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Art Nouveau

Art Nouveau ( / ˌ ɑː r ( t ) n uː ˈ v oʊ / AR(T) noo- VOH , francés: [aʁ nuvo] ⓘ ; iluminado.  'New Art') es unestilode arte, arquitectura yartes aplicadas, especialmente lasartes decorativas. A menudo se inspiraba en formas naturales, como las curvas sinuosas de plantas y flores. [1]Otras características del Art Nouveau fueron una sensación de dinamismo y movimiento, a menudo dado por asimetría olíneas de latigazo, y el uso de materiales modernos, particularmente hierro, vidrio, cerámica y más tarde hormigón, para crear formas inusuales y espacios abiertos más grandes. [2]Fue popular entre 1890 y 1910 durante elBelle Époque,[3]y fue una reacción contra elacademicismo,el eclecticismoyel historicismode la arquitectura y el arte decorativo del siglo XIX.

Uno de los principales objetivos del Art Nouveau fue romper la distinción tradicional entre bellas artes (especialmente pintura y escultura) y artes aplicadas. Se utilizó más ampliamente en diseño de interiores, artes gráficas, muebles, arte en vidrio, textiles, cerámica, joyería y orfebrería. El estilo respondió a los principales teóricos del siglo XIX, como el arquitecto francés Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814-1879) y el crítico de arte británico John Ruskin (1819-1900). En Gran Bretaña, fue influenciado por William Morris y el movimiento Arts and Crafts . Los arquitectos y diseñadores alemanes buscaron un Gesamtkunstwerk ('obra de arte total') espiritualmente edificante que unificara la arquitectura, el mobiliario y el arte del interior en un estilo común, para elevar e inspirar a los residentes. [2]

Las primeras casas y decoración interior Art Nouveau aparecieron en Bruselas en la década de 1890, en la arquitectura y el diseño interior de casas diseñadas por Paul Hankar , Henry van de Velde y especialmente Victor Horta , cuyo Hôtel Tassel se completó en 1893. [4] [ 5] [6] Se trasladó rápidamente a París, donde fue adaptado por Héctor Guimard , quien vio la obra de Horta en Bruselas y aplicó el estilo a las entradas del nuevo Metro de París . Alcanzó su apogeo en la Exposición Internacional de París de 1900 , que presentó la obra Art Nouveau de artistas como Louis Tiffany . Apareció en las artes gráficas en los carteles de Alphonse Mucha y en la cristalería de René Lalique y Émile Gallé .

Desde Gran Bretaña, Bélgica y Francia, el Art Nouveau se extendió al resto de Europa, adquiriendo diferentes nombres y características en cada país (consulte la sección Denominación a continuación). A menudo aparecía no sólo en las capitales, sino también en ciudades de rápido crecimiento que querían establecer identidades artísticas ( Turín y Palermo en Italia; Glasgow en Escocia; Munich y Darmstadt en Alemania; Barcelona en Cataluña , España), así como en centros de movimientos independentistas ( Helsinki en Finlandia, entonces parte del Imperio Ruso).

En 1914, con el inicio de la Primera Guerra Mundial , el Art Nouveau estaba prácticamente agotado. En la década de 1920, fue reemplazado como estilo arquitectónico y de arte decorativo dominante por el Art Déco y luego el Modernismo . [7] El estilo Art Nouveau comenzó a recibir una atención más positiva por parte de los críticos a finales de la década de 1960, con una importante exposición de la obra de Héctor Guimard en el Museo de Arte Moderno en 1970. [8]

Nombrar

El término Art Nouveau se utilizó por primera vez en la década de 1880 en la revista belga L'Art Moderne para describir el trabajo de Les Vingt , veinte pintores y escultores que buscaban reformas a través del arte. El nombre fue popularizado por la Maison de l'Art Nouveau ('Casa del Arte Nuevo'), una galería de arte inaugurada en París en 1895 por el marchante de arte franco-alemán Siegfried Bing . En Gran Bretaña, el término francés Art Nouveau se usaba comúnmente, mientras que en Francia, a menudo se lo llamaba con el término Style moderne (similar al término británico Modern Style ), o Style 1900 . [9] En Francia, a veces también se le llamaba Estilo Julio Verne (en honor al novelista Julio Verne ), Estilo Métro (en honor a las entradas de metro de hierro y vidrio de Hector Guimard ), Art Belle Époque o Art fin de siècle . [10]

El Art Nouveau se conoce con diferentes nombres en diferentes idiomas: Jugendstil en alemán, Stile Liberty en italiano, Modernisme en catalán y también conocido como Modern Style en inglés. El estilo a menudo está relacionado, pero no siempre es idéntico, a estilos que surgieron en muchos países de Europa y otros lugares aproximadamente al mismo tiempo. Sus nombres locales se utilizaron a menudo en sus respectivos países para describir todo el movimiento.

Historia

Orígenes

El nuevo movimiento artístico tuvo sus raíces en Gran Bretaña, en los diseños florales de William Morris y en el movimiento Arts and Crafts fundado por los alumnos de Morris. Los primeros prototipos de este estilo incluyen la Casa Roja con interiores de Morris y arquitectura de Philip Webb (1859), y la lujosa Sala Peacock de James Abbott McNeill Whistler . El nuevo movimiento también estuvo fuertemente influenciado por los pintores prerrafaelitas , incluidos Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones , y especialmente por los artistas gráficos británicos de la década de 1880, incluidos Selwyn Image , Heywood Sumner , Walter Crane , Alfred Gilbert y, especialmente, Aubrey. Beardsley . [15] La silla diseñada por Arthur Mackmurdo ha sido reconocida como precursora del diseño Art Nouveau. [dieciséis]

En Francia, recibió la influencia del teórico e historiador de la arquitectura Eugène Viollet-le-Duc , enemigo declarado del estilo arquitectónico histórico Beaux-Arts , cuyas teorías sobre el racionalismo se derivaron de su estudio del arte medieval :

Viollet-le-Duc fue él mismo un precursor del Art Nouveau: en 1851, en Notre-Dame de París , creó una serie de pinturas murales típicas de este estilo. [21] Estas pinturas fueron retiradas en 1945 por considerarse no académicas. En el castillo de Roquetaillade , en la región de Burdeos , su decoración interior que data de 1865 también anticipa el Art Nouveau. En su libro Entretiens sur l'architecture de 1872 , escribió: "Utilice los medios y los conocimientos que nos brinda nuestra época, sin las tradiciones intermedias que ya no son viables hoy, y de esa manera podremos inaugurar una nueva arquitectura. Para cada función su material; para cada material su forma y su ornamento." [22] Este libro influyó en una generación de arquitectos, entre ellos Louis Sullivan , Victor Horta , Hector Guimard y Antoni Gaudí . [23]

Los pintores franceses Maurice Denis , Pierre Bonnard y Édouard Vuillard desempeñaron un papel importante en la integración de la pintura de bellas artes con la decoración. "Creo que ante todo un cuadro debe decorar", escribió Denis en 1891. "La elección de los temas o de las escenas no es nada. Es por el valor de los tonos, la superficie coloreada y la armonía de las líneas que puedo alcanzar el espíritu y despierta las emociones." [24] Todos estos pintores hicieron tanto pintura tradicional como pintura decorativa en biombos, vidrio y otros medios. [25]

Otra influencia importante en el nuevo estilo fue el japonismo . Esta fue una ola de entusiasmo por la impresión en madera japonesa , en particular las obras de Hiroshige , Hokusai y Utagawa Kunisada , que fueron importadas a Europa a partir de la década de 1870. El emprendedor Siegfried Bing fundó una revista mensual, Le Japon Artistique en 1888, y publicó treinta y seis números antes de que finalizara en 1891. Influyó tanto en coleccionistas como en artistas, incluido Gustav Klimt . Los rasgos estilizados de los grabados japoneses aparecieron en gráficos, porcelana, joyería y muebles del Art Nouveau. Desde principios de 1860 se manifestó de repente una influencia del Lejano Oriente . En 1862, los amantes del arte de Londres o París podían comprar obras de arte japonesas , porque en ese año Japón apareció por primera vez como expositor en la Exposición Internacional de Londres. También en 1862, en París, se abrió la tienda La Porte Chinoise , en la calle de Rivoli , donde se vendían ukiyo-e japoneses y otros objetos del Lejano Oriente. En 1867 aparecieron Ejemplos de ornamentos chinos de Owen Jones , y en 1870 Arte e industrias en Japón de R. Alcock, y dos años más tarde, OH Moser y TW Cutler publicaron libros sobre arte japonés. Algunos artistas del Art Nouveau, como Víctor Horta , poseían una colección de arte del Lejano Oriente, especialmente japonés. [11]

Las nuevas tecnologías en impresión y edición permitieron que el Art Nouveau llegara rápidamente a una audiencia global. Las revistas de arte, ilustradas con fotografías y litografías en color , jugaron un papel fundamental en la popularización del nuevo estilo. El Studio en Inglaterra, Arts et idèes y Art et decoración en Francia, y Jugend en Alemania permitieron que el estilo se extendiera rápidamente a todos los rincones de Europa. Aubrey Beardsley en Inglaterra, y Eugène Grasset , Henri de Toulouse-Lautrec y Félix Vallotton lograron reconocimiento internacional como ilustradores. [26] Con los carteles de Jules Chéret para la bailarina Loie Fuller en 1893, y de Alphonse Mucha para la actriz Sarah Bernhardt en 1895, el cartel se convirtió no sólo en publicidad, sino en una forma de arte. Sarah Bernhardt dedicó una gran cantidad de sus carteles a la venta a coleccionistas. [27]

Desarrollo – Bruselas (1893–1898)

Las primeras casas adosadas de estilo Art Nouveau, la Casa Hankar de Paul Hankar (1893) y el Hôtel Tassel de Victor Horta (1892-1893), [4] [5] se construyeron casi simultáneamente en Bruselas . Eran similares en su originalidad, pero muy diferentes en su diseño y apariencia.

Victor Horta fue uno de los arquitectos más influyentes del Art Nouveau temprano, y su Hôtel Tassel (1892-1893) en Bruselas es uno de los hitos del estilo. [28] [29] La formación arquitectónica de Horta fue como asistente de Alphonse Balat , arquitecto del rey Leopoldo II , en la construcción de los monumentales Invernaderos Reales de hierro y vidrio de Laeken . [30] Fue un gran admirador de Viollet-le-Duc , con cuyas ideas se identificaba completamente. [31] [32] En 1892-1893, le dio a esta experiencia un uso muy diferente. Diseñó la residencia de un destacado químico belga, Émile Tassel, en un sitio muy estrecho y profundo. El elemento central de la casa era la escalera, no cerrada por muros, sino abierta, decorada con una barandilla rizada de hierro forjado y situada bajo un alto tragaluz. Los pisos estaban sostenidos por esbeltas columnas de hierro como troncos de árboles. Los suelos y paredes de mosaico estaban decorados con delicados arabescos de formas florales y vegetales, que se convirtieron en la firma más popular del estilo. [33] [34] En un corto período, Horta construyó tres casas adosadas más, todas con interiores abiertos y todas con tragaluces para una máxima iluminación interior: el Hôtel Solvay , el Hôtel van Eetvelde (para Edmond van Eetvelde ) y la Maison . & Taller Horta . Los cuatro son ahora parte del Patrimonio Mundial de la UNESCO .

Paul Hankar también fue un innovador del Art Nouveau temprano. Nacido en Frameries , en Hainaut , hijo de un maestro cantero, había estudiado escultura ornamental y decoración en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas de 1873 a 1884, mientras trabajaba como escultor ornamental. De 1879 a 1904 trabajó en el estudio del destacado arquitecto Henri Beyaert , maestro de la arquitectura ecléctica y neoclásica . A través de Beyaert, Hankar también se convirtió en un admirador de Viollet-le-Duc. [35] En 1893, Hankar diseñó y construyó la Casa Hankar, su propia residencia en Bruselas. Con el objetivo de crear una síntesis entre bellas artes y artes decorativas, reunió al escultor René Janssens y al pintor Albert Ciamberlani para decorar el interior y el exterior con esgrafiados o murales. La fachada y los balcones presentaban decoración de hierro y líneas rizadas en motivos florales estilizados, que se convirtieron en una característica importante del Art Nouveau. Basándose en este modelo, construyó varias casas para sus amigos artistas. También diseñó una serie de innovadores escaparates de vidrio para tiendas, restaurantes y galerías de Bruselas, en lo que un crítico local calificó como "un verdadero delirio de originalidad". [36] Murió en 1901, justo cuando el movimiento comenzaba a recibir reconocimiento. [37]

Henry van de Velde , nacido en Amberes , fue otra figura fundadora del nacimiento del Art Nouveau. Los diseños de Van de Velde incluyeron el interior de su residencia en Bruselas, la Villa Bloemenwerf (1895). [38] [39] El exterior de la casa se inspiró en la Casa Roja , la residencia del escritor y teórico William Morris , fundador del movimiento Arts and Crafts . Formado como pintor, Van de Velde se dedicó a la ilustración, luego al diseño de muebles y finalmente a la arquitectura. Para Villa Bloemenwerf, creó textiles, papel tapiz, platería, joyas e incluso ropa que combinaban con el estilo de la residencia. [40] Van de Velde fue a París, donde diseñó muebles y decoración para el comerciante de arte franco-alemán Siegfried Bing , cuya galería de París dio nombre al estilo. También fue uno de los primeros teóricos del Art Nouveau, que exigía el uso de líneas dinámicas, a menudo opuestas. Van de Velde escribió: "Una línea es una fuerza como todas las demás fuerzas elementales. Varias líneas juntas pero opuestas tienen una presencia tan fuerte como varias fuerzas". En 1906 partió de Bélgica hacia Weimar (Alemania), donde fundó la Escuela Gran Ducal de Artes y Oficios, donde estaba prohibida la enseñanza de estilos históricos. Desempeñó un papel importante en el Werkbund alemán , antes de regresar a Bélgica. [41]

El debut de la arquitectura Art Nouveau en Bruselas estuvo acompañado por una ola de Arte Decorativo en el nuevo estilo. Entre los artistas importantes se encuentran Gustave Strauven , que utilizó hierro forjado para lograr efectos barrocos en las fachadas de Bruselas; el diseñador de muebles Gustave Serrurier-Bovy , conocido por sus originales sillas y muebles metálicos articulados; y el diseñador de joyas Philippe Wolfers , que fabricaba joyas en forma de libélulas, mariposas, cisnes y serpientes. [42]

La Exposición Internacional de Bruselas celebrada en 1897 atrajo la atención internacional sobre el estilo; En el diseño de la feria participaron Horta, Hankar, Van de Velde y Serrurier-Bovy, entre otros, y Henri Privat-Livemont creó el cartel de la exposición.

