado en la iglesia de Santa Reparata . Los informes aparentemente contradictorios se explican por el hecho de que los restos de Santa Reparata se encuentran directamente debajo de la Catedral y la iglesia continuó en uso mientras se realizaba la construcción de la catedral a principios del siglo XIV.
Durante una excavación en la década de 1970, se descubrieron huesos debajo del pavimento de Santa Reparata en un lugar cercano a la ubicación dada por Vasari pero sin marcar en ninguno de los niveles. El examen forense de los huesos por el antropólogo Francesco Mallegni y un equipo de expertos en 2000 sacó a la luz algunas pruebas que parecían confirmar que eran los de un pintor (en particular la gama de productos químicos, incluido el arsénico y el plomo , ambos comúnmente encontrados en la pintura, que los huesos habían absorbido). [48] Los huesos eran los de un hombre muy bajo, de poco más de cuatro pies de altura, que puede haber sufrido una forma de enanismo congénito . Eso apoya una tradición en la Iglesia de Santa Croce de que un enano que aparece en uno de los frescos es un autorretrato de Giotto. Por otro lado, un hombre con sombrero blanco que aparece en el Juicio Final en Padua también se dice que es un retrato de Giotto. La apariencia de este hombre entra en conflicto con la imagen de Santa Croce, en lo que respecta a la estatura. [48]
La reconstrucción forense del esqueleto de Santa Reperata mostró a un hombre bajo con una cabeza muy grande, una gran nariz ganchuda y un ojo más prominente que el otro. Los huesos del cuello indicaban que el hombre pasaba mucho tiempo con la cabeza inclinada hacia atrás. Los dientes frontales estaban desgastados de una manera consistente con el hecho de sostener frecuentemente un cepillo entre los dientes. El hombre tenía alrededor de 70 años en el momento de su muerte. [48] Mientras que los investigadores italianos estaban convencidos de que el cuerpo pertenecía a Giotto y fue enterrado nuevamente con honor cerca de la tumba de Filippo Brunelleschi , otros han sido muy escépticos. [49] Franklin Toker, profesor de historia del arte en la Universidad de Pittsburgh, que estuvo presente en la excavación original en 1970, dice que probablemente sean "los huesos de algún carnicero gordo". [50]
Notas al pie
Citas
Trabajó durante el período descrito como gótico o prerrenacentista...
