Edgar William Brandt (24 de diciembre de 1880 – 8 de mayo de 1960) fue un herrero francés y un prolífico diseñador de armas. En 1901 abrió un pequeño taller en el 76 de la rue Michel-Ange, en el distrito 16 de París, donde comenzó a diseñar, trabajar la plata y forjar pequeños objetos como joyas, cruces y broches. Su negocio empezó a despegar con encargos especiales como la puerta de la embajada francesa en Bruselas, la escalera Mollien del Louvre y la barandilla de la escalera y el balcón del Gran Teatro Municipal de Nancy.
Al comienzo de la Primera Guerra Mundial en 1914, Brandt fue llamado a filas. Al observar la necesidad de morteros en la guerra de trincheras , diseñó un proyectil de mortero aerodinámico con ranuras de obturación (ver detalles en Brandt Mle 27/31 ) que no ha cambiado sustancialmente desde entonces, y convirtió su invento en un exitoso negocio de armamentos después de la guerra. Sus morteros de 60 mm, 81 mm y 120 mm fueron ampliamente copiados (tanto con licencia como sin ella) antes, durante y después de la Segunda Guerra Mundial. También inventó los proyectiles de artillería perforantes descartables [1] y contribuyó sustancialmente al desarrollo de armas de ojiva HEAT efectivas para uso antitanque de infantería mediante el desarrollo de granadas de fusil HEAT. [ cita requerida ]
Tras la Primera Guerra Mundial, Brandt vivió sus años más productivos como diseñador y comenzó a exponer su obra en el Salón de Otoño todos los años. En 1919 decidió ampliar su negocio, contrató al arquitecto Favier y construyó un nuevo edificio en la esquina del bulevar Murat y la rue Erlanger. En él mantenía un catálogo físico de sus trabajos en hierro. También contrató a casi 150 empleados, cada uno con tareas especializadas que iban desde el concepto hasta la producción. [2]
La carrera de Brandt llegó a su máximo auge en la década de 1920. Las elegantes entradas para las tiendas de París y la iluminación eran una parte importante de su producción. Además, con el auge de los radiadores en los hogares, en lugar de ocultarlos, atrajo la atención hacia ellos con cubiertas de diseño elegante. [3] A lo largo del resto de su carrera, su obra abarcó desde puertas de hierro y rejas para chimeneas hasta mesas consolas.
El trabajo de Brandt fue reconocido por la Asociación Americana de Arquitectos, nombrándolo miembro honorario en 1929. [4]
Brandt, que ahora es más conocido internacionalmente, volvió a ampliar su negocio y abrió una fábrica de última generación en el suburbio parisino de Chatillon-sous-Bagneux, donde más de 3.000 trabajadores fabricaban tanto artículos de metal decorativos como armamento bajo su nombre. [5] Su empresa fue nacionalizada en 1936. Varios años después, la Segunda Guerra Mundial lo obligó a huir con su familia a Suiza. Al final de la guerra en 1945, Brandt regresó a Francia, pero decidió no reabrir su estudio. En cambio, trabajó en pequeños proyectos hasta que murió en 1960.
En la actualidad, la empresa Brandt sigue viva, gracias a varias fusiones, como FagorBrandt, fabricante de electrodomésticos.
Edgar Brandt nació en la víspera de Navidad de 1880 en París, Francia. Brandt es el primero de dos hijos de Betsy Emma Bas y Charles Haag Brandt. Tanto Brandt como su hermano menor “crecieron en un ambiente protegido y lleno de afecto, y fueron fuertemente influenciados tanto por los hábitos de trabajo de su madre como por los métodos de su padre para analizar y enfrentar los problemas” (Kahr, 14). A la temprana edad de trece años, Brandt fue aceptado en un prestigioso internado en la Ecole Nationale Professionnelle de Vierzon, una escuela técnica a unos setenta kilómetros de París. Como los instructores tenían la tarea de producir “trabajadores calificados y diseñadores industriales, supervisores de fábrica y capataces, el plan de estudios era el de una escuela de oficios en lugar del de una escuela de arte” (Kahr, 15). La escuela estaba dividida en dos talleres, herrería y carpintería. Brandt fue colocado en el taller de herrería donde aprendió por primera vez las técnicas tradicionales de forja. Brandt destacó en el taller y “a los quince años, era el herrero más competente de la escuela” (Kahr, 18). Edgar se graduó en la Escuela Nacional Profesional de Vierzon en 1898 y, tras su graduación, sirvió dos años en el ejército. Poco después de cumplir con su deber militar, Brandt abrió su propio taller, pequeño y modesto, donde comenzó su carrera en el trabajo del metal diseñando artículos a pequeña escala, como anillos, cruces, colgantes y broches. Algunos estudiosos han dicho que “las piezas a pequeña escala de Brandt, marcadas por la exactitud y la precisión, fueron un punto de partida para una fórmula de diseño y proceso que lo llevaría lentamente a obras a gran escala en hierro que también estaban meticulosamente elaboradas” (Kahr, 23).
