Arthur Lerner (nacido en 1929) es un artista estadounidense, conocido por sus pinturas y dibujos figurativos atmosféricos, paisajes y naturalezas muertas. A veces se lo describe como realista, pero la mayoría de los críticos observan que su trabajo es más subjetivo que descriptivo o literal. [1] [2] [3] Asociado con los influyentes artistas de " Monster Roster " de Chicago al principio de su carrera, compartió su entusiasmo por la figuración expresiva , la fantasía y la mitología, y su perspectiva existencial , pero divergió cada vez más en sus preocupaciones formales clásicas y su temperamento más distante. [4] [5] Los críticos notan con frecuencia en el arte de Lerner una sensación de luz que evoca el impresionismo , un color delicado y un modelado que "coquetea con la desmaterialización", [1] [6] y el dibujo que sirve como base para toda su obra. [3] [7] [8] Alan Artner del Chicago Tribune lamentó la relativa falta de reconocimiento de Lerner en relación con los imaginistas de Chicago como el destino de "un esteta en una ciudad dominada por fantásticos de diez peniques". [ 9] El trabajo de Lerner ha sido ampliamente cubierto en publicaciones, presentado en libros como Monster Roster: Existential Art in Postwar Chicago , [10] y adquirido por colecciones públicas y privadas, incluidas las del Instituto Smithsoniano , el Instituto de Arte de Chicago , el Museo de Arte Smart y el Museo de Arte Mary y Leigh Block , entre muchos. [11] [12] [13] [14]
Lerner nació y creció en el barrio étnico de Humboldt Park en el lado oeste de Chicago. Interesado en el arte desde niño, tomó clases en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC) a los doce años, y ganó una beca allí en 1946. Se unió a un cuerpo estudiantil compuesto en gran parte por veteranos de la ley GI Bill , incluidos Leon Golub , Cosmo Campoli y Seymour Rosofsky . [4] Muchos de ellos serían apodados colectivamente como la "Lista de Monstruos" por el crítico Franz Schulze a fines de la década de 1950, por su trabajo figurativo expresionista, y considerados precursores de los imaginistas más conocidos y organizados. [15] [16] Lerner estudió con los pintores Louis Ritman y Boris Anisfeld , obteniendo su BFA (1951) y MFA (1952) en SAIC. Durante este tiempo, expuso en las influyentes Exposiciones Momentum de 1948-1950, organizadas por SAIC y los estudiantes del Instituto de Diseño en protesta por su exclusión de la prestigiosa "Exposición Anual de Artistas de Chicago y alrededores" del Instituto de Arte. [4]
Después de graduarse, Lerner ganó una beca de viaje al extranjero (1952) [17] y una beca Fulbright (1957), que lo llevaron durante un año a Roma y Florencia, respectivamente. La experiencia dejó una marca duradera; sus estudios de arte renacentista y barroco, así como de literatura clásica como Dante, llevaron su obra en desarrollo en direcciones figurativas, mitológicas y místicas, al tiempo que consolidaban su estética de influencia clásica. [18] Los viajes ejercerían una fuerte influencia a lo largo de su carrera, inspirando un cambio de más de una década hacia la pintura de paisajes a fines de la década de 1970, y un regreso a la figura a mediados de la década de 1990. [18]
En 1961, Lerner se unió a la facultad de arte de City Colleges of Chicago , donde enseñaría hasta jubilarse en 1996. [14] Durante las últimas cinco décadas, ha aparecido en exposiciones individuales en las galerías Jan Cicero , Walter Wickiser (Nueva York), LIPA y Printworks, y se ha exhibido en instituciones como el Art Institute of Chicago, Smart Museum of Art, Hyde Park Art Center , [19] Chicago Ukrainian Institute of Modern Art y Chicago Cultural Center , que lo honró con una muestra individual en 2000. Lerner continúa trabajando y viviendo, con su esposa, la artista Carole Harmel , en Chicago.