París: Maison de l'Art Nouveau (1895) y Castel Beranger (1895-1898)

El marchante de arte y editor franco-alemán Siegfried Bing desempeñó un papel clave en la difusión del estilo. En 1891 fundó una revista dedicada al arte de Japón, que ayudó a dar a conocer el japonismo en Europa. En 1892, organizó una exposición de siete artistas, entre ellos Pierre Bonnard , Félix Vallotton , Édouard Vuillard , Toulouse-Lautrec y Eugène Grasset , que incluía tanto pintura moderna como obras decorativas. Esta exposición se mostró en la Société nationale des beaux-arts en 1895. Ese mismo año, Bing abrió una nueva galería en el número 22 de la rue de Provence en París, la Maison de l'Art Nouveau , dedicada a nuevas obras tanto del arte fino como del arte. Artes Decorativas. El interior y el mobiliario de la galería fueron diseñados por el arquitecto belga Henry van de Velde , uno de los pioneros de la arquitectura Art Nouveau. La Maison de l'Art Nouveau exhibía pinturas de Georges Seurat , Paul Signac y Toulouse-Lautrec , vidrio de Louis Comfort Tiffany y Émile Gallé , joyas de René Lalique y carteles de Aubrey Beardsley . Las obras allí expuestas no tenían ningún estilo uniforme. Bing escribió en 1902: "El Art Nouveau, en el momento de su creación, no aspiraba en modo alguno a tener el honor de convertirse en un término genérico. Era simplemente el nombre de una casa abierta como punto de reunión para todos los jóvenes y artistas ardientes impacientes por mostrar la modernidad de sus tendencias." [43]

El estilo rápidamente se hizo notar en la vecina Francia. Después de visitar el Hôtel Tassel de Horta, Hector Guimard construyó el Castel Béranger , uno de los primeros edificios parisinos del nuevo estilo, entre 1895 y 1898. [nb 1] Los parisinos se quejaban de la monotonía de la arquitectura de los bulevares construidos bajo Napoleón III por Georges-Eugène Haussmann . El Castel Beranger era una curiosa mezcla de neogótico y art nouveau, con líneas curvas de latigazo y formas naturales. Guimard, experto publicista de su obra, declaró: "Lo que hay que evitar a toda costa es... el paralelo y la simetría. La naturaleza es la mayor constructora de todas, y la naturaleza no hace nada paralelo ni nada simétrico". [45]

Los parisinos acogieron con agrado el estilo original y pintoresco de Guimard; El Castel Béranger fue elegido como una de las mejores fachadas nuevas de París, lanzando la carrera de Guimard. Guimard recibió el encargo de diseñar las entradas para el nuevo sistema de Metro de París , lo que llamó la atención sobre el estilo de los millones de visitantes de la Exposición Universal de 1900 de la ciudad . [10]

Exposición Universal de París (1900)

La Exposición Universal de París de 1900 marcó el punto culminante del Art Nouveau. Entre abril y noviembre de 1900, atrajo a casi cincuenta millones de visitantes de todo el mundo y mostró la arquitectura, el diseño, la cristalería, el mobiliario y los objetos decorativos del estilo. La arquitectura de la Exposición era a menudo una mezcla de arquitectura Art Nouveau y Beaux-Arts : la sala de exposiciones principal, el Grand Palais , tenía una fachada Beaux-Arts completamente ajena a la espectacular escalera Art Nouveau y la sala de exposiciones del interior.

Todos los diseñadores franceses realizaron trabajos especiales para la exposición: cristal y joyería Lalique ; joyas de Henri Vever y Georges Fouquet ; vidrio Daum ; la Manufactura Nacional de Sèvres en porcelana ; cerámica de Alexandre Bigot ; lámparas y jarrones de vidrio esculpidos de Émile Gallé ; muebles de Édouard Colonna y Louis Majorelle ; y muchas otras destacadas empresas de arte y artesanía. En la Exposición de París de 1900, Siegfried Bing presentó un pabellón llamado Art Nouveau Bing , que presentaba seis interiores diferentes enteramente decorados al estilo. [46] [47]

La Exposición fue el primer escaparate internacional para diseñadores y artistas de Art Nouveau de toda Europa y más allá. Entre los ganadores y participantes del premio se encontraban Alphonse Mucha , que realizó murales para el pabellón de Bosnia-Herzegovina y diseñó el menú para el restaurante del pabellón; los decoradores y diseñadores Bruno Paul y Bruno Möhring de Berlín; Carlo Bugatti de Turín ; Bernhardt Pankok de Baviera ; El arquitecto y diseñador ruso Fyodor Schechtel , y Louis Comfort Tiffany and Company, de Estados Unidos. [48] ​​El arquitecto vienés Otto Wagner formó parte del jurado y presentó un modelo del baño modernista de su apartamento en Viena, con bañera de cristal. [49] Josef Hoffmann diseñó la exposición vienesa en la exposición de París, destacando los diseños de la Secesión de Viena . [50] Eliel Saarinen obtuvo por primera vez reconocimiento internacional por su imaginativo diseño del pabellón de Finlandia. [51]

Si bien la Exposición de París fue, con diferencia, la más grande, otras exposiciones contribuyeron mucho a popularizar el estilo. La Exposición Universal de Barcelona de 1888 marcó el inicio del estilo Modernismo en España, con algunos edificios de Lluís Domènech i Montaner . La Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna de 1902 en Turín, Italia, exhibió diseñadores de toda Europa, incluidos Victor Horta de Bélgica y Joseph Maria Olbrich de Viena, junto con artistas locales como Carlo Bugatti , Galileo Chini y Eugenio Quarti . [52]

Variaciones locales

Art Nouveau en Francia

Después de la Exposición de 1900, la capital del Art Nouveau fue París. Las residencias más extravagantes de este estilo fueron construidas por Jules Lavirotte , quien cubrió enteramente las fachadas con decoración escultórica cerámica. El ejemplo más llamativo es el edificio Lavirotte , en el número 29 de la avenida Rapp (1901). Los edificios de oficinas y los grandes almacenes presentaban patios altos cubiertos con cúpulas de vidrieras y decoración de cerámica. El estilo era particularmente popular en restaurantes y cafés, incluidos Maxim's en el número 3 de la rue Royale y Le Train bleu en la Gare de Lyon (1900). [53]

El estatus de París atrajo a artistas extranjeros a la ciudad. El artista nacido en Suiza Eugène Grasset fue uno de los primeros creadores de carteles franceses del Art Nouveau. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat Noir en 1885, hizo sus primeros carteles para las Fêtes de Paris y un célebre cartel de Sarah Bernhardt en 1890. En París, enseñó en la escuela de arte Guérin ( École normale d'enseignement du dessin ), donde entre sus alumnos se encontraban Augusto Giacometti y Paul Berthon . [54] [55] Théophile-Alexandre Steinlen, nacido en Suiza, creó el famoso cartel para el cabaret parisino Le Chat noir en 1896. El artista checo Alphonse Mucha (1860-1939) llegó a París en 1888 y, en 1895, hizo un cartel. para la actriz Sarah Bernhardt en la obra Gismonda de Victorien Sardou en el Théâtre de la Renaissance . El éxito de este cartel le llevó a conseguir un contrato para producir carteles para seis obras más de Bernhardt.

La ciudad de Nancy en Lorena se convirtió en la otra capital francesa del nuevo estilo. En 1901 se fundó la Alliance provinciale des industries d'art , también conocida como École de Nancy , dedicada a trastocar la jerarquía que anteponía la pintura y la escultura a las artes decorativas. Entre los principales artistas que trabajaron allí se encontraban los creadores de jarrones y lámparas de vidrio Émile Gallé , los hermanos Daum en el diseño de vidrio y el diseñador Louis Majorelle , que creó muebles con elegantes formas florales y vegetales. El arquitecto Henri Sauvage llevó el nuevo estilo arquitectónico a Nancy con su Villa Majorelle en 1902.

El estilo francés fue ampliamente propagado por nuevas revistas, incluidas The Studio , Arts et Idées y Art et Décoration , cuyas fotografías y litografías en color dieron a conocer el estilo a diseñadores y clientes adinerados de todo el mundo.

En Francia, el estilo alcanzó su apogeo en 1900, y posteriormente pasó rápidamente de moda, prácticamente desapareciendo de Francia en 1905. El Art Nouveau era un estilo de lujo, que requería artesanos expertos y bien pagados, y no podía distribuirse en masa de manera fácil ni económica. -producido. Uno de los pocos productos Art Nouveau que se podía producir en masa era el frasco de perfume, y todavía se fabrican con este estilo en la actualidad.

Art Nouveau en Bélgica

Bélgica fue uno de los primeros centros del Art Nouveau, gracias en gran parte a la arquitectura de Victor Horta , quien diseñó una de las primeras casas Art Nouveau, el Hôtel Tassel en 1893, y otras tres casas adosadas con variaciones del mismo estilo. Ahora son sitios del Patrimonio Mundial de la UNESCO . Horta tuvo una fuerte influencia en la obra del joven Héctor Guimard , que vino a ver el Hôtel Tassel en construcción, y más tarde declaró que Horta fue el "inventor" del Art Nouveau. [56] La innovación de Horta no fue la fachada, sino el interior, utilizando abundante hierro y vidrio para abrir el espacio e inundar de luz las habitaciones, y decorándolas con columnas de hierro forjado y barandillas de formas vegetales curvas, que se hicieron eco en los suelos y paredes, así como los muebles y alfombras que diseñó Horta. [57]

Paul Hankar fue otro pionero del Art Nouveau de Bruselas. Su casa se completó en 1893, el mismo año que el Hôtel Tassel de Horta, y presentaba murales con esgrafiados en la fachada. Hankar fue influenciado tanto por Viollet-le-Duc como por las ideas del movimiento inglés Arts and Crafts . La idea de su concepción fue reunir las artes decorativas y las bellas artes en un todo coherente. Encargó al escultor Alfred Crick y al pintor Adolphe Crespin  [fr] que decoraran las fachadas de las casas con sus obras. El ejemplo más llamativo fue la casa y el estudio construidos para el artista Albert Ciamberlani en el número 48 de la rue Defacqz / Defacqzstraat en Bruselas, para la que creó una fachada exuberante cubierta con murales esgrafiados con figuras pintadas y adornos, recreando la arquitectura decorativa del Quattrocento . o la Italia del siglo XV. [30] Hankar murió en 1901, cuando su trabajo apenas estaba recibiendo reconocimiento. [58]

Gustave Strauven comenzó su carrera como asistente de diseño trabajando con Horta, antes de comenzar su propia práctica a los 21 años, realizando algunos de los edificios Art Nouveau más extravagantes de Bruselas. Su obra más famosa es la Casa Saint-Cyr en el número 11 de la plaza Ambiorix / Ambiorixsquare . La casa tiene sólo 4 metros (13 pies) de ancho, pero sus elaborados inventos arquitectónicos le dan una altura extraordinaria. Está íntegramente revestido por ladrillos policromados y un entramado de formas vegetales rizadas en hierro forjado , de estilo prácticamente Art Nouveau-Barroco. [59]

Otros artistas importantes del Art Nouveau de Bélgica incluyeron al arquitecto y diseñador Henry van de Velde , aunque la parte más importante de su carrera la pasó en Alemania; Influyó fuertemente en la decoración del Jugendstil . Otros incluyeron al decorador Gustave Serrurier-Bovy y al artista gráfico Fernand Khnopff . [5] [60] [61] Los diseñadores belgas aprovecharon una abundante oferta de marfil importado del Congo belga ; Eran populares las esculturas mixtas, que combinaban piedra, metal y marfil, de artistas como Philippe Wolfers . [62]

Nieuwe Kunst en los Países Bajos

En los Países Bajos, el estilo se conocía como Nieuwe Stijl ('Nuevo estilo') o Nieuwe Kunst ('Arte nuevo'), y tomó una dirección diferente al estilo más floral y curvo de Bélgica. Fue influenciado por las formas más geométricas y estilizadas del Jugendstil alemán y la Secesión austriaca de Viena . [62] También fue influenciado por el arte y las maderas importadas de Indonesia , luego de las Indias Orientales Holandesas , particularmente los diseños de los textiles y el batik de Java .

El arquitecto y diseñador de muebles más importante del estilo fue Hendrik Petrus Berlage , quien denunció los estilos históricos y abogó por una arquitectura puramente funcional. Escribió: "Es necesario luchar contra el arte de la ilusión, reconocer y reconocer la mentira, para encontrar la esencia y no la ilusión". [63] Al igual que Victor Horta y Gaudí , era un admirador de las teorías arquitectónicas de Viollet-le-Duc . [63] Sus muebles fueron diseñados para ser estrictamente funcionales y respetar las formas naturales de la madera, en lugar de doblarla o torcerla como si fuera metal. Puso el ejemplo de los muebles egipcios y prefería las sillas con ángulos rectos. Su primera y más famosa obra arquitectónica fue la Beurs van Berlage (1896-1903), la Bolsa de Productos Básicos de Ámsterdam, que construyó siguiendo los principios del constructivismo . Todo era funcional, incluidas las líneas de remaches que decoraban las paredes de la sala principal. A menudo incluía torres muy altas en sus edificios para hacerlos más prominentes, una práctica utilizada por otros arquitectos Art Nouveau de la época, incluidos Joseph Maria Olbrich en Viena y Eliel Saarinen en Finlandia. [64]

Otros edificios de este estilo incluyen el American Hotel (1898-1900), también de Berlage; y Astoria (1904-1905) de Herman Hendrik Baanders y Gerrit van Arkel en Ámsterdam ; la estación de tren de Haarlem (1906-1908) y el antiguo edificio de oficinas de Holland America Lines (1917) en Rotterdam , ahora el Hotel New York .

Entre los artistas gráficos e ilustradores destacados del estilo se encontraba Jan Toorop , cuyo trabajo se inclinaba hacia el misticismo y el simbolismo , incluso en sus carteles de aceite para ensalada. En sus colores y diseños, también mostraban en ocasiones la influencia del arte de Java. [64]

Entre las figuras importantes de la cerámica y porcelana holandesas se encuentran Jurriaan Kok y Theo Colenbrander . Utilizaron estampados florales coloridos y motivos Art Nouveau más tradicionales, combinados con formas inusuales de cerámica y colores claros y oscuros contrastantes, tomados de la decoración batik de Java. [sesenta y cinco]

Estilo moderno y escuela de Glasgow en Gran Bretaña

El Art Nouveau tuvo sus raíces en Gran Bretaña, en el movimiento Arts and Crafts que comenzó en la década de 1860 y alcanzó reconocimiento internacional en la década de 1880. Pidió un mejor tratamiento de las artes decorativas y se inspiró en la artesanía y el diseño medievales y en la naturaleza. [68] Un ejemplo temprano notable del estilo moderno es el diseño de Arthur Mackmurdo para la portada de su ensayo sobre las iglesias de la ciudad de Sir Christopher Wren , publicado en 1883, al igual que su silla de caoba del mismo año. [69]

Otros innovadores importantes en Gran Bretaña fueron los diseñadores gráficos Aubrey Beardsley , cuyos dibujos presentaban líneas curvas que se convirtieron en la característica más reconocible del estilo. También se podría aducir el hierro forjado de la década de 1880, o algunos diseños textiles florales planos, la mayoría de los cuales debían cierto impulso a los patrones de diseño del siglo XIX. Otros artistas gráficos británicos que tuvieron un lugar importante en el estilo fueron Walter Crane y Charles Ashbee . [70]

Los grandes almacenes Liberty en Londres jugaron un papel importante, a través de sus coloridos diseños florales estilizados para textiles y los diseños de plata, peltre y joyería de Manxman (de ascendencia escocesa) Archibald Knox . Sus diseños de joyería en materiales y formas rompieron por completo con las tradiciones históricas del diseño de joyas.