Al comienzo de la carrera de Brandt, el movimiento Art Nouveau estaba en su apogeo; y después de observar el trabajo de Louis Majorelle, un diseñador de muebles francés durante el movimiento Art Nouveau, Brandt comenzó a emprender su camino en el proceso de fabricación de muebles. Debido al movimiento de diseño de la época, los muebles de Brandt utilizaban una combinación de carpintería y herrería; toda la pieza se construía en madera con acentos ornamentales en metal como hierro, acero o bronce. En 1903, Brandt hizo su debut en la sociedad de bellas artes y artes aplicadas al exhibir su trabajo en el Salon des Artistes Decorateurs. Durante los siguientes años, el trabajo de Brandt fue revisado más seriamente por los críticos de artes decorativas. Como resultado, Brandt comenzó a recibir encargos para trabajar en proyectos de mayor escala. El comienzo de su carrera en obras a gran escala comienza con la gran escalera para el Hotel de Ville en Euville. Tras adquirir gusto por las obras de mayor tamaño, “su éxito temprano con la joyería forjada y las piezas de pequeña escala le permitió a Edgar ampliar las capacidades de su taller, invirtiendo en una planta más grande que le permitió asumir proyectos de mayor escala y contratar más trabajadores” (Kahr, 30). Con el tiempo, los encargos arquitectónicos comenzaron a tener prioridad sobre las obras de menor escala.
El movimiento Art Déco , también llamado estilo moderno en Francia, comenzó en Europa alrededor de 1910, pero no fue hasta la década de 1920 cuando el Art Déco alcanzó su apogeo. Este movimiento de diseño se puede caracterizar por el auge de la modernidad y las cualidades que se encuentran en los objetos hechos a máquina. Sin embargo, si nos fijamos específicamente en Francia, donde Edgar Brandt comenzó su carrera, el período Art Déco se puede caracterizar "por su adopción de su pasado nacional como punto de partida intelectual para crear algo nuevo. Mientras que los diseñadores de otros lugares a menudo rechazaban la estética, los materiales y las técnicas de fabricación anteriores, los diseñadores franceses buscaban la innovación abrazando la historia" (Goss, 3). El Art Déco se creó como una reacción contra el movimiento Art Nouveau. Las obras de los diseñadores durante el movimiento Art Nouveau fueron criticadas por crear arte por el arte; estaban más interesados en la estética que en la función, los materiales y las técnicas. Además, el auge de la revolución industrial estimuló el movimiento Art Déco, ya que la artesanía estaba empezando a ser reemplazada por la producción a máquina. Por lo tanto, la “producción en masa de mala calidad de objetos Art Nouveau aceleró la desaparición de este estilo maravillosamente original después de 1900” (Goss, 4). Como resultado, la industria del metal estaba dominada por el hierro fundido, que se producía en masa de manera económica y eficiente. Lamentablemente, esto también significaba que estaba limitada en lo que podía hacer tanto técnica como artísticamente. Debido a esta razón, comenzó un renovado interés en la artesanía y el diseño en Francia. Después de la guerra, “los diseñadores sintieron una sensación de urgencia por restablecer a Francia como líder internacional en el comercio de lujo, tanto como una cuestión de orgullo nacional como por su importante contribución a la economía francesa” (Goss, 4).