El trabajo de Lerner refleja tanto una profunda conexión con la historia del arte como un compromiso con su propio camino profundamente personal. [20] Fusionando su respeto por Rembrandt , los maestros del Renacimiento y el Barroco , Degas , expresionistas como Soutine y modernistas como Francis Bacon y Giacometti , [18] desarrolló un estilo introspectivo e intuitivo que sugiere pero elude etiquetas como expresionismo, impresionismo, surrealismo , fantasía , clasicismo o realismo. [1] Los sellos distintivos de su estilo son su modelado atmosférico, paleta restringida y luz intensa y blanqueadora, que a menudo crea un espacio diáfano en el que los sujetos aparecen "inexplicablemente silenciados como si se vieran a través de una niebla o una gasa" [9] o parecen flotar "en algún lugar entre el espejismo y el sueño". [21] [20] El trabajo de Lerner se puede clasificar en tres categorías principales: obras figurativas, naturalezas muertas y paisajes.
Lerner tiene una afinidad de larga data por la figura como metáfora universal capaz de expresar la gama completa de la experiencia humana. [18] [22] Sus primeros trabajos, influenciados por el expresionismo, la mitología y el existencialismo de Sartre y Camus , consistieron en pinturas frontales y dibujos conté que presentaban criaturas fantásticas y aisladas ( Fénix , 1955; Arpía , 1957), cabezas angustiadas ( Cabeza que grita , 1962) o figuras agonizantes, parecidas a cadáveres (la serie Torn , 1960-2), que a menudo se disolvían en fondos pictóricos de campos de color. [23] [4] Además de su carga emocional, estas obras se han destacado por su "fascinación por la superficie y el juego de luces y sombras" y se han comparado con el trabajo de Moore , Baskin y Bacon. [24] Lerner expuso extensamente en ese momento, localmente y en el extranjero, en particular en varias exhibiciones del Art Institute "Chicago and Vicinity", muestras en el Seattle Art Museum , el Brooklyn Museum y el Antioch College, y exposiciones individuales en las galerías John L. Hunt (1963) y Anna Werbe (Detroit, 1964), Elmhurst College (1972) y Alverno College (1973).
Con el tiempo, la influencia de Giacometti en Lerner creció y su obra se volvió más distante y etérea, con "la sustancialidad y la concreción desplazadas por la difusión de la luz" y el color suprimido en favor de la tonalidad y el tono pálido. [1] [25] El cambio, vislumbrado en retratos, como Laura I (1975), continuó en la década de 1990, cuando Lerner regresó a la figura después de abandonarla durante aproximadamente una década. Inspirado por una visita al Museo de las Momias en Guanajuato, México, comenzó a explorar la belleza de la decadencia y los sentimientos evocados por la muerte a través de representaciones de figuras momificadas, esqueléticas o ahorcadas, cadáveres y temas mitológicos. [26] Las reseñas comentaron el tono épico, el horror silenciado, [27] "la animación delicada y la gracia expresiva" de obras como Descenso (2001) que consideraban a la humanidad "de diversas formas, como marionetas en el juego de la vida, materia física pura o almas torturadas". [26] [28] El artista Neil Goodman , que organizó una exposición de esta obra en la Universidad de Indiana, describió las pinturas como "al mismo tiempo inquietantes y atractivas, pero hermosas en la forma en que sólo el lenguaje visual puede abarcar una paradoja". [29]
Lerner ha dicho sobre este trabajo: "Las momias y las figuras míticas en mi trabajo no pretenden representar eventos políticos o históricos específicos de ninguna manera, sino más bien actuar como símbolos o metáforas del terror, la angustia, lo trágico, lo cómico, incluso el absurdo y la belleza de la vida tal como la experimentamos". [30] En los años posteriores, Lerner exhibió trabajos similares en muestras que contemplaban los efectos de la guerra, el genocidio [31] y el Holocausto. [32]
A finales de los años 70, Lerner dio un giro radical hacia las naturalezas muertas y los paisajes, motivado por un viaje a los Alpes marítimos franceses y consolidado más tarde tras la compra de una casa de verano en la costa de Maine. Al regresar a Chicago, comenzó a trabajar en pinturas minimalistas de bolsas de papel (1978) que, formalmente, le recordaban a las montañas. [18] Después se dedicó a agrupaciones sobrias de materiales naturales como rocas, conchas, madera a la deriva, hojas, huesos y calabazas que se han comparado con los jardines zen por su "casualidad calculada", su cuidadosa disposición y su tensión espacial. [20] [9] En contraste con sus otras obras, Lerner describe las naturalezas muertas como "una aproximación más directa al puro placer de mirar las cosas". [30]
Al igual que los paisajes que seguirían, estas nuevas pinturas eran a la vez más precisas y concretas (sugiriendo a veces el distanciamiento de Philip Pearlstein [3] ) y, sin embargo, más abstractas [1] . Los críticos atribuyeron esto a la "luz opalescente" de Lerner [33], que daba a sus sombras una forma palpable [21] y creaba el "efecto de una procesión de formas difusas, delicadamente coloreadas y posiblemente místicas a través del lienzo" que sugería paisajes [3] . Esta ficción artística transformó lo que parecían ser pinturas simples, como Huesos, calabazas y conchas (1990), en obras metafísicas [20] que evocaban un estado de ánimo de misterio y quietud que los críticos compararon con la obra de Giorgio Morandi [21] .