Para la arquitectura y el diseño de muebles Art Nouveau, el centro más importante de Gran Bretaña fue Glasgow , con las creaciones de Charles Rennie Mackintosh y la Escuela de Glasgow , cuyo trabajo se inspiró en la arquitectura señorial escocesa y el diseño japonés. [71] A partir de 1895, Mackintosh exhibió sus diseños en exposiciones internacionales en Londres, Viena y Turín; sus diseños influyeron particularmente en el estilo de secesión de Viena. Sus creaciones arquitectónicas incluyeron el edificio Glasgow Herald (1894) y la biblioteca de la Escuela de Arte de Glasgow (1897). También se ganó una gran reputación como diseñador y decorador de muebles, trabajando en estrecha colaboración con su esposa, Margaret Macdonald Mackintosh , una destacada pintora y diseñadora. Juntos crearon diseños llamativos que combinaban líneas rectas geométricas con decoración floral suavemente curvada, en particular un símbolo famoso del estilo, la Rosa de Glasgow". [72]

Léon-Victor Solon , hizo una importante contribución a la cerámica Art Nouveau como director de arte en Mintons. Se especializó en placas y jarrones revestidos de tubos comercializados como "artículos secesionistas" (generalmente descritos con el nombre del movimiento artístico vienés ). [73] Además de la cerámica, diseñó textiles para la industria de la seda Leek [74] y dobles para un encuadernador (GTBagguley de Newcastle-under-Lyme), que patentó la encuadernación Sutherland en 1895.

George Skipper fue quizás el arquitecto Art Nouveau más activo de Inglaterra. El edificio Edward Everard en Bristol, construido entre 1900 y 1901 para albergar la imprenta de Edward Everard , presenta una fachada Art Nouveau. Las figuras representadas son de Johannes Gutenberg y William Morris , ambos eminentes en el campo de la imprenta. Una figura alada simboliza el "Espíritu de la Luz", mientras que una figura que sostiene una lámpara y un espejo simboliza la luz y la verdad.

Jugendstil en Alemania

El Art Nouveau alemán es comúnmente conocido por su nombre alemán, Jugendstil o "estilo juvenil". El nombre proviene de la revista artística Jugend ("Juventud"), que se publicó en Munich. La revista fue fundada en 1896 por Georg Hirth , quien permaneció como editor hasta su muerte en 1916. La revista sobrevivió hasta 1940. A principios del siglo XX, el Jugendstil se aplicó únicamente a las artes gráficas. [75] Se refería especialmente a las formas de tipografía y diseño gráfico que se encuentran en revistas alemanas como Jugend , Pan y Simplicissimus . Posteriormente, el Jugendstil se aplicó a otras versiones del Art Nouveau en Alemania y los Países Bajos. El término fue tomado del alemán por varios idiomas de los estados bálticos y países nórdicos para describir el Art Nouveau (consulte la sección Denominación). [12] [76]

En 1892 , Georg Hirth eligió el nombre de Secesión de Múnich para la Asociación de Artistas Visuales de Múnich . La Secesión de Viena , fundada en 1897, [77] y la Secesión de Berlín también tomaron sus nombres del grupo de Munich.

Las revistas Jugend y Simplicissimus , publicadas en Múnich, y Pan , publicada en Berlín, fueron importantes defensores del Jugendstil . El arte Jugendstil combinaba curvas sinuosas y líneas más geométricas, y se utilizó para portadas de novelas, anuncios y carteles de exposiciones . Los diseñadores a menudo creaban estilos originales de tipografía que funcionaban armoniosamente con la imagen, por ejemplo, la tipografía Arnold Böcklin en 1904.

Otto Eckmann fue uno de los artistas alemanes más destacados asociados tanto con Die Jugend como con Pan . Su animal favorito era el cisne, y su influencia fue tan grande que el cisne llegó a servir como símbolo de todo el movimiento. Otro diseñador destacado en este estilo fue Richard Riemerschmid , quien fabricó muebles, cerámica y otros objetos decorativos en un estilo sobrio y geométrico que apuntaba hacia el Art Déco. [78] El artista suizo Hermann Obrist , que vive en Munich, ilustró el motivo del coup de fouet o latigazo cervical, una doble curva muy estilizada que sugiere un movimiento tomado del tallo de la flor de ciclamen .

La Colonia de Artistas de Darmstadt fue fundada en 1899 por Ernest Ludwig, gran duque de Hesse . El arquitecto que construyó la casa del Gran Duque, así como la estructura más grande de la colonia (la torre nupcial), fue Joseph Maria Olbrich , uno de los fundadores de la Secesión de Viena . Otros artistas notables de la colonia fueron Peter Behrens y Hans Christiansen . Ernest Ludwig también encargó a principios de siglo la reconstrucción del complejo balneario de Bad Nauheim . En 1905-1911 se construyó un complejo Sprudelhof  [ de ] completamente nuevo bajo la dirección de Wilhelm Jost  [ de ] y logró uno de los principales objetivos del Jugendstil: una síntesis de todas las artes. [79] Otro miembro de la familia reinante que encargó una estructura Art Nouveau fue la princesa Isabel de Hesse y del Rin . Fundó el Convento Marfo-Mariinsky en Moscú en 1908 y su katholikon es reconocido como una obra maestra del Art Nouveau. [80]

Otra unión notable en el Imperio alemán fue la Deutscher Werkbund , fundada en 1907 en Munich por instigación de Hermann Muthesius por los artistas de la colonia de Darmstadt Joseph Maria Olbrich , Peter Behrens ; por otro fundador de la Secesión de Viena , Josef Hoffmann , así como por Wiener Werkstätte (fundada por Hoffmann), por Richard Riemerschmid , Bruno Paul y otros artistas y compañías. [81] Posteriormente el belga Henry van de Velde se unió al movimiento [nb 2] . La Escuela Gran Ducal de Artes y Oficios  [Delaware] , fundada por él en Weimar , fue antecesora de la Bauhaus , una de las corrientes más influyentes de la arquitectura modernista . [83]

En Berlín se optó por el Jugendstil para la construcción de varias estaciones de ferrocarril. La más notable [84] es Bülowstraße de Bruno Möhring (1900-1902), otros ejemplos son Mexikoplatz (1902-1904), Botanischer Garten (1908-1909), Frohnau (1908-1910), Wittenbergplatz (1911-1913) y Pankow . (1912-1914) estaciones. Otra estructura notable de Berlín es Hackesche Höfe (1906), que utilizó ladrillo vidriado policromado para la fachada del patio.

El Art Nouveau en Estrasburgo (entonces parte del Imperio alemán como capital del Reichsland Elsaß-Lothringen ) era una marca específica, en el sentido de que combinaba influencias de Nancy y Bruselas , con influencias de Darmstadt y Viena , para operar una síntesis local que reflejaba la historia de la ciudad entre los reinos germánico y francés.

Secesión en Austria-Hungría

Secesión de Viena

Viena se convirtió en el centro de una variante distinta del Art Nouveau, que llegó a ser conocida como la Secesión de Viena . El movimiento tomó su nombre de la Secesión de Múnich establecida en 1892. La Secesión de Viena fue fundada en abril de 1897 por un grupo de artistas que incluía a Gustav Klimt , Koloman Moser , Josef Hoffmann , Joseph Maria Olbrich , Max Kurzweil , Ernst Stöhr y otros. [77] El pintor Klimt se convirtió en el presidente del grupo. Se opusieron a la orientación conservadora hacia el historicismo expresada por la Künstlerhaus de Viena , el sindicato oficial de artistas. La Secesión fundó una revista, Ver Sacrum , para promocionar sus obras en todos los medios. [85] El arquitecto Joseph Olbrich diseñó el edificio abovedado de la Secesión con el nuevo estilo, que se convirtió en un escaparate de las pinturas de Gustav Klimt y otros artistas de la Secesión.

Klimt se convirtió en el más conocido de los pintores de la Secesión, borrando a menudo la frontera entre la pintura artística y la pintura decorativa. Koloman Moser fue un artista extremadamente versátil en este estilo; su trabajo incluye ilustraciones de revistas, arquitectura, platería, cerámica, porcelana, textiles, vidrieras y muebles.

El arquitecto más destacado de la Secesión de Viena fue Otto Wagner , [86] se unió al movimiento poco después de su inicio para seguir a sus alumnos Hoffmann y Olbrich. Sus principales proyectos incluyeron varias estaciones de la red ferroviaria urbana (la Stadtbahn ), los edificios Linke Wienzeile (que consisten en la Casa de Mayólica, la Casa de los Medallones y la casa en Köstlergasse). La estación Karlsplatz es ahora una sala de exposiciones del Museo de Viena . La Kirche am Steinhof del hospital psiquiátrico Steinhof (1904-1907) es un ejemplo único y finamente elaborado de la arquitectura religiosa de la Secesión, con un exterior abovedado tradicional pero un interior elegante y moderno en oro y blanco iluminado por una gran cantidad de vidrieras modernas.

En 1899 Joseph Maria Olbrich se mudó a la Colonia de Artistas de Darmstadt , en 1903 Koloman Moser y Josef Hoffmann fundaron la Wiener Werkstätte , una escuela de formación y taller para diseñadores y artesanos de muebles, alfombras, textiles y objetos decorativos. [87] En 1905 Koloman Moser y Gustav Klimt se separaron de la Secesión de Viena, más tarde, en 1907, Koloman Moser también abandonó Wiener Werkstätte , mientras que su otro fundador, Josef Hoffmann, se unió al Deutscher Werkbund . [81] Gustav Klimt y Josef Hoffmann continuaron colaborando, organizaron la Exposición Kunstschau  [de] en 1908 en Viena y construyeron el Palacio Stoclet en Bruselas (1905-1911) que anunció la llegada de la arquitectura modernista . [88] [89] Fue designado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en junio de 2009. [90]

Szecesszió húngaro

El pionero y profeta de la Szecesszió ('Secesión' en húngaro), el arquitecto Ödön Lechner , creó edificios que marcaron una transición del historicismo al modernismo en la arquitectura húngara. [91] Su idea para un estilo arquitectónico húngaro era el uso de cerámica arquitectónica y motivos orientales. En sus obras utilizó pygorganita puesta en producción en 1886 por la Manufactura de Porcelana de Zsolnay . [91] Este material se utilizó en la construcción de notables edificios húngaros de otros estilos, por ejemplo, el edificio del Parlamento húngaro y la iglesia de Matías .

Las obras de Ödön Lechner [92] incluyen el Museo de Artes Aplicadas (1893–1896), otros edificios con características distintivas similares son el Museo Geológico (1896–1899) y el edificio de la Caja de Ahorros Postal (1899–1902), todos en Budapest . Sin embargo, debido a la oposición del establishment arquitectónico húngaro al éxito de Lechner, pronto no pudo conseguir nuevos encargos comparables a sus edificios anteriores. [91] Pero Lechner fue una inspiración y un maestro para la siguiente generación de arquitectos que desempeñaron el papel principal en la popularización del nuevo estilo. [91] Dentro del proceso de magiarización , se encargaron numerosos edificios a sus discípulos en las afueras del reino: por ejemplo, Marcell Komor  [hu] y Dezső Jakab recibieron el encargo de construir la sinagoga (1901-1903) y el ayuntamiento (1908-1910) en Szabadka (ahora Subotica , Serbia ), Prefectura del condado (1905-1907) y Palacio de la Cultura (1911-1913) en Marosvásárhely (ahora Târgu Mureș , Rumania ). Posteriormente, el propio Lechner construyó la Iglesia Azul en Pozsony (actual Bratislava , Eslovaquia ) en 1909-1913.

Otro arquitecto importante fue Károly Kós , seguidor de John Ruskin y William Morris . Kós tomó el movimiento del romanticismo nacional finlandés como modelo y la lengua vernácula de Transilvania como inspiración. [93] Sus edificios más notables incluyen la Iglesia Católica Romana en Zebegény (1908–09), los pabellones del Zoológico Municipal de Budapest (1909–1912) y el Museo Nacional Székely en Sepsiszentgyörgy (ahora Sfântu Gheorghe , Rumania, 1911–12).

El movimiento que impulsó Szecesszió en las artes fue Gödöllő Art Colony, fundada por Aladár Körösfői-Kriesch , también seguidor de John Ruskin y William Morris y profesor de la Real Escuela de Artes Aplicadas de Budapest en 1901. [94] Sus artistas participaron en numerosos proyectos, incluida la Academia de Música Franz Liszt de Budapest. [95]

Asociado de Gödöllő Art Colony, [96] Miksa Róth también participó en varias docenas de proyectos de Szecesszió, incluidos edificios de Budapest, incluido el Palacio Gresham (vidrieras, 1906) y Török Bank  [fr] (mosaicos, 1906) y también creó mosaicos y vidrieras. Vidrio para el Palacio de la Cultura (1911-1913) en Marosvásárhely.

Un diseñador de muebles notable es Ödön Faragó  [hu] quien combinó la arquitectura popular tradicional, la arquitectura oriental y el Art Nouveau internacional en un estilo muy pintoresco. Pál Horti  [hu] , otro diseñador húngaro, tenía un estilo mucho más sobrio y funcional, realizado en roble con delicadas tracerías de ébano y latón.

Secesión en Bohemia, Moravia y Eslovaquia

Los edificios de la Secesión más notables de Praga son ejemplos de arte total con arquitectura, escultura y pintura distintivas. [97] La ​​estación principal de trenes (1901-1909) fue diseñada por Josef Fanta y presenta pinturas de Václav Jansa y esculturas de Ladislav Šaloun y Stanislav Sucharda junto con otros artistas. La Casa Municipal (1904-1912) fue diseñada por Osvald Polívka y Antonín Balšánek, pintada por el famoso pintor checo Alphonse Mucha y presenta esculturas de Josef Mařatka y Ladislav Šaloun . Polívka, Mařatka y Šaloun cooperaron simultáneamente en la construcción del Nuevo Ayuntamiento (1908-1911) junto con Stanislav Sucharda , y Mucha pintó más tarde las vidrieras de la Catedral de San Vito con su estilo distintivo.

El arquitecto checo más importante de este período fue Jan Kotěra , que estudió en Viena con Otto Wagner. Sus obras más conocidas son la Casa Peterka en el número 12 de la Plaza de Wenceslao en Praga (1899-1900), la Casa Nacional en Prostějov (1905-1907) y el Museo de Bohemia Oriental en Hradec Králové (1909-1912). Muchos arquitectos vieneses importantes nacieron en Moravia o Silesia austríaca , como Josef Hoffmann , Hubert Gessner, Joseph Maria Olbrich y Leopold Bauer .