Con el auge de la revolución industrial, la producción a máquina sustituyó a la artesanía. Por tanto, la industria del metal estaba dominada por el hierro fundido, que se producía en masa de forma económica y eficiente, lo que significaba que también estaba limitada tanto técnica como artísticamente. Con esto en mente, Brandt se dio cuenta al principio de su carrera de que el artista y los fabricantes operaban desde dos perspectivas diferentes. Desde el punto de vista de los artistas, los fabricantes estaban más interesados en el número de ventas que en el proceso o la técnica. Por tanto, los fabricantes elegían las piezas que eran más fáciles de producir o las que tenían un mayor potencial comercial. Por otro lado, desde el punto de vista de los fabricantes, los artistas creaban piezas que eran demasiado complejas y difíciles de reproducir. En consecuencia, la tarea de Brandt era alinear el arte y la industria para hacer diseños bien realizados, pero no a costa de la reproducción. Brandt dijo una vez: "El artista debe utilizar los medios que la ciencia ha puesto a su disposición; preservar o aferrarse a los viejos métodos es un absurdo" (Kahr, 20). Así, en lugar de seguir con la producción en masa que era lo habitual en la época, implementó la idea de la producción en serie en su taller. En definitiva, esto significa que Brandt utilizaba máquinas para simplificar la preparación de las piezas y su montaje, pero luego introducía su propio trabajo manual y acabados a mano en las piezas para añadir su toque personal a cada uno de los elementos.
Brandt siempre estuvo familiarizado con la naturaleza cambiante de la tecnología y el diseño. Por lo tanto, no es de extrañar que cuando la industria del metal introdujo nuevos métodos de soldadura, Brandt se familiarizó con la técnica y la implementó en su trabajo. En 1903, los ingenieros franceses diseñaron el soplete de soldadura oxiacetilénica. Este soplete permitió a los trabajadores del hierro unir dos piezas de metal rápidamente. El soplete podía calentar pequeñas áreas de metal que luego permitirían que el metal se convirtiera en su propio material de unión que eliminaría los métodos de unión tradicionales como el engarce o el remachado. Poco después de su lanzamiento, Brandt pudo dominar esta nueva técnica y se convirtió en uno de los primeros defensores de la pistola de soldadura. Como resultado de su dominio del soplete de soldadura oxiacetilénica y otros métodos de forjado, Brandt pudo desarrollar su propio estilo personal. En 1908, Brandt puso a prueba este nuevo método de soldadura cuando diseñó una barandilla de escalera de hierro forjado de estilo Art Nouveau para M. Bardedienne. En la barandilla de la escalera, Brandt creó piezas individuales que luego fueron soldadas entre sí para crear una composición general. Muchos de los colegas de Brandt se mostraron reacios a la idea de esta nueva tecnología; pensaban que "la única obra de hierro que valía la pena era la realizada por un solo artesano utilizando los métodos antiguos" (Kahr, 31). Sin embargo, esta nueva técnica le permitió a Brandt tener un gran éxito debido a que muchos de sus diseños no podrían haberse producido si no fuera por este nuevo método de soldadura.
A principios del siglo XX, el estilo de diseño comenzó a pasar del Art Nouveau al Art Déco. El movimiento Art Nouveau estuvo muy influenciado por las flores y las plantas. Desde muy temprana edad, Brandt se interesó por la naturaleza, que aprendió a amar y respetar (probablemente gracias a su padre, que era jardinero aficionado). A medida que la abstracción comenzaba a abrirse camino en el mundo de las artes decorativas, Brandt pudo conservar su amor por la naturaleza desarrollando "un repertorio de diseños estilizados y convencionalizados basados en la naturaleza" (Kahr, 84). En 1921, Brandt comenzó a desarrollar su propio estilo personal creando versiones algo abstractas de una rosa de repollo. Como resultado de las propiedades limitadas del hierro, no se podía tratar de la misma manera que la pintura y el dibujo le daban a un artista. El hierro se podía moldear en formas perfectas o en espirales irregulares. Como resultado, Brandt desarrolló la flor de "cáscara de papa", que utiliza líneas onduladas en un solo movimiento en espiral. A su vez, las líneas onduladas emiten la tensión visual de una flor. Brandt siguió utilizando la técnica de la “cáscara de patata” durante el resto de su carrera; sin embargo, en la década de 1920, su carrera comenzó a alcanzar su máximo apogeo, ya que desarrolló un estilo personal distintivo y dinámico. Fiel a su amor por la naturaleza, el estilo personal de Brandt se puede “caracterizar por una rica densidad de motivos florales y vegetales estilizados y finamente detallados, a veces compensados con figuras animales o humanas y áreas de dorado” (Goss, 36). Se pueden ver ejemplos del estilo personal de Brandt en L'Age d'Or, La Perse, Potiche, así como en innumerables obras más.