Al mismo tiempo que pintaba naturalezas muertas, Lerner empezó a pintar paisajes costeros de Maine. Al describir el contraste entre el "paisaje dramático, casi melancólico" de Maine y el desorden urbano de Chicago como "una especie de epifanía", dijo: "Me sentí atraído por las cualidades más espirituales, psicológicas y atmosféricas y por la sensación de unidad que impregna todo en la naturaleza". [18] [30]
Los críticos describieron estas nuevas pinturas como "paisajes de asombro" [21] y "poesía realista"; [34] y las compararon con el trabajo de Hopper [3] y Rothko, [1] destacando el uso de la luz por parte de Lerner como agente de transformación para armonizar lo que ve en la naturaleza. [9] En reseñas que cubrían cuatro exposiciones en la galería Jan Cicero (1986-1997), Alan Artner observó que la luz alternativamente daba "a las sombras la solidez de la roca y a la roca la flotabilidad de la nieve" [2] o blanqueaba los paisajes terrestres y marinos en su intensidad, separándolos de sus contextos naturales. [35] Escribió que pinturas como Coastscape Series III (1985-6) revelaban una observación aguda, pero se desviaban de la realidad para crear una sensación y una atmósfera que se volvían casi abstractas. [2] En series posteriores, Lerner se centró en los rojos, amarillos y azules más brillantes de la región de rocas rojas de Arizona y en las paletas más sutiles del Gran Cañón, en obras como Canyon Series V (1996).
Lerner comenzó su carrera docente en el Ray-Vogue College, una escuela de arte comercial en Chicago, en 1955. Trabajó allí hasta 1957, enseñando bellas artes, ilustración y diseño. En 1961, fue contratado en City Colleges of Chicago, donde enseñaría dibujo básico, dibujo de figuras y pintura hasta su jubilación en 1996. [14] Fue nombrado profesor distinguido del Richard J. Daley College en 1986-7. Lerner modeló su enfoque en el de su propio profesor de dibujo de figuras del SAIC, Robert Lifvendahl, adoptando un enfoque altamente estructurado para enseñar técnicas y métodos fundamentales a un amplio espectro de estudiantes que incluía adolescentes universitarios, trabajadores manuales y jubilados. [18] Lerner también enseñó en la Ox-Bow School of Art, School of the Art Institute of Chicago en 1961.
El arte de Lerner está representado en numerosas colecciones públicas y privadas, incluidas las de: Smithsonian Institution, Art Institute of Chicago, [36] Smart Museum of Art, [37] Mary and Leigh Block Museum of Art, Farhat Cultural Center (Beirut, Líbano), [38] Ukrainian Institute of Modern Art, US State Department Cultural Division, Harry S. Truman College, United Airlines, Continental Bank of Illinois (ahora Bank of America), Northern Trust Bank of Illinois, Kemper Insurance Companies, Jenner and Block, Inc., Hahn, Holland and Grossman, Joseph Shapiro y David and Sarajean Ruttenberg, entre muchos otros. Ha sido reconocido con premios del National Endowment for the Arts (1981, 1982), una beca Fulbright (1957-8) y una beca de viaje al extranjero James Nelson Raymond (1952-3). [14]