El estilo de combinar la Szecesszió húngara con elementos arquitectónicos nacionales era típico del arquitecto eslovaco Dušan Jurkovič . Sus obras más originales son la Casa de la Cultura en Szakolca (ahora Skalica en Eslovaquia , 1905), los edificios del balneario en Luhačovice (ahora República Checa) en 1901-1903 y 35 cementerios de guerra cerca de Nowy Żmigród en Galicia (ahora Polonia), la mayoría de ellos fuertemente influenciados por el arte popular y la carpintería local Lemko ( Rusyn ) (1915-1917).

Secesión en Galicia

Los centros más importantes de la Secesión en Galicia fueron Cracovia , Lviv y Bielsko-Biała . El ejemplo más importante de este estilo en Cracovia es el Palacio de Arte (1898-1901), diseñado por Franciszek Mączyński bajo la influencia de la Sala de la Secesión de Viena. Otras obras importantes que Mączyński diseñó en Cracovia junto con Tadeusz Stryjeński: la Casa bajo el globo (1904-1905) y el Teatro antiguo (1903-1906). Los diseñadores de interiores más importantes fueron Stanisław Wyspiański y Józef Mehoffer , quienes diseñaron muchas vidrieras e interiores de edificios. Las obras más importantes del primero son las vidrieras de la Iglesia Franciscana y de la Casa de la Sociedad Médica de Cracovia (1905) y del segundo en el interior de la Casa Bajo el Globo.

En Lviv, el arquitecto más importante fue Władysław Sadłowski , que estudió en Viena y recibió la influencia de Otto Wagner . Diseñó la estación de tren de Lviv (1899-1904), la Filarmónica de Lviv (1905-1908) y la Escuela Industrial (1907-1908). Otro arquitecto importante, también inspirado en Wagner, fue Ivan Levynskyi .

Uno de los edificios más famosos de Bielsko-Biała es la llamada Casa de la Rana de Emanuel Rost (1903). Otros ejemplos importantes de la Secesión fueron diseñados por los arquitectos vienesses: Max Fabiani , autor de la casa de la calle Barlickiego, número 1 (1900), así como Leopold Bauer , que diseñó la casa de la calle Stojałowskiego, número 51 (1903) y la reconstrucción de San Nicolás. ' Catedral (1909-10).

Secesión en Eslovenia, Bosnia, Croacia y Trieste

El arquitecto más prolífico de la secesión eslovena fue Ciril Metod Koch . [98] Estudió en las clases de Otto Wagner en Viena y trabajó en el Ayuntamiento de Laybach (ahora Liubliana , Eslovenia ) de 1894 a 1923. Después del terremoto de Laybach en 1895, diseñó muchos edificios seculares en el estilo de la Secesión que adoptó. de 1900 a 1910: [98] Casa Pogačnik (1901), edificio Čuden (1901), banco de préstamos para agricultores (1906-07), edificio Hauptmann renovado en estilo secesión en 1904. El punto culminante de su carrera fue el banco de préstamos en Radmannsdorf. (ahora Radovljica ) en 1906. [98]

Otro arquitecto esloveno importante, que también trabajó en Bosnia, fue Josip Vancaš , autor de obras como el Gran Hotel Union (1902-1903) o la Caja de Ahorros de la ciudad de Liubliana (1902-1903), así como la mansión Ješua D. Salom. (1901) y la Oficina Central de Correos de Sarajevo (1907-1913). También nacieron en Eslovenia Jože Plečnik y Max Fabiani , ambos importantes arquitectos de la Secesión de Viena . Este último diseñó algunos edificios en Eslovenia y Trieste, como la Casa Bartoli en Trieste (1906).

En Croacia, los ejemplos más importantes de secesión incluyen la Casa Kallina en Zagreb de Vjekoslav Bastl (1903-1904) y los Archivos Estatales de Croacia en Zagreb de Rudolf Lubinski (1911-1913).

Art Nouveau en Rumania

El Art Nouveau aparece en Rumania durante los mismos años que en Europa occidental (principios de la década de 1890 hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914), pero aquí son pocos los edificios de este estilo, siendo predominante el Beaux Arts . El más famoso de ellos es el Casino Constanța . La mayoría de los ejemplos rumanos de arquitectura Art Nouveau son en realidad mezclas de Beaux Arts y Art Nouveau, como la Casa Romulus Porescu o la casa núm. 61 en Strada Vasile Lascăr, ambas en Bucarest. [102] Esto se debe a que el estilo era algo ilegal en la arquitectura rumana, debido a que era popular en Transilvania , parte del Imperio austrohúngaro en ese momento, donde los rumanos fueron reprimidos y discriminados, a pesar de ser la mayoría de la población. Entonces, las personas que querían una casa Art Nouveau en los años 1900 y principios de los 1910 solo podían poner algunos adornos sutiles que recordaran el estilo, mientras que el resto era completamente Bellas Artes o, en algunos casos raros, Renacimiento rumano . Un ejemplo de esto es la Casa Fanny e Isac Popper en Bucarest (Strada Sfinților no. 1), 1914, de Alfred Popper, que es principalmente de estilo académico Beaux Arts, pero tiene algunos relieves Art Nouveau de mujeres bailando y tocando instrumentos musicales. en las bases de las dos pilastras y flores sobre la puerta de arco. Una característica frecuente que recuerda el estilo son las ventanas en arco que tienen elementos de madera curvos. Sin embargo, esta característica de la ventana puede no ser necesariamente Art Nouveau, ya que la arquitectura Beaux Arts y Rococó Revival tiende a utilizar líneas curvas y sinuosas, especialmente durante las décadas de 1890, 1900 y 1910.

Uno de los pintores del Art Nouveau más notables de Rumania fue Ștefan Luchian , quien rápidamente se hizo cargo de las direcciones innovadoras y decorativas del Art Nouveau durante un corto período de tiempo. El momento se sincronizó con la fundación de la Sociedad Ileana en 1897, de la que fue miembro fundador, empresa que organizó una exposición (1898) en el Hotel Union titulada La Exposición de Artistas Independientes y publicó una revista, la Revista Ileana. [103]

Transilvania tiene ejemplos de edificios de estilo Art Nouveau y Renacimiento rumano, siendo el primero de la época austrohúngara. La mayoría de ellos se pueden encontrar en Oradea , apodada la "capital modernista de Rumania", [104] pero también en Timișoara , Târgu Mureș y Sibiu . [105] [106] [107]

Estilo libertad en Italia

El Art Nouveau en Italia era conocido como arte nuova , stile floreale , stile moderno y especialmente stile Liberty . El estilo Liberty tomó su nombre de Arthur Lasenby Liberty y de la tienda que fundó en 1874 en Londres, los grandes almacenes Liberty , que se especializaban en importar adornos, textiles y objetos de arte de Japón y el Lejano Oriente, y cuyos coloridos textiles eran particularmente populares en Italia. . Los diseñadores italianos notables en el estilo incluyeron a Galileo Chini , cuyas cerámicas a menudo se inspiraron en patrones de mayólica . Más tarde fue conocido como pintor y escenógrafo teatral; diseñó los decorados de dos célebres óperas de Puccini, Gianni Schicchi y Turandot . [108] [109] [12]

La arquitectura de estilo Liberty varió mucho y, a menudo, siguió estilos históricos, particularmente el barroco. Las fachadas a menudo estaban repletas de decoración y escultura. Ejemplos del estilo Liberty incluyen el Villino Florio (1899-1902) de Ernesto Basile en Palermo ; el Palazzo Castiglioni de Milán de Giuseppe Sommaruga (1901-1903); Milán y la Casa Guazzoni (1904–05) en Milán de Giovanni Battista Bossi (1904–06). [110]

Los coloridos frescos, pintados o en cerámica, y las esculturas, tanto en el interior como en el exterior, eran una característica popular del estilo Liberty. Se basaron en temas tanto clásicos como florales. como en los baños de Acque della Salute y en la Casa Guazzoni de Milán.

La figura más importante del diseño de estilo Liberty fue Carlo Bugatti , hijo de un arquitecto y decorador, padre de Rembrandt Bugatti , escultor Liberty, y de Ettore Bugatti , famoso diseñador de automóviles. Estudió en la Academia milanesa de Brera , y más tarde en la Académie des Beaux-Arts de París. Su trabajo se distinguió por su exotismo y excentricidad, incluyó platería, textiles, cerámica e instrumentos musicales, pero es mejor recordado por sus innovadores diseños de muebles, mostrados por primera vez en la Feria de Bellas Artes de Milán de 1888. Sus muebles a menudo presentaban un diseño de ojo de cerradura y tenían revestimientos inusuales, como pergamino y seda, e incrustaciones de hueso y marfil. En ocasiones también presentaba formas orgánicas sorprendentes, copiadas de caracoles y cobras. [111]

Art Nouveau y secesión en Serbia

Debido a la proximidad con Austria-Hungría y Voivodina como parte del imperio hasta 1918, tanto la Secesión de Viena como la Szecesszió húngara fueron movimientos predominantes en lo que hoy es el norte de Serbia, así como en la capital de Belgrado . [112] Famosos arquitectos austriacos y húngaros diseñarían muchos edificios en Subotica , Novi Sad , Palić , Zrenjanin , Vrbas , Senta y Kikinda . La herencia Art Nouveau en Belgrado , Pančevo , Aranđelovac y Vrnjačka Banja es una mezcla de movimientos franceses, alemanes, austriacos, húngaros y serbios locales. Desde la belleza floral con curvas de la sinagoga de Subotica hasta las rosetas inspiradas en el estilo Morava en el edificio de telégrafos de Belgrado, la arquitectura Art Nouveau toma varias formas en la Serbia actual.

A principios del siglo XX, al norte del Sava y el Danubio, el resurgimiento del sentimiento nacional húngaro infundió a los edificios de Subotica y Senta motivos étnicos florales locales, mientras que en el pequeño Reino de Serbia, románticos nacionales como Branko Tanezević y Dragutin Inkiostiri-Medenjak (ambos nacido en el Imperio Austro-Húngaro), tradujo los motivos tradicionales de Serbia en maravillosos edificios. Otros arquitectos, como Milan Antonović y Nikola Nestorović, llevaron las líneas sinuosas y los motivos naturales entonces de moda a los hogares y negocios de sus mecenas adinerados, para que pudieran mostrar su mundanalidad y mantenerse al día con las tendencias en París, Munich y Viena. [113]

Modernismo y Modernismo en España

Una variante muy original del estilo surgió en Barcelona , ​​Cataluña , aproximadamente al mismo tiempo que apareció el estilo Art Nouveau en Bélgica y Francia. Se llamó Modernismo en catalán y Modernismo en español. Su creador más famoso fue Antoni Gaudí . Gaudí utilizó formas florales y orgánicas de una manera muy novedosa en el Palau Güell (1886-1890). Según la UNESCO, "la arquitectura del parque combinó elementos del movimiento Arts and Crafts, simbolismo, expresionismo y racionalismo, y presagió e influyó en muchas formas y técnicas del modernismo del siglo XX". [115] [116] [117] Integró artesanías como cerámica , vidrieras , forja, forja y carpintería en su arquitectura. En sus Pabellones Güell (1884-1887) y luego en el Parque Güell (1900-1914) también utilizó una nueva técnica llamada trencadís , que utilizaba piezas cerámicas de desecho. Sus diseños de alrededor de 1903, la Casa Batlló (1904-1906) y la Casa Milà (1906-1912), [114] están más estrechamente relacionados con los elementos estilísticos del Art Nouveau. [118] Estructuras posteriores como la Sagrada Familia combinaron elementos del Art Nouveau con el neogótico revivalista . [118] La Casa Batlló , la Casa Milà , los Pabellones Güell y el Parc Güell fueron resultados de su colaboración con Josep Maria Jujol , quien creó casas en Sant Joan Despí (1913-1926), varias iglesias cerca de Tarragona (1918 y 1926) y la sinuosa Casa Planells (1924) en Barcelona .

Además de la presencia dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner también utilizó el Art Nouveau en Barcelona en edificios como el Castell dels Tres Dragons (1888), la Casa Lleó Morera , el Palau de la Música Catalana (1905) y el Hospital de Sant Pau (1901– 1930). [118] Los dos últimos edificios han sido catalogados por la UNESCO como Patrimonio Cultural de la Humanidad . [119]

Otro modernista importante fue Josep Puig i Cadafalch , que diseñó la Casa Martí y su cafetería Els Quatre Gats , la fábrica textil Casimir Casaramona (hoy museo de arte CaixaFòrum ), la Casa Macaya, la Casa Amatller , el Palau del Baró de Quadras (alberga la Casa Asia durante 10 años hasta 2013) y la Casa de les Punxes ('Casa de las Púas').

En la Comunidad Valenciana también hubo un movimiento Art Nouveau distintivo . Algunos de los arquitectos destacados fueron Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor , Timoteo Briet Montaud y José María Manuel Cortina Pérez . Las características definitorias del Modernismo valenciano son un notable uso de la cerámica en la decoración, tanto en la fachada como en la ornamentación, y también el uso de motivos regionales valencianos.

Otra variante destacable es el Art Nouveau madrileño o Modernismo madrileño , con edificios tan notables como el Palacio de Longoria , el Casino de Madrid o el Cementerio de la Almudena , entre otros. Destacados modernistas madrileños fueron los arquitectos José López Sallaberry , Fernando Arbós y Tremanti y Francisco Andrés  Octavio .

El movimiento modernista dejó un amplio legado artístico que incluye dibujos, pinturas, esculturas, trabajos en vidrio y metal, mosaicos, cerámicas y muebles. Una parte del mismo se puede encontrar en el Museu Nacional d'Art de Catalunya .

Inspirándose en un café parisino llamado Le Chat Noir , donde había trabajado anteriormente, Pere Romeu i Borràs  [ca] decidió abrir un café en Barcelona que llevó por nombre Els Quatre Gats (Cuatro Gatos en catalán). [120] El café se convirtió en un punto de encuentro central para las figuras más destacadas del modernismo de Barcelona , ​​como Pablo Picasso y Ramon Casas i Carbó , quienes ayudaron a promover el movimiento con sus carteles y postales. Para el café creó un cuadro llamado Ramon Casas y Pere Romeu en tándem que fue sustituido por otra composición suya titulada Ramon Casas y Pere Romeu en un automóvil en 1901, simbolizando el nuevo siglo.