Como resultado del encargo de Brandt para la Escalier Mollien, la influencia de Brandt entre la comunidad publicitaria y de artes decorativas aumentó. A su vez, comenzó a ampliar su presencia y comenzó a colaborar con arquitectos, la cristalería Daum Freres y los proveedores de mármol y alabastro. Brandt realizó una serie de trabajos con Daum, específicamente en el diseño de lámparas y candelabros. Dos lámparas en particular que Brandt diseñó con Daum son las lámparas La Tentation y Cobra. Ambas lámparas representan serpientes que se elevan desde sus bases y acunan una pantalla de vidrio de alabastro de Daum. Favier comenzó a trabajar con Brandt en 1919 cuando Brandt lo buscó para crear un nuevo conjunto de edificios para albergar la empresa Brandt. A partir de ese momento, Favier dirigió el equipo de diseño de Brandt hasta que renunció en 1927. Favier trabajó en una serie de obras con Brandt, incluido el trabajo de Brandt en la Exposición de 1925.
Como resultado de la naturaleza dinámica de los encargos de herrería que recibió Brandt, la temática de sus diseños fue muy diversa. En ocasiones, sus piezas contenían referencias a otras culturas, como la japonesa, la griega antigua, la renacentista, la egipcia, la africana y las formas geométricas modernas. La educación de Brandt, así como las referencias culturales populares de la época, influyeron en su obra.
Durante su estancia en la escuela, Brandt aprendió que “los franceses sobresalen en el arte como los antiguos griegos” (Kahr, 17). Por lo tanto, en muchos de los diseños de Brandt, verá referencias a la antigua Grecia, como columnas jónicas, dioses griegos y principios griegos como la proporción áurea. Un ejemplo de esto se puede ver en una cubierta de radiador de 1922 llamada Les Marguerites. Brandt representa un cuenco lleno de margaritas que se encuentra sobre una columna jónica. Además, Brandt aplicaría los principios de la sección áurea a sus diseños de barandillas de escaleras, así como a otros objetos. En los inicios de su carrera, Brandt creía que “los diseños proporcionados geométricamente de esta manera son infinitamente más agradables a la vista y, por lo tanto, más satisfactorios para el alma” (Kahr, 17).
A finales del siglo XIX y principios del XX, hubo una gran influencia del japonismo dentro de la comunidad del diseño. En 1922, Siegfried Bing exhibió una enorme colección de grabados japoneses en la Escuela de Bellas Artes (Meech-Pekarik, 99). Como resultado, la cultura japonesa comenzó a circular por toda la sociedad francesa. A su vez, Brandt comenzó a implementar motivos japoneses en su trabajo. Un motivo en particular al que Brandt hizo referencia fueron los pájaros japoneses. En la reja de hierro forjado, Les Cigognes d'Alsace, Brandt imitó las cigüeñas japonesas que están representadas en los textiles japoneses del siglo XVIII. Según Kahr, en el libro Edgar Brandt: Master of Art Deco Ironwork , el panel "contiene un motivo central de tres cigüeñas de bronce dorado volando frente a un sol lleno de volutas. Los rayos fugaces del sol se entremezclan con la variación de la forma de "pelado de papas". “El martilleo de las nubes y las líneas incisas cinceladas en los rayos enfatizan la calidad bidimensional de la reja. El marco octogonal de las cigüeñas, yuxtapuesto a los rayos y las volutas, ofrece una riqueza de formas y colores contrastantes” (Kahr, 93).
El 4 de noviembre de 1922 se descubrió la tumba del rey Tutankamón en el Valle de los Reyes, Egipto. Con este descubrimiento, se hicieron públicas fotografías que retrataban los tesoros encontrados dentro de la tumba. Después de este descubrimiento, Brandt comenzó a implementar motivos egipcios en su obra, en particular “las formas de loto, lirio y papiro que decoraban el trono de Tutankamón, jarrones, cajas e incluso las hebillas de sus zapatos” (Kahr, 121). Aunque estos motivos aparecen en varias de las obras de Brandt, un ejemplo de ello es la puerta de salida del “Hotel d'un Collectionneur” de Emile-Jacques Ruhlmann en la Exposición de 1925. En este panel, Brandt alterna formas pequeñas y grandes del abanico egipcio que se colocan en volutas alargadas. Una versión similar de este panel se puede ver en la puerta central de la Porte d'Honneur de la Exposición de 1925 en París.
