El arte jamaiquino se remonta a los indios taínos , que creaban zemis , esculturas de sus dioses, con fines espirituales rituales. La desaparición de esta cultura tras la colonización europea anunció una nueva era de producción artística más relacionada con los gustos tradicionales de Europa, creada por artistas itinerantes deseosos de devolver imágenes pintorescas del "nuevo mundo" a Europa. Entre ellos, los más destacados fueron Agostino Brunias , Philip Wickstead, James Hakewill y JB Kidd.
Tal vez el primer artista que adoptó un enfoque más centrado en Jamaica para abordar la cultura de la isla fue Isaac Mendes Belisario (1795-1849). Su portafolio de litografías, Sketches of Character, In Illustration of the Habits, Occupation, and Costume of the Negro Population in the Island of Jamaica (Esbozos de personajes, en la ilustración de los hábitos, la ocupación y el vestuario de la población negra en la isla de Jamaica) , publicado en colaboración con el litógrafo Adolphe Duperly en 1837-1838, documenta las actividades de los esclavos inmediatamente después de su emancipación. [1]
Durante el período colonial, los esclavos se convirtieron en una parte integral de la contribución a la economía, aparte de sus amos, en la década de 1670. Esto ayudó al país de Jamaica a poder construir capital fuera del trabajo esclavo. Los bienes construidos para contribuir a dicho capital eran a menudo alimentos y ganado, pero también incorporaban artesanías. Una adición a las leyes de esclavos jamaicanas en 1711 permitió que los esclavos fabricaran y distribuyeran legalmente cerámica , cestas y cuerdas. Las ollas, pipas y baldes hechos de material de barro (arcilla) a menudo se intercambiaban entre los mismos esclavos o se vendían a la clase trabajadora baja. Muchos de los materiales e innovaciones de cerámica se remontan a África occidental, de donde se sacaron muchos esclavos y se los llevó a Jamaica. La cerámica sigue siendo una parte integral de la economía jamaiquina, pero también sigue siendo malinterpretada y subrepresentada. [2]
La Galería Nacional de Jamaica data el movimiento artístico de orientación nacionalista a principios del siglo XX y la llegada de Edna Manley a Jamaica en 1922. Sus observaciones y diarios sobre el arte y los artistas de esa época han proporcionado documentación temprana sobre el desarrollo del movimiento. Su obra, Bead Seller (1922), se ha utilizado como la obra más antigua de la colección permanente de moda de la Galería Nacional de Jamaica. Educada en el Reino Unido, criticó públicamente el arte local de Jamaica como "anémico", creyendo que demostraba una preocupación por los paisajes y retratos de estilo europeo, utilizando técnicas tradicionales que reflejaban insuficientemente la cultura y la gente de Jamaica. [3] Manley instó firmemente a los artistas jamaicanos a crear arte que demostrara su herencia y orgullo, descartando a su vez la influencia y los valores europeos. [4] Su apoyo a las clases de arte voluntarias en el Instituto de Jamaica fomentó el talento de artistas como Albert Huie , Ralph Campbell, Henry Daley y Osmond Watson . Las clases de 1950 se formalizaron en un programa de arte ofrecido en la Escuela de Arte de Jamaica, una institución que más tarde se denominó Edna Manley College of Visual and Performing Arts , como homenaje a su contribución. [5]
Durante las décadas de 1950 y 1960, muchos de los artistas de Jamaica recibieron formación formal en Gran Bretaña como resultado de las becas proporcionadas por el British Council . Ralph Campbell asistió a clases en el Goldsmiths College; [6] Barrington Watson se formó en el Royal College of Art; [7] y Osmond Watson estudió en St Martins. [8] Cada artista desarrolló su propio estilo representativo, influenciado por el postimpresionismo, el realismo y el cubismo, respectivamente. Los tres artistas regresaron para enseñar en la Escuela de Arte de Jamaica.