Antoni Gaudí diseñó muebles para muchas de las casas que construyó; un ejemplo es un sillón llamado Battle House . Influyó en otro notable diseñador de muebles catalán, Gaspar Homar  [ca] (1870-1953), quien a menudo combinaba marquetería y mosaicos con sus muebles. [121]

Arte Nova en Portugal

La variante del Art Nouveau en Aveiro (Portugal) se llamó Arte Nova , y su principal rasgo característico era la ostentación: el estilo era utilizado por la burguesía que quería expresar su riqueza en las fachadas dejando los interiores conservadores. [123] Otra característica distintiva del Arte Nova fue el uso de azulejos de producción local con motivos Art Nouveau. [123]

El artista más influyente del Arte Nova fue Francisco Augusto da Silva Rocha. [123] Aunque no se formó como arquitecto, diseñó muchos edificios en Aveiro y en otras ciudades de Portugal. [124] [123] Uno de ellos, la residencia Major Pessoa, tiene una fachada y un interior Art Nouveau y ahora alberga el Museo de Arte Nova. [123]

Hay otros ejemplos de Arte Nova en otras ciudades de Portugal. [125] [126] Algunos de ellos son el Museo-Residencia Dr. Anastácio Gonçalves de Manuel Joaquim Norte Júnior  [pt] (1904-1905) en Lisboa , Café Majestic de João Queiroz  [pt] (1921) y la librería Livraria Lello de Xavier Esteves  [pt] (1906), ambos en Oporto .

Jugendstil en los países nórdicos

Finlandia

El Art Nouveau fue popular en los países nórdicos , donde habitualmente se lo conocía como Jugendstil , y a menudo se combinaba con el Estilo Romántico Nacional de cada país. El país nórdico con el mayor número de edificios Jugendstil es el Gran Ducado de Finlandia , entonces parte del Imperio Ruso . [127] El período Jugendstil coincidió con la Edad de Oro del arte finlandés y el despertar nacional. Después de la Exposición de París de 1900, el artista finlandés más destacado fue Akseli Gallen-Kallela . [128] Es conocido por sus ilustraciones del Kalevala , la epopeya nacional finlandesa, así como por pintar numerosos edificios Judendstil en el Ducado.

Los arquitectos del pabellón finlandés en la Exposición fueron Herman Gesellius , Armas Lindgren y Eliel Saarinen . Trabajaron juntos desde 1896 hasta 1905 y crearon muchos edificios notables en Helsinki , incluido el edificio de seguros Pohjola (1899-1901) y el Museo Nacional de Finlandia (1905-1910) [129] , así como su residencia conjunta Hvitträsk en Kirkkonummi (1902). Los arquitectos se inspiraron en las leyendas nórdicas y en la naturaleza, por lo que la fachada de granito en bruto se convirtió en un símbolo de pertenencia a la nación finlandesa. [130] Después de que la empresa se disolvió, Saarinen diseñó la estación de tren de Helsinki (1905-1914) con formas más claras, influenciadas por la arquitectura estadounidense. [130] El escultor que trabajó con Saarinen en la construcción del Museo Nacional de Finlandia y la estación de tren de Helsinki fue Emil Wikström .

Otro arquitecto que creó varias obras notables en Finlandia fue Lars Sonck . Sus principales obras Jugendstil incluyen la Catedral de Tampere (1902-1907), Ainola , la casa de Jean Sibelius (1903), la sede de la Asociación Telefónica de Helsinki (1903-1907) y la Iglesia Kallio en Helsinki (1908-1912). Además, Magnus Schjerfbeck , hermano de Helene Schjerfbeck , creó en 1903 un sanatorio para tuberculosos conocido como Sanatorio Nummela utilizando el estilo Jugendstil. [131] [132] [133]

Noruega

Noruega también aspiraba a independizarse (de Suecia) y el Art Nouveau local estaba relacionado con un renacimiento inspirado en el arte y la artesanía populares vikingos . Entre los diseñadores notables se encuentran Lars Kisarvik, que diseñó sillas con patrones tradicionales vikingos y celtas , y Gerhard Munthe , que diseñó una silla con un emblema estilizado de una cabeza de dragón de antiguos barcos vikingos, así como una amplia variedad de carteles, pinturas y gráficos. [134]

La ciudad noruega de Ålesund está considerada como el principal centro del Art Nouveau en Escandinavia porque fue completamente reconstruida después de un incendio el 23 de enero de 1904. [135] Se construyeron alrededor de 350 edificios entre 1904 y 1907 según un plan urbano diseñado por el ingeniero Frederik. Naesser. La fusión de unidad y variedad dio origen a un estilo conocido como Ål Stil. Los edificios de este estilo tienen una decoración lineal y ecos tanto del Jugendstil como de elementos vernáculos, por ejemplo, las torres de las iglesias de madera o los tejados con crestas. [135] Uno de los edificios, Swan Pharmacy, ahora alberga el Centro Art Nouveau .

Suecia y Dinamarca

Las obras maestras del Jugendstil de otros países nórdicos incluyen Engelbrektskyrkan (1914) y el Royal Dramatic Theatre (1901-1908) en Estocolmo , Suecia [136] y la antigua Biblioteca Municipal (ahora Archivo Nacional Danés de Negocios ) en Aarhus , Dinamarca (1898-1901). [137] El arquitecto de este último es Hack Kampmann , entonces defensor del estilo romántico nacional que también creó la Aduana , el Teatro y la Villa Kampen en Aarhus . El diseñador Art Nouveau más notable de Dinamarca fue el platero Georg Jensen . La Exposición del Báltico en Malmö de 1914 puede considerarse la última gran manifestación del Jugendstil en Suecia. [138]

Moderno en Rusia

Модерн ('Moderno') fue una variación rusa muy colorida del Art Nouveau que apareció en Moscú y San Petersburgo en 1898 con la publicación de una nueva revista de arte, Мир искусства ( Mir Iskusstva , 'El mundo del arte'), de artistas rusos. Alexandre Benois y Léon Bakst , y el editor jefe Sergei Diaghilev . La revista organizó exposiciones de destacados artistas rusos, entre ellos Mikhail Vrubel , Konstantin Somov , Isaac Levitan y el ilustrador de libros Ivan Bilibin . El estilo World of Art hizo menos uso de las formas vegetales y florales del Art Nouveau francés; se basó en gran medida en los colores brillantes y los diseños exóticos del folclore y los cuentos de hadas rusos. La contribución más influyente de Mir Iskusstva fue la creación de una nueva compañía de ballet, los Ballets Russes , encabezada por Diaghilev, con vestuario y decorados diseñados por Bakst y Benois. La nueva compañía de ballet se estrenó en París en 1909 y actuó allí todos los años hasta 1913. Los exóticos y coloridos decorados diseñados por Benois y Bakst tuvieron un gran impacto en el arte y el diseño franceses. El vestuario y la escenografía se reprodujeron en las principales revistas parisinas, L'Illustration , La Vie parisienne y Gazette du bon ton , y el estilo ruso pasó a ser conocido en París como à la Bakst . La compañía quedó varada en París primero por el estallido de la Primera Guerra Mundial y luego por la Revolución Rusa en 1917, e irónicamente nunca actuó en Rusia. [139]

De los arquitectos rusos, el más destacado en el puro estilo Art Nouveau fue Fyodor Schechtel . El ejemplo más famoso es la Casa Ryabushinsky en Moscú. Fue construido por un empresario ruso y propietario de un periódico, y luego, después de la Revolución Rusa , se convirtió en la residencia del escritor Maxim Gorky , y ahora es el Museo Gorky . Su escalera principal, realizada con un agregado pulido de hormigón, mármol y granito, tiene líneas fluidas y rizadas como las olas del mar, y está iluminada por una lámpara en forma de medusa flotante. El interior también cuenta con puertas, ventanas y techos decorados con coloridos frescos de mosaico. [140] Schechtel, quien también es considerado una figura importante en el simbolismo ruso , diseñó varios otros edificios emblemáticos en Moscú, incluida la reconstrucción de la estación de tren Yaroslavsky de Moscú , en un estilo renacentista más tradicional de Moscú. [140]

Otros arquitectos rusos de la época crearon la arquitectura del Renacimiento ruso , que se basó en la arquitectura rusa histórica . Estos edificios fueron creados principalmente en madera y hacían referencia a la arquitectura de la Rus de Kiev . Un ejemplo es la Casa Teremok en Talashkino (1901-1902) de Sergey Malyutin , y la Casa Pertsova (también conocida como Casa Pertsov) en Moscú (1905-1907). También fue miembro del movimiento Mir iskusstva . El arquitecto de San Petersburgo Nikolai Vasilyev construyó en una variedad de estilos antes de emigrar en 1923. Este edificio es más notable por las tallas en piedra realizadas por Sergei Vashkov inspiradas en las tallas de la Catedral de San Demetrio en Vladimir y la Catedral de San Jorge en Yuryev-Polsky del Siglos XII y XIII. Otro ejemplo de esta arquitectura del Renacimiento ruso es el Convento Marfo-Mariinsky (1908-1912), una Iglesia Ortodoxa Rusa actualizada por Alexey Shchusev , quien más tarde, irónicamente, diseñó el Mausoleo de Lenin en Moscú.

Varias colonias de arte en Rusia durante este período se construyeron en el estilo del Renacimiento ruso . Las dos colonias más conocidas fueron Abramtsevo , financiada por Savva Mamontov , y Talashkino , gobernación de Smolensk , financiada por la princesa María Tenisheva .

Arquitectura moderna ucraniana

La arquitectura de principios del siglo XX en tierras ucranianas (parte suroeste del Imperio ruso, Galicia oriental , Bucovina y Transcarpatia en Austria-Hungría) se desarrolló bajo la influencia de la arquitectura popular ucraniana , así como de tendencias del Art Nouveau europeo, como el estilo Zakopane . La arquitectura "moderna" ucraniana saltó a la fama por primera vez en la gobernación de Poltava , donde sus promotores más activos fueron Vasyl Krychevskyi y Opanas Slastion . A finales de 1900 y principios de 1910, se construyeron varios edificios en lo que entonces se conocía simplemente como "estilo ucraniano" en Kiev , Járkov , Odesa , Katerynoslav y varios otros lugares del Imperio ruso. En Ucrania occidental , que en ese momento formaba parte de Austria-Hungría, el estilo ucraniano local fue influenciado por la arquitectura hutsul , así como por las tendencias de Europa occidental y las influencias de la Gran Ucrania . [141]

Jūgendstils (Art Nouveau en Riga)

Riga , la actual capital de Letonia , era en aquel momento una de las principales ciudades del Imperio ruso . Sin embargo, la arquitectura Art Nouveau en Riga se desarrolló según su propia dinámica y el estilo se hizo abrumadoramente popular en la ciudad. Poco después de la Exposición Etnográfica de Letonia de 1896 y la Exposición Industrial y de Artesanía de 1901, el Art Nouveau se convirtió en el estilo dominante en la ciudad. [142] Así, la arquitectura Art Nouveau representa un tercio de todos los edificios en el centro de Riga, lo que la convierte en la ciudad con la mayor concentración de este tipo de edificios en cualquier parte del mundo. La cantidad y calidad de la arquitectura Art Nouveau fue uno de los criterios para incluir a Riga en el Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO . [143]

Hubo diferentes variaciones de la arquitectura Art Nouveau en Riga:

Algunos edificios neoclásicos posteriores también contenían detalles Art Nouveau.

Style Sapin en La Chaux-de-Fonds, Suiza

Una variación llamada Style Sapin ('Estilo de abeto') surgió en La Chaux-de-Fonds en el cantón de Neuchâtel en Suiza. El estilo fue iniciado por el pintor y artista Charles l'Eplattenier y se inspiró especialmente en el sapin , el ' abeto ' y otras plantas y vida silvestre de las montañas del Jura . Una de sus obras más importantes fue el crematorio de la ciudad, que presentaba formas de árboles triangulares, piñas y otros temas naturales de la región. El estilo también mezcló los elementos estilísticos más geométricos del Jugendstil y la Secesión de Viena . [144]

Otro edificio notable del estilo es la Villa Fallet La Chaux-de-Fonds , un chalet diseñado y construido en 1905 por un alumno de L'Epplattenier, Le Corbusier , de dieciocho años . La forma de la casa era la de un chalet tradicional suizo , pero la decoración de la fachada incluía árboles triangulares y otros elementos naturales. Le Corbusier construyó dos chalets más en la zona, incluida la Villa Stotzer, en un estilo de chalet más tradicional. [145] [144] [146] [147]

Estilo Tiffany y Louis Sullivan en Estados Unidos

En Estados Unidos, la firma Louis Comfort Tiffany jugó un papel central en el Art Nouveau americano. Nacido en 1848, estudió en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York, comenzó a trabajar con vidrio a los 24 años, entró en el negocio familiar iniciado por su padre y en 1885 montó su propia empresa dedicada al vidrio fino, y desarrolló nuevas técnicas para su coloración. En 1893, comenzó a fabricar jarrones y cuencos de vidrio, desarrollando nuevamente nuevas técnicas que permitieron formas y colores más originales, y comenzó a experimentar con vidrio decorativo para ventanas. Se imprimieron, marmolaron y superpusieron capas de vidrio, dando una riqueza y variedad de color excepcionales. En 1895, sus nuevas obras se presentaron en la galería Art Nouveau de Siegfried Bing, lo que le brindó una nueva clientela europea. Después de la muerte de su padre en 1902, se hizo cargo de toda la empresa Tiffany, pero aún dedicó gran parte de su tiempo al diseño y fabricación de objetos de arte en vidrio. A instancias de Thomas Edison , comenzó a fabricar lámparas eléctricas con pantallas de vidrio multicolores en estructuras de bronce y hierro, o decoradas con mosaicos, producidas en numerosas series y ediciones, cada una realizada con el cuidado de una pieza de joyería. Un equipo de diseñadores y artesanos trabajó en cada producto. La lámpara Tiffany en particular se convirtió en uno de los íconos del Art Nouveau, pero los artesanos de Tiffany diseñaron y fabricaron extraordinarias ventanas, jarrones y otras obras de arte en vidrio. El cristal de Tiffany también tuvo un gran éxito en la Exposición Universal de 1900 en París; su vidriera llamada El Vuelo de las Almas ganó una medalla de oro. [148] La Exposición Colombina fue un lugar importante para Tiffany; una capilla que él diseñó se mostró en el Pabellón de Arte e Industria. La Capilla Tiffany, junto con una de las ventanas de la casa de Tiffany en Nueva York, se exhiben ahora en el Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park , Florida.