En 1923, Brandt, en colaboración con el escultor Max Blondat, pudo completar una puerta de entrada de cinco paneles que se exhibió en la entrada de las salas de artes decorativas del Salon d'Automnes. En el centro de los paneles hay cinco figuras, diseñadas por Blondat. Estas figuras se crearon utilizando bronce dorado que hace referencia a la mitología griega. El panel central contiene las Tres Gracias, que están flanqueadas por figuras de Mercurio y Venus en los paneles laterales. A partir de la marcada similitud entre las figuras de los paneles y la Primavera de Sandro Botticelli, se ha llegado a la conclusión de que los dos diseñadores hacían referencia a la "Edad de Oro" del Renacimiento. Además, el marco octogonal alrededor de cada una de las figuras enfatiza aún más la referencia al Renacimiento. Los marcos colocados alrededor de las figuras pueden compararse con los frescos del techo renacentista, como los de Baldassare Peruzzi en la Sala di Galatea en la Villa Farnesina en Roma. (Kahr, 107). Alrededor de las figuras hay flores con forma de engranaje y círculos festoneados diseñados por Brandt. La combinación de las figuras clásicas contrastadas con las flores abstractas expresionistas ofrece una atractiva dualidad que combina la iconografía clásica con la estética modernista del art déco. Con el uso de este diseño, “Brandt equiparó el renacimiento artístico de su propia época con el del pasado” (Kahr, 107).
Antes de que Brandt utilizara influencias africanas, África había sido un tema de fascinación clave entre la comunidad artística parisina durante casi veinte años. Muchos artistas como Pablo Picasso, Henri Matisse, André Derain y Maurice Vlaminck habían utilizado el arte africano indígena como influencia en su obra. Además, a principios del siglo XX, Francia había establecido colonias en África occidental que acercaron la cultura africana a los ojos de los habitantes de París. Una pieza en particular que encapsula el exotismo de África es L'Oasis, diseñada por Brandt en 1924. Esta pieza representa una atmósfera tropical a partir del uso de las grandes hojas de crotón.
Al terminar la Primera Guerra Mundial, Francia, que se encontraba en el centro del conflicto en el frente occidental, sufrió de muchas maneras. Por lo tanto, Francia intenta encontrar una manera de “no mirar hacia su reciente pasado problemático, sino hacia un futuro más brillante y optimista” (Fiederer, 1). En consecuencia, Francia decide organizar la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925. Mediante el uso de la feria, “el gobierno francés esperaba que la feria mejorara la moral pública. París había sido anteriormente la capital mundial del diseño; se sentía que podía demostrar su valía al mundo una vez más” (Kahr, 119). La feria tenía pautas estrictas que alentaban la originalidad y las nuevas formas de pensar; no debía haber reproducciones, imitaciones o falsificaciones de estilos de diseño anteriores. A su vez, la exposición dio paso al nuevo estilo internacional, el art déco. La feria se extendió por 57 acres en el centro de París con dos tercios del terreno reservados para pabellones franceses. No es de extrañar, pues, que Edgar Brandt no sólo tuviera su propio stand en la exposición, sino también numerosas otras obras expuestas en otros espacios.
En cuanto los visitantes se acercaban a las puertas de la exposición, se encontraban ante el trabajo de diseño de Brandt. En colaboración con los arquitectos Henri Favier y André Ventre, Brandt diseñó y creó las puertas de entrada de La Porte d'Honneur. Siguiendo el tema de rendir homenaje a la máquina, Brandt representó un patrón repetitivo de fuentes de agua en las rejas. Además, la puerta horizontal de la calzada contenía un patrón repetido de volutas que se aseguraban con un motivo de abanico plisado. El encargo de Brandt para la puerta de entrada es un verdadero testimonio de su reputación. Además, Vogue describe las puertas diciendo: "¡Qué nobleza hay en las puertas que entran en esta exposición! Uno sabe que algo nuevo surge ante uno. Las rejas del Palacio de Justicia, donde reside toda la gracia del siglo XVIII, hacen que uno comprenda la riqueza del arte decorativo de esa época; “Las puertas de entrada de la Exposición Internacional proclaman en París la llegada del arte decorativo francés de 1925” (Kahr, 126).