Desde que la isla declaró su independencia en 1962, el arte jamaiquino ha oscilado entre dos estilos que el curador jefe, David Boxer, ha definido como "mainstream" e "intuitivo". [9] "Mainstream" hace referencia a los artistas formados de Jamaica, que suelen estar más expuestos a las tendencias y estilos artísticos utilizados en el extranjero. Este estilo fue adoptado típicamente por los artistas jamaicanos debido a la necesidad de obtener ganancias con sus obras de arte y atraer turistas. [10] El movimiento "intuitivo" consiste en artistas que mantienen vínculos más fuertes con las formas de expresión africanas, están predominantemente cerrados a cualquier influencia externa y suelen ser autodidactas. Durante la década de 1980, una tendencia hacia la fusión de estos dos estilos fue evidente en la obra de artistas como Milton George, Omari Ra (también conocido como African o Robert Cookhorne) y Khalfani Ra (también conocido como Makandal Dada o Douglas Wallace). La curadora del Smithsonian Vera Hyatt los etiquetó como nuevos imaginistas, haciendo referencia a la forma en que el cuerpo en formas convulsivas domina sus lienzos. [11]
En la década de 1990, una mayor conciencia de las tendencias posmodernas y una conexión con las comunidades diásporicas más amplias de Jamaica en Gran Bretaña, Canadá y los EE. UU. hicieron que muchos artistas como Albert Chong , Anna Henriques, Petrona Morrison , Margaret Chen y David Boxer reevaluaran sus historias culturales personales. Comenzaron a revisitar los sitios de sus orígenes ancestrales (ya sean culturas indígenas amerindias , africanas o europeas), teniendo una mayor necesidad de comprender y visualizar la experiencia jamaiquina y su propio sentido de lugar dentro del Caribe. [12] Pero los eventos en Jamaica han superado estas preocupaciones, dirigiendo la atención de una generación aún más joven de artistas hacia el interior. Muchos de los artistas contemporáneos de Jamaica en la década de 1990 estaban preocupados por cuestiones poscoloniales de identidad y lugar. Exploraron estos temas a través de exposiciones grupales, como las Bienales del Caribe y otras exposiciones regionales. Esto les permitió establecer puntos en común con artistas de otras islas.
El arte de la última década parece estar cambiando de enfoque una vez más. [13] Artistas más jóvenes, como Ebony G. Patterson , Michael Elliot, Phillip Thomas, Christopher Irons y Peter Rickards, están abordando cuestiones de violencia, homofobia y dislocación social que han sido una característica del pasado reciente de Jamaica. Se trata de acontecimientos y tendencias que todavía se están desarrollando, pero sugieren que esta generación de artistas está teniendo que competir con los aspectos más evidentes de la cultura popular del país relacionados con el dance hall, las fabulosas modas del gueto, el arte callejero y la estética de los funerales ostentosos [14] para conseguir un lugar en la memoria visual de la nación. [15]
Theresa Roberts, coleccionista y nativa de Jamaica, emigró al Reino Unido a una edad temprana. Prioriza la promoción y el realce del arte y los artistas jamaicanos en todo el mundo. Ha contribuido a difundir el conocimiento del arte jamaiquino y también participó en la creación del Museo Internacional de la Esclavitud en Liverpool, Reino Unido. La exposición de la Colección Theresa Roberts es la primera exposición del Reino Unido que presenta y exhibe solo obras de artistas jamaicanos. La exposición comenzará en Liverpool en 2022. [16] Una obra de arte de "Priest 2", 2017, de la colección de Roberts, ha comenzado a recibir reconocimiento internacional. Realizada por Alicia Lisa Brown, una artista jamaiquina, la pintura al óleo sobre lienzo mide 16" x 12". La exposición se llevará a cabo en la Galería y Museo Victoria en Liverpool, Reino Unido, del 9 de febrero al 9 de julio de 2022. Se exhibirán pinturas, instalaciones de medios mixtos, esculturas y películas. [17]