Otra figura importante del Art Nouveau americano fue el arquitecto Louis Sullivan . Sullivan fue un destacado pionero de la arquitectura moderna estadounidense. Fue el fundador de la Escuela de Chicago , el arquitecto de algunos de los primeros rascacielos y el maestro de Frank Lloyd Wright . Su dicho más famoso fue "La forma sigue a la función". Si bien la forma de sus edificios dependía de su función, su decoración era un ejemplo del Art Nouveau americano. En la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, famosa por la arquitectura neoclásica de su famosa Ciudad Blanca , diseñó una espectacular entrada Art Nouveau para el muy funcional Edificio de Transporte. [149] [150]

Si bien la arquitectura de su edificio Carson, Pirie, Scott and Company (1899) (ahora el Centro Sullivan ) era sorprendentemente moderna y funcional, rodeó las ventanas con una decoración floral estilizada. Inventó una decoración igualmente original para el Banco Nacional de Agricultores de Owatonna , Minnestota (1907-1908) y el Banco Nacional de Comerciantes en Grinell, Iowa. Inventó una variedad específicamente americana de Art Nouveau, declarando que las formas decorativas debían oscilar, surgir, mezclarse y derivar sin fin. Creó obras de gran precisión que en ocasiones combinaban temas góticos con Art Nouveau. [151]

Art Nouveau en Argentina

Inundada de inmigrantes europeos, Argentina dio la bienvenida a todos los estilos artísticos y arquitectónicos europeos, incluido el Art Nouveau. Había un entorno de grandes inversiones y reglas flexibles para la construcción, lo que animó a jóvenes arquitectos de Europa a venir y ampliar su cartera para luego regresar a Europa. Como resultado de esto, Argentina se convirtió en el país fuera de Europa con más edificios art nouveau. [152] Las ciudades con el patrimonio Art Nouveau más notable de Argentina son Buenos Aires , Rosario y Mar del Plata . [153]

París fue un prototipo de Buenos Aires con la construcción de grandes bulevares y avenidas en el siglo XIX. [152] El estilo local junto con la influencia francesa también seguía la libertad italiana, ya que muchos arquitectos ( Virginio Colombo , Francisco Gianotti , Mario Palanti ) eran italianos. En las obras de Julián García Núñez  se puede notar la influencia catalana ya que completó sus estudios en Barcelona en 1900 así como en la obra de Eduardo Rodríguez Ortega. [152] La influencia de la Secesión de Viena se puede encontrar en el edificio Paso y Viamonte, el Club Español, el Regimiento de Granaderos a Caballo y el hotel Savoy. [152]

Algunas características locales son la adaptación al formato de edificios previamente existente de "casa de chorizo", que implicaba una fachada relativamente estrecha para un edificio realmente profundo dentro de la manzana, con múltiples patios o huecos para el aire y la luz; así como los característicos "atajos" en cada cuadra que eran un requisito legal en Buenos Aires desde finales del siglo XIX; La disponibilidad de materiales también era diferente a la de Europa, y los edificios a menudo estaban cubiertos de una "simil piedra París", que era una imitación de la piedra parisina hecha mezclando cemento con arena y diferentes minerales.

La introducción del Art Nouveau en Rosario está relacionada con Francisco Roca Simó,  quien se formó en Barcelona. [154] Su edificio del Club Español  [es] (1912) presenta uno de los vitrales más grandes de América Latina producido (además de azulejos y cerámica) por la firma local Buxadera, Fornells y Cía. [155] El escultor del edificio es el barcelonés Diego Masana. [155]

La influencia belga en el Art Nouveau argentino está representada por la Villa Ortiz Basualdo, que ahora alberga el Museo Municipal de Arte Juan Carlos Castagnino en Mar del Plata , donde los muebles, interiores e iluminación son de Gustave Serrurier-Bovy .

El Art Nouveau en el resto del mundo

Al igual que en Argentina, el Art Nouveau en otros países estuvo influenciado principalmente por artistas extranjeros:

Los motivos Art Nouveau también se pueden encontrar en la arquitectura colonial francesa en toda la Indochina francesa .

Un movimiento artístico notable llamado escuela Bezalel apareció en la región de Palestina y data de finales de los períodos otomano y del Mandato Británico . Ha sido descrito como "una fusión de arte oriental y Jugendstil". [166] Varios artistas asociados con la escuela de Bezalel se destacaron por su estilo Art Nouveau, incluidos Ze'ev Raban , Ephraim Moses Lilien y Abel Pann . [167]

Características, decoración y motivos.

El Art Nouveau temprano, particularmente en Bélgica y Francia, se caracterizó por formas onduladas y curvas inspiradas en lirios, enredaderas, tallos de flores y otras formas naturales, utilizadas en particular en los interiores de Victor Horta y en la decoración de Louis Majorelle y Émile Gallé . [169] También se basó en patrones basados ​​en mariposas y libélulas, tomados del arte japonés, que eran populares en Europa en ese momento. [169]

El Art Nouveau temprano también presentaba a menudo formas más estilizadas que expresaban movimiento, como la línea coup de fouet o " latigazo cervical ", representada en las plantas de ciclamen dibujadas por el diseñador Hermann Obrist en 1894. Una descripción publicada en la revista Pan del tapiz de Hermann Obrist Cyclamen (1894), lo comparó con las "curvas repentinas y violentas generadas por el chasquido de un látigo", [170] El término "whiplash", aunque originalmente se usó para ridiculizar el estilo, se aplica con frecuencia a las curvas características empleadas por Artistas del Art Nouveau. [170] Estas líneas decorativas onduladas y fluidas en un ritmo sincopado y una forma asimétrica se encuentran a menudo en la arquitectura, la pintura, la escultura y otras formas de diseño Art Nouveau. [170]

Otras formas florales fueron populares, inspiradas en lirios, glicinas y otras flores, particularmente en las lámparas de Louis Comfort Tiffany y los objetos de vidrio realizados por los artistas de la Escuela de Nancy y Émile Gallé . Otras formas curvas y onduladas tomadas de la naturaleza incluían mariposas, pavos reales, cisnes y nenúfares. Muchos diseños representaban cabellos de mujeres entrelazados con tallos de lirios, lirios y otras flores. [171] Víctor Horta utilizó especialmente formas florales estilizadas en alfombras, balaustradas, ventanas y muebles. Héctor Guimard también las utilizó ampliamente para balaustradas y, más famosamente, para las lámparas y barandillas de las entradas del metro de París . Guimard explicó: "Lo que hay que evitar en todo lo continuo es el paralelo y la simetría. La naturaleza es la mayor constructora y la naturaleza no hace nada que sea paralelo ni nada que sea simétrico". [172]

Los muebles Art Nouveau anteriores, como los fabricados por Louis Majorelle y Henry van de Velde , se caracterizaban por el uso de materiales exóticos y costosos, incluida la caoba con incrustaciones y adornos de maderas preciosas, y formas curvas sin ángulos rectos. Daba sensación de ligereza.

En la segunda fase del Art Nouveau, posterior a 1900, la decoración se volvió más pura y las líneas más estilizadas. Las líneas y formas curvas evolucionaron hasta convertirse en polígonos y luego en cubos y otras formas geométricas. Estas formas geométricas se utilizaron con particular efecto en la arquitectura y el mobiliario de Joseph Maria Olbrich , Otto Wagner , Koloman Moser y Josef Hoffmann , especialmente en el Palacio Stoclet de Bruselas, que anunció la llegada del Art Déco y el modernismo . [88] [89] [90]

Otra característica de la arquitectura Art Nouveau fue el uso de la luz, mediante la apertura de espacios interiores, la eliminación de paredes y el uso extensivo de tragaluces para traer la máxima cantidad de luz al interior. La residencia-estudio de Víctor Horta y otras casas construidas por él disponían de amplios lucernarios, sostenidos sobre marcos curvos de hierro. En el Hotel Tassel eliminó las tradicionales paredes alrededor de la escalera, de modo que la escalera se convirtió en un elemento central del diseño interior.

Relación con estilos y movimientos contemporáneos

Como estilo artístico, el Art Nouveau tiene afinidades con los estilos prerrafaelitas y simbolistas , y artistas como Aubrey Beardsley , Alphonse Mucha , Edward Burne-Jones , Gustav Klimt y Jan Toorop podrían clasificarse en más de uno de estos estilos. Sin embargo, a diferencia de la pintura simbolista, el Art Nouveau tiene una apariencia distintiva; y, a diferencia del movimiento Arts and Crafts de orientación artesanal , los artistas del Art Nouveau utilizaron fácilmente nuevos materiales, superficies mecanizadas y la abstracción al servicio del diseño puro.

El Art Nouveau no evitó el uso de máquinas, como lo hizo el movimiento Arts and Crafts. Para la escultura, los principales materiales empleados fueron el vidrio y el hierro forjado, lo que dio como resultado cualidades escultóricas incluso en la arquitectura. La cerámica también se utilizó para crear ediciones de esculturas de artistas como Auguste Rodin . [175] aunque su escultura no se considera Art Nouveau.

La arquitectura Art Nouveau hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el uso de hierro expuesto y grandes piezas de vidrio de formas irregulares para la arquitectura.

Las tendencias del Art Nouveau también fueron absorbidas por los estilos locales. En Dinamarca, por ejemplo, era un aspecto de Skønvirke ('trabajo estético'), que a su vez se relaciona más estrechamente con el estilo Arts and Crafts . [176] [177] Asimismo, los artistas adoptaron muchos de los motivos florales y orgánicos del Art Nouveau en el estilo Młoda Polska ("Joven Polonia") en Polonia. [178] Młoda Polska , sin embargo, también incluía otros estilos artísticos y abarcaba un enfoque más amplio del arte, la literatura y el estilo de vida. [179]

Arquitectónicamente, el Art Nouveau tiene afinidades con estilos que, aunque modernos, existen fuera de la tradición modernista establecida por arquitectos como Walter Gropius y Le Corbusier . Está particularmente relacionado con la arquitectura expresionista , que comparte su preferencia por las formas orgánicas, pero surgió de una insatisfacción intelectual con el enfoque de la ornamentación del Art Nouveau. A diferencia del enfoque del Art Nouveau en plantas y motivos vegetales, el expresionismo se inspira en cosas como cuevas, montañas, relámpagos, cristales y formaciones rocosas. [180] Otro estilo concebido como reacción al Art Nouveau fue el Art Déco , que rechazaba por completo las superficies orgánicas en favor de un estilo rectilíneo derivado de la vanguardia artística contemporánea.

Géneros

El Art Nouveau está representado en la pintura y la escultura , pero es más destacado en la arquitectura y las artes decorativas . Se adaptaba bien a las artes gráficas , especialmente al cartel , el diseño de interiores , el arte en metal y vidrio , la joyería , el diseño de muebles , la cerámica y los textiles .

Carteles y artes gráficas.

Las artes gráficas florecieron en el período del Art Nouveau, gracias a las nuevas tecnologías de impresión, en particular la litografía en color , que permitió la producción en masa de carteles en color. El arte ya no se limitaba a galerías, museos y salones; se podía encontrar en las paredes de París y en revistas de arte ilustradas que circularon por toda Europa y Estados Unidos. El tema más popular de los carteles Art Nouveau eran las mujeres; mujeres que simbolizan glamour, modernidad y belleza, a menudo rodeadas de flores.

En Gran Bretaña, el principal artista gráfico del estilo Art Nouveau fue Aubrey Beardsley (1872-1898). Comenzó con ilustraciones grabadas para libros de La muerte de Arturo , luego ilustraciones en blanco y negro para Salomé de Oscar Wilde (1893), que le dieron fama. Ese mismo año, comenzó a grabar ilustraciones y carteles para la revista de arte The Studio , que ayudó a dar a conocer artistas europeos como Fernand Khnopff en Gran Bretaña. Las líneas curvas y los intrincados motivos florales atrajeron tanta atención como el texto. [181]

El artista suizo-francés Eugène Grasset (1845-1917) fue uno de los primeros creadores de carteles franceses del Art Nouveau. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat noir en 1885 e hizo sus primeros carteles para las Fiestas de París . Hizo un célebre cartel de Sarah Bernhardt en 1890 y una amplia variedad de ilustraciones de libros. Los artistas-diseñadores Jules Chéret , Georges de Feure y el pintor Henri de Toulouse-Lautrec realizaron carteles para los teatros, cafés y cabarets de París. El artista checo Alphonse Mucha (1860-1939) llegó a París en 1888 y en 1895 realizó un cartel para la actriz Sarah Bernhardt en la obra Gismonda de Victorien Sardou . El éxito de este cartel le llevó a conseguir un contrato para producir carteles para seis obras más de Bernhardt. Durante los siguientes cuatro años, también diseñó decorados, vestuario e incluso joyas para la actriz. [182] [183] ​​Basándose en el éxito de sus carteles teatrales, Mucha hizo carteles para una variedad de productos, desde cigarrillos y jabón hasta galletas de cerveza, todos presentando una figura femenina idealizada con una figura de reloj de arena. Luego diseñó productos, desde joyas hasta cajas de galletas, con su estilo distintivo. [184]

En Viena, el diseñador de gráficos y carteles más prolífico fue Koloman Moser (1868-1918), quien participó activamente en el movimiento de Secesión con Gustav Klimt y Josef Hoffmann , y realizó ilustraciones y portadas para la revista del movimiento, Ver Sacrum , así como así como cuadros, muebles y decoración. [185]

Cuadro

La pintura era otro dominio del Art Nouveau, aunque la mayoría de los pintores asociados con el Art Nouveau se describen principalmente como miembros de otros movimientos, particularmente el postimpresionismo y el simbolismo . Alphonse Mucha era famoso por sus carteles Art Nouveau, que le frustraban. Según su hijo y biógrafo, Jiří Mucha , no pensaba mucho en el Art Nouveau. "¿Qué es, Art Nouveau ? preguntó. "... El arte nunca puede ser nuevo". [186] Estaba muy orgulloso de su trabajo como pintor de historia. Su pintura Slava, inspirada en el Art Nouveau , es un retrato del hija de su mecenas vestida con un traje eslavo , inspirado en sus carteles teatrales [186] .

Los pintores más estrechamente asociados con el Art Nouveau fueron Les Nabis , artistas postimpresionistas que estuvieron activos en París desde 1888 hasta 1900. Uno de sus objetivos declarados era romper la barrera entre las bellas artes y las artes decorativas. Pintaron no solo lienzos, sino también biombos y paneles decorativos. Muchas de sus obras estuvieron influenciadas por la estética de los grabados japoneses. Los miembros incluían a Pierre Bonnard , Maurice Denis , Paul Ranson , Édouard Vuillard , Ker-Xavier Roussel , Félix Vallotton y Paul Sérusier . [187]

El pintor austriaco Gustav Klimt fue un exponente de la pintura Art Nouveau, y más concretamente un representante del movimiento modernista de la Secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal ornamentado, que también expresó a través de artesanías, como las que se encuentran en la Galería de la Secesión vienesa. Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus fuentes de inspiración más recurrentes. Sus obras son sensuales, con un estilo naturalista, individual, orgánico, inspirado en la naturaleza siguiendo el estilo decorativo de Gaudí.

Los pintores modernistas catalanes (Ramón Casas, Santiago Rusiñol, Aleix Clapés, Joaquim Sunyer, Hermenegildo Anglada Camarasa, Juan Brull, Ricard Canals, Javier Gosé, Josep Maria Sert, Miguel Utrillo, etc.), estrechamente relacionados con las vanguardias parisinas. , y muy influenciados por Antoni Gaudí, tenían en la taberna Els Quatre Gats su lugar de encuentro. Del grupo salió Pablo Picasso.

Discípulos de Anglada Camarasa fueron los argentinos Gregorio López Naguil, Tito Cittadini y Raúl Mazza quienes fueron los encargados de llevar la pintura art nouveau a Sudamérica.