En la exposición de 1925 también se exhibió la sala de exposiciones del propio Brandt. En colaboración con el arquitecto Favior, Brandt diseñó el interior de una sala de forma octogonal que se concibió como un vestíbulo de entrada. Este espacio interior contrastaba enormemente con los demás espacios expuestos en la feria. Otros diseñadores mostraban principalmente espacios compuestos por muebles de madera acentuados con vidrio, metal o mármol. Por el contrario, los muebles colocados en la sala de Brandt estaban construidos únicamente de metal acentuado con mármol y vidrio. Favior puso gran énfasis en las paredes y el techo, ya que seleccionó cuidadosamente los colores que complementarían la metalistería de Brandt. Por lo tanto, las paredes y el techo estaban acabados en yeso pintado en tonos plata-oro y gris plata para que pareciera que estuvieran hechos de metal. Estas paredes contenían una composición vertical de motivos tomados de la cultura egipcia. Aunque las reglas establecían explícitamente que no se debían imitar estilos de diseño anteriores, esta pared muestra “la capacidad de Brandt para evocar el pasado en su obra, a la vez que añadía la inspiración original justa para que pareciera fresca y actual” (Kahr, 138). Además, una de las paredes largas del espacio estaba hecha de vidrio, lo que daba una imagen reflejada de la habitación. Uno solo puede imaginarse lo lujoso que debe haber sido este espacio, ya que los tonos plateados y dorados de las paredes, el techo e incluso los muebles de la habitación brillaban y relucían.
En la sala de exposiciones de Brandt también se exhibió su obra más famosa, L'Oasis. El biombo de cinco paneles estaba inspirado en los antiguos biombos lacados japoneses de Jean Dunand. Según Joan Kahr, “la simetría formal del biombo y las pequeñas volutas reflejan el repertorio clásico femenino de Brandt en sus comienzos, mientras que varios elementos más nuevos aluden al estilo moderno emergente. Las ondulaciones del agua que cae y las flores onduladas que parecen engranajes también muestran la influencia de una estética inspirada en las máquinas, con su énfasis en el movimiento y la velocidad” (Kahr, 143). Mediante el uso de formas repetitivas estilizadas, Brandt es capaz de fusionar motivos decorativos antiguos con el enfoque moderno en la máquina. Aunque para el ojo aficionado el biombo no parece tan complejo, la superioridad técnica de su montaje es una prueba de la sofisticación de Brandt como herrero. En 1925, L'Oasis se convirtió en una entidad visual conocida que fue referenciada en otras artes decorativas durante esa época. Por ejemplo, la fuente central que se muestra en la pantalla, así como el follaje, se han replicado en otras obras, como decorados de teatro, etiquetas de perfumes y papeles pintados.
Las obras de Brandt se pueden encontrar en el interior y el exterior de otros espacios de la feria. Entre sus obras se encuentran puertas, portones, barandillas de escaleras, mesas, candelabros, lámparas, apliques y letreros. Aunque Brandt tuvo una carrera exitosa antes de su participación en la Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes de 1925, fue esta feria la que le dio a Brandt una reputación internacional por sus trabajos en hierro.
Desde sus humildes comienzos como diseñador de joyas, el éxito de Brandt con sus piezas a gran escala le llevó rápidamente de proyectos privados a encargos públicos. Cuando la Primera Guerra Mundial terminó justo en el apogeo de su carrera, recibió el encargo de diseñar varios monumentos de guerra que se colocaron por toda Francia.
En 1921, Brandt recibió el encargo de diseñar la estructura metálica para el círculo llameante y el bronce circundante que estaría en la cabecera de la tumba del soldado desconocido ubicada bajo el Arco de Triunfo en Francia. El monumento puede describirse como "reflexivo y digno". En la cabecera del ataúd, una placa cuadrada de bronce levanta un círculo de bronce cubierto de hojas de laurel y bayas. Ubicadas en la parte superior del círculo hay veinticuatro espadas que irradian alrededor del perímetro. La llama eterna que emana de una cabeza de cañón recortada se encuentra en el centro de este círculo. Alrededor de esta cabeza de cañón hay una banda festoneada de bronce que es una firma de Brandt.
En 1921, Brandt fue elegido para diseñar las puertas de entrada al Monumento a la Trinchera de las Bayonetas en la meseta de Thiaumont en Verdún. Este monumento está dedicado a los 300.000 soldados que perdieron la vida después de que los bombardeos alemanes hicieran que la trinchera se derrumbara y enterraran vivos a los hombres. Al final de la batalla, se informó que lo único que era visible eran las bayonetas que sobresalían del suelo. Como forma de recordar la batalla, Brandt diseñó puertas que presentan un árbol de laurel con "una larga espada medieval de dos filos apuntando hacia abajo" frente al árbol. Ubicado en la parte superior e inferior de la puerta, se verá un borde de bayonetas profundamente martilladas.
Siete años después, Brandt contribuyó a la dedicación de otro monumento conmemorativo de guerra. Este monumento debía consagrar el tratado de alto el fuego firmado por los alemanes. En el centro del monumento de piedra, Brandt diseñó una reja de hierro forjado con una espada que parece atravesar el cuerpo de un águila de bronce, el símbolo de la nación alemana, que ha caído y ha sido conquistada. A raíz de un artículo de periódico mal impreso sobre el monumento conmemorativo de guerra, Brandt decidió cubrir el coste de la metalistería para el monumento como una forma de devolver algo a su país.
Probablemente uno de los encargos más importantes que recibió Brandt hasta la fecha es el diseño de la escalera Escalier Mollien del Louvre, que se inauguró en 1914. La barandilla y el pasamano, que recuerdan a una versión moderna de una escalera del siglo XVIII, están compuestos por volutas en forma de S y C con acantos dorados que rodean los rosetones. Se ha dicho que “Brandt estaba justificadamente orgulloso de este encargo estatal y utilizó una ilustración de la Escalier Mollien en su folleto publicitario de principios de la década de 1920” (Kahr, 41).
A medida que pasaron los años, el estilo Art Déco en París comenzó a cambiar; “la armonía y la proporción se habían vuelto más importantes que la decoración figurativa y el color. A esto se sumó el movimiento hacia la estandarización y la producción en masa” (Kahr, 194). Al ser consciente de los cambios que lo rodeaban, como lo había hecho en años anteriores, Brandt comenzó a adaptarse y cambiar su estética de diseño. En su trabajo posterior, se puede ver cómo la obra de Brandt muestra una progresión hacia la abstracción como resultado de intentar reflejar la nueva estética modernista. Uno de los ejemplos más efectivos de la nueva estética abstracta de Brandt se puede ver en una cubierta de radiador de 1927. Esta cubierta utiliza una serie de triángulos, rectángulos y líneas superpuestas para crear una composición abstracta. El martillado que se muestra en las líneas gruesas “ofrecía el juego visual que antes proporcionaban las volutas en forma de C con forma de encaje” (Kahr, 200).
Algunos de los productos diseñados y construidos por la empresa Brandt y sus sucesores incluyen:
2.Goss, Jared. Art déco francés. Nueva York, NY: Museo Metropolitano de Arte, 2014.
3. McKeough, Tim. “Edgar Brandt”. Elle Decor, abril de 2013.
4. Christies, ed. “Lot Content”. EDGAR BRANDT, 1880-1960. Consultado el 24 de febrero de 2021. https://www.christies.com/en/lot/lot-4717096.
5. Meech-Pekarik, Julia. “Los primeros coleccionistas de grabados japoneses y el Museo Metropolitano de Arte”. Metropolitan Museum Journal , vol. 17, 1982, págs. 93-118, doi :10.2307/1512790
6. Editores de la Enciclopedia Británica. “África Occidental Francesa”. Encyclopædia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc., www.britannica.com/place/French-West-Africa.
7. Fiederer, Lucas. “AD Classics: Exposition Internationale Des Arts Décoratifs Et Industriels Modernes / Varios arquitectos”. ArchDaily , ArchDaily, 19 de agosto de 2016, www.archdaily.com/793367/ad-classics-exposition-internationale-des-arts-decoratifs-et-industriels-modernes.
8. McKeough, Tim. “Edgar Brandt”. Elle Decor, abril de 2013.
9. K., J. “Una consola de Edgar Brandt”. Calendario del Art Institute of Chicago 66, núm. 1 (enero de 1972): 14–15.
10. Duncan, Alastair. “Iluminación Art Deco”. Revista de Artes Decorativas y de Propaganda 1 (1986): 20–31. https://doi.org/10.2307/1503901.