En Bélgica, Fernand Khnopff trabajó tanto en pintura como en diseño gráfico. Los murales de Gustav Klimt se integraron en el esquema decorativo de Josef Hoffmann para el Palacio Stoclet (1905-1911). El mural de Klimt para el comedor del Palacio Stoclet se considera una obra maestra del Art Nouveau tardío.

Un tema apareció tanto en la pintura tradicional como en el Art Nouveau; la bailarina estadounidense Loie Fuller , fue retratada por pintores y carteles franceses y austriacos. [43]

Un estilo particular que se hizo popular en el período Art Nouveau, especialmente en Bruselas, fue el esgrafiado , una técnica inventada en el Renacimiento que consiste en aplicar capas de yeso teñido para hacer murales en las fachadas de las casas. Este fue utilizado en particular por el arquitecto belga Paul Hankar para las casas que construyó para dos amigos artistas, Paul Cauchie y Albert Ciamberlani.

arte en vidrio

El arte en vidrio fue un medio en el que el Art Nouveau encontró nuevas y variadas formas de expresión. Se llevó a cabo una intensa experimentación, especialmente en Francia, para encontrar nuevos efectos de transparencia y opacidad: en el grabado win cameo, en las dobles capas y en el grabado al ácido, técnica que permitía la producción en serie. La ciudad de Nancy se convirtió en un importante centro de la industria vidriera francesa, y allí se ubicaron los talleres de Émile Gallé y el estudio Daum , dirigido por Auguste y Antonin Daum. Trabajaron con muchos diseñadores notables, incluidos Ernest Bussière  [fr] , Henri Bergé (ilustrador)  [fr] y Amalric Walter . Desarrollaron un nuevo método para incrustar vidrio presionando fragmentos de vidrio de diferentes colores en la pieza sin terminar. Colaboraron a menudo con el diseñador de muebles Louis Majorelle , cuya casa y talleres se encontraban en Nancy. Otra característica del Art Nouveau fue el uso de vidrieras con ese estilo de temas florales en los salones residenciales, particularmente en las casas Art Nouveau de Nancy. Muchas fueron obra de Jacques Grüber , que realizó ventanas para la Villa Majorelle y otras casas. [189]

En Bélgica, la firma líder fue la fábrica de vidrio de Val Saint Lambert , que creaba jarrones de formas orgánicas y florales, muchos de ellos diseñados por Philippe Wolfers . Wolfers se destacó particularmente por crear obras de vidrio simbolista , a menudo con decoración de metal adjunta. En Bohemia , entonces región del Imperio austrohúngaro destacada por la fabricación de cristal, las empresas J. & L. Lobmeyr y Joh. Loetz Witwe también experimentó con nuevas técnicas de coloración, produciendo colores más vivos y ricos. En Alemania, la experimentación estuvo a cargo de Karl Köpping, quien utilizó vidrio soplado para crear vasos extremadamente delicados en forma de flores; tan delicado que pocos sobreviven hoy. [190]

En Viena, los diseños en vidrio del movimiento de Secesión eran mucho más geométricos que los de Francia o Bélgica; Otto Prutscher fue el diseñador de vidrio más riguroso del movimiento. [190] En Gran Bretaña, Margaret Macdonald Mackintosh creó varios diseños de vidrieras florales para la exhibición arquitectónica llamada La casa de un amante del arte .

En los Estados Unidos, Louis Comfort Tiffany y sus diseñadores se hicieron particularmente famosos por sus lámparas, cuyas pantallas de vidrio utilizaban temas florales comunes intrincadamente ensamblados. Las lámparas Tiffany ganaron popularidad después de la Exposición Mundial Colombina en Chicago en 1893, donde Tiffany exhibió sus lámparas en una capilla de estilo bizantino. Tiffany experimentó ampliamente con los procesos de coloración del vidrio, patentando en 1894 el proceso de vidrio Favrile , que utilizaba óxidos metálicos para colorear el interior del vidrio fundido, dándole un efecto iridiscente. Sus talleres produjeron varias series diferentes de lámparas Tiffany con diferentes diseños florales, junto con vidrieras, biombos, jarrones y una variedad de objetos decorativos. Sus obras fueron importadas primero a Alemania, luego a Francia por Siegfried Bing , y luego se convirtieron en una de las sensaciones decorativas de la Exposición de 1900. Un rival estadounidense de Tiffany, Steuben Glass , fue fundado en 1903 en Corning, Nueva York , por Frederick Carder , quien, al igual que Tiffany, utilizó el proceso Fevrile para crear superficies con colores iridiscentes. Otro artista del vidrio estadounidense notable fue John La Farge , quien creó vidrieras intrincadas y coloridas sobre temas tanto religiosos como puramente decorativos. [190]

Se pueden encontrar ejemplos de vidrieras en iglesias en el artículo sobre edificios religiosos Art Nouveau .

arte metálico

El teórico de la arquitectura del siglo XIX Viollet-le-Duc había abogado por mostrar, en lugar de ocultar, las estructuras de hierro de los edificios modernos, pero los arquitectos modernistas Victor Horta y Héctor Guimard fueron un paso más allá: añadieron decoraciones de hierro en curvas inspiradas en motivos florales y vegetales. formas tanto en el interior como en el exterior de sus edificios. Tomaron la forma de barandillas de escaleras en el interior, lámparas y otros detalles en el interior, y balcones y otros adornos en el exterior. Estos se convirtieron en algunas de las características más distintivas de la arquitectura Art Nouveau. El uso de la decoración metálica en formas vegetales pronto apareció también en platería, lámparas y otros elementos decorativos. [191]

En los Estados Unidos, el diseñador George Grant Elmslie realizó diseños extremadamente complejos en hierro fundido para las balaustradas y otras decoraciones interiores de los edificios del arquitecto de Chicago Louis Sullivan .

Mientras que los diseñadores franceses y estadounidenses utilizaron formas florales y vegetales, Joseph Maria Olbrich y los demás artistas de la Secesión diseñaron teteras y otros objetos metálicos con un estilo más geométrico y sobrio. [192]

Joyería

Las características de la joyería Art Nouveau incluyen curvas y líneas sutiles. Su diseño suele presentar objetos naturales, como flores, animales o pájaros. El cuerpo femenino también es popular apareciendo a menudo en cameos . Con frecuencia incluía collares largos hechos de perlas o cadenas de plata esterlina salpicadas de cuentas de vidrio o terminadas en un colgante de plata u oro, a menudo diseñado como un adorno para sostener una sola joya facetada de amatista , peridoto o citrino . [193]

El período Art Nouveau trajo una notable revolución estilística a la industria de la joyería, liderada en gran medida por las principales firmas de París. Durante los dos siglos anteriores, el énfasis en la joyería fina había sido crear engastes espectaculares para diamantes. Durante el reinado del Art Nouveau, los diamantes solían desempeñar un papel secundario. Los joyeros experimentaron con una amplia variedad de otras piedras, incluidas ágata , granate , ópalo , piedra lunar , aguamarina y otras piedras semipreciosas, y con una amplia variedad de nuevas técnicas, entre otras, esmaltado , y nuevos materiales, incluido el cuerno , el vidrio moldeado, y marfil .

Los primeros joyeros parisinos notables del estilo Art Nouveau incluyeron a Louis Aucoc , cuya firma familiar de joyería databa de 1821. El diseñador más famoso del período Art Nouveau, René Lalique , realizó su aprendizaje en el estudio de Aucoc de 1874 a 1876. Lalique se convirtió en un figura de joyería y vidrio Art Nouveau, utilizando la naturaleza, desde libélulas hasta hierbas, como modelo. Artistas ajenos al mundo tradicional de la joyería, como Paul Follot , más conocido como diseñador de muebles, experimentaron con diseños de joyas. Otros diseñadores de joyas franceses notables del Art Nouveau fueron Jules Brateau y Georges Henry. En Estados Unidos, el diseñador más famoso fue Louis Comfort Tiffany , cuyo trabajo se mostró en la tienda de Siegfried Bing y también en la Exposición de París de 1900.

En Gran Bretaña, la figura más destacada fue el diseñador de Liberty & Co. & Cymric Archibald Knox , que realizó una variedad de piezas Art Nouveau, incluidas hebillas de cinturón plateadas. CR Ashbee diseñó colgantes con forma de pavos reales. El versátil diseñador de Glasgow Charles Rennie Mackintosh también fabricó joyas utilizando símbolos celtas tradicionales. En Alemania, el centro de la joyería Jugendstil era la ciudad de Pforzheim , donde estaban ubicadas la mayoría de las empresas alemanas, incluida Theodor Fahrner . Rápidamente produjeron obras para satisfacer la demanda del nuevo estilo. [193]

Arquitectura y ornamentación

La arquitectura Art Nouveau fue una reacción contra los estilos eclécticos que dominaron la arquitectura europea en la segunda mitad del siglo XIX. Se expresaba a través de la decoración: ya sea ornamental (a base de flores y plantas, por ejemplo, cardos, [195] lirios, [196] ciclámenes, orquídeas, nenúfares, etc.) o escultórica (consulte la sección respectiva a continuación). Si bien los rostros de personas (o mascarones ) se refieren a adornos, el uso de personas en diferentes formas de escultura (estatuas y relieves: consulte la sección respectiva a continuación) también era común en algunas formas de Art Nouveau. Antes de la Secesión de Viena , el Jugendstil y las diversas formas del estilo romántico nacional, las fachadas eran asimétricas y, a menudo, estaban decoradas con azulejos de cerámica policromada. La decoración solía sugerir movimiento; no había distinción entre la estructura y el ornamento. [197] Un motivo rizado o "latigazo cervical" , basado en las formas de plantas y flores, fue ampliamente utilizado en el Art Nouveau temprano, pero la decoración se volvió más abstracta y simétrica en la Secesión de Viena y otras versiones posteriores del estilo, como en el Palacio Stoclet en Bruselas (1905-1911). [198]

El estilo apareció por primera vez en la Casa Hankar de Bruselas de Paul Hankar (1893) y en el Hôtel Tassel (1892-1893) de Victor Horta . El Hôtel Tassel fue visitado por Héctor Guimard , quien utilizó el mismo estilo en su primera obra importante, el Castel Béranger (1897-1898). Horta y Guimard también diseñaron el mobiliario y la decoración interior, hasta los pomos de las puertas y las moquetas. En 1899, basándose en la fama del Castel Béranger, Guimard recibió el encargo de diseñar las entradas de las estaciones del nuevo Metro de París , inaugurado en 1900. Aunque pocos de los originales sobrevivieron, se convirtieron en el símbolo del movimiento Art Nouveau. en París.

En París, el estilo arquitectónico también fue una reacción a las estrictas normas impuestas a las fachadas de los edificios por Georges-Eugène Haussmann , el prefecto de París bajo Napoleón III . Las ventanas en arco finalmente se permitieron en 1903, y los arquitectos del Art Nouveau fueron al extremo opuesto, sobre todo en las casas de Jules Lavirotte , que eran esencialmente grandes obras de escultura, completamente cubiertas de decoración. Un importante barrio de casas Art Nouveau apareció en la ciudad francesa de Nancy , en torno a la Villa Majorelle (1901-02), residencia del diseñador de muebles Louis Majorelle . Fue diseñado por Henri Sauvage como escaparate de los diseños de muebles de Majorelle. [197]

Muchos edificios de estilo Art Nouveau fueron incluidos en la lista del Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO como parte de sus centros urbanos (en Berna , Budapest , Lviv , París, Oporto , Praga , Riga , San Petersburgo , Estrasburgo ( Neustadt ), Viena ). Junto a ellos había edificios que se incluyeron en la lista como objetos separados:

Escultura

La escultura fue otra forma de expresión de los artistas del Art Nouveau, cruzándose en ocasiones con la cerámica. La figura de porcelana Bailarina con pañuelo de Agathon Léonard obtuvo reconocimiento tanto en cerámica como en escultura en la Exposición de París de 1900. También crearon esculturas de cerámica escultores de otros países: los bohemios Stanislav Sucharda y Ladislav Šaloun , el belga Charles Van der Stappen y el catalán Lambert Escaler.  [ca] , quien creó estatuas de terracota policromada. Otro escultor notable de esa época fue Agustí Querol Subirats de Cataluña que creó estatuas en España, México, Argentina y Cuba . [200]

En la escultura arquitectónica se utilizaron no sólo estatuas sino también relieves. Los arquitectos y escultores del Art Nouveau se inspiraron en motivos animales (mariposas, [201] pavos reales, [202] cisnes, [203] búhos, [204] murciélagos, [205] dragones, [206] osos [207] ). También se utilizaron atlantes , [208] cariátides , [209] amorcillos , [210] y gárgolas [211] .

Muebles

El diseño de muebles en el período Art Nouveau estuvo estrechamente asociado con la arquitectura de los edificios; Los arquitectos solían diseñar los muebles, las alfombras, las lámparas, los pomos de las puertas y otros detalles decorativos. Los muebles eran a menudo complejos y caros; se consideraba esencial un acabado fino, generalmente pulido o barnizado, y los diseños continentales solían ser muy complejos, con formas curvas que eran costosas de realizar. También tenía el inconveniente de que el propietario de la casa no podía cambiar los muebles o añadir piezas de otro estilo sin alterar todo el efecto de la estancia. Por esta razón, cuando la arquitectura Art Nouveau pasó de moda, el estilo de los muebles también desapareció en gran medida.

En Francia, el centro de diseño y fabricación de muebles estaba en Nancy , donde dos grandes diseñadores, Émile Gallé y Louis Majorelle, tenían sus estudios y talleres, y donde se había fundado la Alliance des industries d'art (más tarde llamada Escuela de Nancy). en 1901. Ambos diseñadores basaron su estructura y ornamentación en formas tomadas de la naturaleza, incluidas flores e insectos, como la libélula, un motivo popular en el diseño Art Nouveau. Gallé fue especialmente conocido por el uso de la marquetería en relieve, en forma de paisajes o temas poéticos. Majorelle era conocido por el uso de maderas exóticas y costosas, y por colocar bronce esculpido con temas vegetales en sus muebles. Ambos diseñadores utilizaron máquinas para las primeras fases de fabricación, pero todas las piezas fueron terminadas a mano. Otros diseñadores de muebles notables de la Escuela de Nancy fueron Eugène Vallin y Émile André ; ambos eran arquitectos de formación y ambos diseñaron muebles que se parecían a los muebles de diseñadores belgas como Horta y Van de Velde, que tenían menos decoración y seguían más de cerca las plantas y flores curvas. Otros diseñadores franceses notables incluyeron a Henri Bellery-Desfontaines , que se inspiró en los estilos neogóticos de Viollet-le-Duc ; y Georges de Feure , Eugène Gaillard y Édouard Colonna , quienes trabajaron junto con el marchante de arte Siegfried Bing para revitalizar la industria del mueble francesa con nuevos temas. Su trabajo era conocido por su "naturalismo abstracto", su unidad de líneas rectas y curvas y su influencia rococó . Los muebles de De Feure en el pabellón Bing ganaron una medalla de oro en la Exposición de París de 1900. El diseñador francés más inusual y pintoresco fue François-Rupert Carabin , un escultor de formación, cuyos muebles presentaban formas femeninas desnudas esculpidas y animales simbólicos, particularmente gatos, que combinaban elementos del Art Nouveau con el Simbolismo . Otros diseñadores de muebles influyentes de París fueron Charles Plumet y Alexandre Charpentier . [212] En muchos sentidos, el antiguo vocabulario y las técnicas de los muebles rococó franceses clásicos del siglo XVIII fueron reinterpretados en un nuevo estilo. [10]

En Bélgica, los arquitectos pioneros del movimiento Art Nouveau , Victor Horta y Henry van de Velde , diseñaron muebles para sus casas, utilizando vigorosas líneas curvas y un mínimo de decoración. El diseñador belga Gustave Serrurier-Bovy añadió más decoración, aplicando tiras de latón en formas curvas. En Países Bajos, donde el estilo se denominó Nieuwe Kunst o New Art, HP Berlag, Lion Cachet y Theodor Nieuwenhuis siguieron un rumbo diferente, el del movimiento inglés Arts and Crafts , con formas racionales más geométricas.

En Gran Bretaña, el mobiliario de Charles Rennie Mackintosh era puramente artístico, austero y geométrico, con largas líneas rectas y ángulos rectos y un mínimo de decoración. [213] Los diseños continentales eran mucho más elaborados, a menudo utilizando formas curvas tanto en las formas básicas de la pieza como en motivos decorativos aplicados. En Alemania, el mobiliario de Peter Behrens y el Jugendstil era en gran medida racionalista, con líneas geométricas rectas y cierta decoración adherida a la superficie. Su objetivo era exactamente el opuesto al Art Nouveau francés; simplicidad de estructura y simplicidad de materiales, para muebles que podrían ser económicos y fáciles de fabricar en masa. Lo mismo ocurrió con los muebles de los diseñadores de Wiener Werkstätte en Viena, encabezados por Otto Wagner , Josef Hoffmann , Josef Maria Olbrich y Koloman Moser . Los muebles eran geométricos y tenían un mínimo de decoración, aunque su estilo a menudo seguía precedentes históricos nacionales, particularmente el estilo Biedemeier . [214]

El diseño de muebles italiano y español tomó su propia dirección. Carlo Bugatti diseñó en Italia la extraordinaria Silla Caracol, de madera recubierta de pergamino pintado y cobre, para la Exposición Internacional de Turín de 1902. En España, siguiendo el ejemplo de Antoni Gaudí y el movimiento modernista , el diseñador de muebles Gaspar Homar diseñó obras que se inspiraron por formas naturales con toques de estilos históricos catalanes. [134]

En los Estados Unidos, el diseño de muebles se inspiró más a menudo en el movimiento Arts and Crafts, o en modelos históricos estadounidenses, que en el Art Nouveau. Un diseñador que sí introdujo temas de Art Nouveau fue Charles Rohlfs en Buffalo, Nueva York , cuyos diseños para muebles de roble blanco americano estaban influenciados por motivos del arte celta y el arte gótico , con toques de Art Nouveau en los adornos metálicos aplicados a las piezas. [134]

Cerámica

El arte cerámico, incluida la loza , fue otro dominio floreciente para los artistas del Art Nouveau, y en los países de habla inglesa cayeron bajo el movimiento más amplio de la cerámica artística . La última parte del siglo XIX vio muchas innovaciones tecnológicas en la fabricación de cerámica, particularmente el desarrollo de cerámicas de alta temperatura ( grand feu ) con esmaltes cristalizados y mate. Al mismo tiempo, se redescubrieron varias técnicas perdidas, como el sang de boeuf glaseado . La cerámica Art Nouveau también estuvo influenciada por la cerámica tradicional y moderna japonesa y china, cuyos motivos vegetales y florales encajaban bien con el estilo Art Nouveau. En Francia, los artistas también redescubrieron los métodos tradicionales del gres ( grés ) y los reinventaron con nuevos motivos. [219]

Émile Gallé , en Nancy, creó obras de barro en colores naturales de la tierra con temas naturalistas de plantas e insectos. La cerámica también encontró un nuevo uso importante en la arquitectura: los arquitectos Art Nouveau, Jules Lavirotte y Hector Guimard entre ellos, comenzaron a decorar las fachadas de los edificios con cerámicas arquitectónicas , muchas de ellas realizadas por la firma de Alexandre Bigot , dándoles un distintivo estilo Art Nouveau. aspecto escultórico. [219]

Uno de los ceramistas franceses pioneros del Art Nouveau fue Ernest Chaplet , cuya carrera en la cerámica abarcó treinta años. Comenzó a producir gres influenciado por prototipos japoneses y chinos. A partir de 1886 trabajó con el pintor Paul Gauguin en diseños de gres con figuras aplicadas, múltiples asas, pintadas y parcialmente vidriadas, y colaboró ​​con los escultores Félix Bracquemond , Jules Dalou y Auguste Rodin . Sus obras fueron aclamadas en la Exposición de 1900.

Las principales firmas cerámicas nacionales tuvieron un lugar importante en la Exposición de París de 1900: la Manufacture nationale de Sèvres en las afueras de París; Nymphenburg , Meissen , Villeroy & Boch en Alemania y Doulton en Gran Bretaña. Otros ceramistas franceses destacados fueron Taxile Doat , Pierre-Adrien Dalpayrat , Edmond Lachenal , Albert Dammouse  [fr] y Auguste Delaherche . [220]

En Francia, la cerámica Art Nouveau a veces cruzó la línea hacia la escultura. La figura de porcelana Bailarina con pañuelo de Agathon Léonard , realizada para la Manufactura nacional de Sèvres , obtuvo reconocimiento en ambas categorías en la Exposición de París de 1900.

La fábrica Zsolnay en Pécs , Hungría, fue fundada por Miklós Zsolnay (1800-1880) en 1853 y dirigida por su hijo, Vilmos Zsolnay (1828-1900) con el diseñador jefe Tádé Sikorski (1852-1940) para producir gres y otras cerámicas. En 1893, Zsolnay introdujo piezas de porcelana hechas de eosina . Llevó a la fábrica al reconocimiento mundial al demostrar sus productos innovadores en ferias mundiales y exposiciones internacionales, incluida la Exposición Universal de Viena de 1873 y luego la Exposición Universal de París de 1878 , donde Zsolnay recibió un Gran Premio . Las decoraciones de Zsolnay resistentes a las heladas se utilizaron en numerosos edificios, especialmente durante el movimiento Art Nouveau. [221]

Las baldosas cerámicas también fueron una característica distintiva del Arte Nova portugués que continuó la larga tradición azuleja del país.

mosaicos

Los mosaicos fueron utilizados por muchos artistas del Art Nouveau de diferentes movimientos, especialmente del Modernismo catalán ( Hospital de Sant Pau , Palau de la Música Catalana , Casa Lleó-Morera y muchos otros). Antoni Gaudí inventó una nueva técnica en el tratamiento de materiales llamada trencadís , que aprovechaba piezas cerámicas de desecho.

Los coloridos azulejos de mayólica con diseños florales fueron un rasgo distintivo de la Casa de Mayólica de Viena de Otto Wagner , (1898) y de los edificios de las obras de la Colonia rusa Abramtsevo , especialmente los de Mikhail Vrubel .

Textiles y papel pintado

Los textiles y el papel pintado fueron un vehículo importante del Art Nouveau desde el principio del estilo y un elemento esencial del diseño de interiores Art Nouveau. En Gran Bretaña, los diseños textiles de William Morris ayudaron a lanzar el movimiento Arts and Crafts y luego el Art Nouveau. Se crearon muchos diseños para los grandes almacenes Liberty de Londres, que popularizaron el estilo en toda Europa. Uno de esos diseñadores fue Silver Studio , que proporcionó coloridos diseños florales estilizados. Otros diseños distintivos vinieron de la Escuela de Glasgow y de Margaret Macdonald Mackintosh . La escuela de Glasgow introdujo varios motivos distintivos, incluidos huevos estilizados, formas geométricas y la "Rosa de Glasgow".

En Francia, una contribución importante la realizó el diseñador Eugène Grasset , quien en 1896 publicó La Plante et ses apps ornamentales , sugiriendo diseños Art Nouveau basados ​​en diferentes flores y plantas. Muchos patrones fueron diseñados y producidos por los principales fabricantes textiles franceses en Mulhouse, Lille y Lyon, por talleres alemanes y belgas. El diseñador alemán Hermann Obrist se especializó en motivos florales, en particular el ciclamen y el estilo "whiplash" basado en tallos de flores, que se convirtió en un motivo importante del estilo. El belga Henry van de Velde presentó en el Salón La Libre Esthéthique de Bruselas una obra textil, La Veillée d'Anges , inspirada en el simbolismo de Paul Gauguin y de los Nabis . En los Países Bajos, los textiles a menudo se inspiraban en los patrones de batik de las colonias holandesas de las Indias Orientales . El arte popular también inspiró la creación de tapices, alfombras, bordados y textiles en Europa Central y Escandinavia, en el trabajo de Gerhard Munthe y Frida Hansen en Noruega. El diseño de los Cinco Cisnes de Otto Eckmann apareció en más de cien versiones diferentes. El diseñador húngaro János Vaszary combinó elementos del Art Nouveau con temas folclóricos. [223]

Museos

Hay 4 tipos de museos que presentan el patrimonio Art Nouveau:

Hay muchos otros edificios y estructuras de estilo Art Nouveau que no tienen estatus de museo pero que pueden visitarse oficialmente pagando una tarifa o extraoficialmente de forma gratuita (por ejemplo, estaciones de tren, iglesias, cafés, restaurantes, pubs, hoteles, tiendas, oficinas, bibliotecas, cementerios, fuentes y numerosos edificios de viviendas todavía habitados).

Posteridad

Criticado por "sus extravagancias primitivas", el Art Nouveau comenzó a desvanecerse después de 1911. [227]

En las historias de la arquitectura europea del siglo XX, desde los años 1930 hasta los años 1940 y 1950, historiadores influyentes, como Nikolaus Pevsner , Sigfried Giedion y Henry-Russell Hitchcock , no tomaron en consideración el Art Nouveau. Esto dejó las primeras versiones de El genio de la arquitectura europea de Pevsner sin una mención de Héctor Guimard o Antoni Gaudí . Las primeras obras importantes relacionadas con el Art Nouveau se publicaron a finales de la década de 1950, con Johnny Watser.

Influencia en el Art Déco

El Art Nouveau fue uno de los factores que llevaron al Art Déco , un estilo creado como un esfuerzo colectivo de múltiples diseñadores franceses para crear un nuevo estilo moderno alrededor de 1910. Esto se debe a que el Art Nouveau rompió la supremacía del revivalismo y el eclecticismo del siglo XIX , oponiéndose convenciones académicas. A través de sus diversas manifestaciones, inventó nuevos sistemas ornamentales, que ya no dependían de fórmulas históricas, a través de formas vegetales curvas en la mayor parte del mundo, decoración geométrica en Austria-Hungría y el Reino Unido, y reinterpretaciones de la tradición nacional en los países del Norte y Central. y Europa del Este . La idea de crear un nuevo estilo, con nuevos adornos y formas, fue una contribución significativa que aportó el Art Nouveau a la invención del Art Déco. Otro aspecto tomado del Art Nouveau es el énfasis puesto en el lujo doméstico.

Algunos de los finos detalles y líneas sinuosas del Art Nouveau también se encuentran en la arquitectura y el diseño Art Déco de la década de 1920, pero ligeramente simplificados. De manera similar, los colores planos y los contornos visibles popularizados por los carteles Art Nouveau se utilizan con mucha frecuencia en la ilustración Art Déco. En comparación con muchos diseños Art Nouveau, donde los motivos vegetales parecen crecer y transformarse en el objeto u ornamento arquitectónico, la mayoría de las obras Art Déco tienen una estructura compositiva clara, similar al Neoclasicismo .

Además de las ideas tomadas del Art Nouveau franco-belga, la influencia provino también de los motivos y volúmenes geométricos que se encuentran en el Reino Unido y Viena. Las flores, espirales y cuadrados que se encuentran aquí son muy similares a los que se encuentran en el Art Déco. Charles Rennie Mackintosh incluso anticipó las formas Art Déco en sus creaciones posteriores. Una de las obras secesionistas que mejor anticipa el estilo es el Palacio Stoclet en Bruselas , con sus retranqueos en forma de zigurat , la hendidura vertical de la ventana de la escalera y la simplicidad general y la modesta ornamentación. [233]

avivamientos

Durante la década de 1960 nació el posmodernismo . Este fue y es un movimiento que cuestiona el modernismo (el status quo después de la Segunda Guerra Mundial ) y promovió la inclusión y reinterpretación de elementos de estilos históricos en nuevos diseños. Aunque en la década de 1950 se realizaron varias exposiciones internacionales sobre Art Nouveau, en la década de 1960 se produjo un resurgimiento exitoso, y especialmente en la década de 1970 con el surgimiento del posmodernismo. Aparte de las exposiciones, este resurgimiento podría estar relacionado con la generación del " flower power ", que marcó la pauta en la época y reconoció sus propios ideales de vida en los ornamentos florales y en los temas artísticos eróticamente "emancipados" de los años alrededor de 1900.

El Art Nouveau fue también una de las principales fuentes de inspiración de muchos carteles de rock psicodélico de la misma época. Los principales defensores del movimiento de arte psicodélico de la década de 1960 fueron los cartelistas de San Francisco , como Rick Griffin , Victor Moscoso , Bonnie MacLean , Stanley Mouse , Alton Kelley y Wes Wilson . En comparación con los colores terrosos que caracterizan el Art Nouveau, estos carteles contrastaban con colores muy saturados y también con textos muy estilizados, a veces difíciles de leer. Este estilo floreció aproximadamente entre 1966 y 1972.

En el lado negativo, las pinturas icónicas de Gustav Klimt se encuentran hoy en muchos souvenirs kitsch: tazas, platos, servilletas, llaveros, etc. Esto es problemático, ya que una de las definiciones de kitsch es "la reproducción o copia a escala industrial de obras de arte, multiplicadas y explotadas comercialmente". [235] El beso se había impreso en innumerables tamaños y materiales. En una situación similar se encuentran los carteles de Alphonse Mucha .

Uno de los artistas que encontró en el Art Nouveau una importante fuente de inspiración fue el pintor y arquitecto austriaco Friedensreich Hundertwasser . Se inspiró en múltiples fuentes, incluido Egon Schiele , la miniatura barroca y persa y la ornamentación curvilínea del Art Nouveau. [236]

Ver también

Notas

  1. ↑ Según algunos investigadores, el Hôtel Jassedé (1893) también se atribuye al Art Nouveau [44]
  2. ↑ Algunas fuentes, por ejemplo el archivo Werkbund, citan a Van de Velde como uno de los miembros fundadores. [82]
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Bibliografía

Otras lecturas

enlaces externos