Anne Chu nació en 1959 en la ciudad de Nueva York. Sus padres eran originarios de China y su padre era profesor de matemáticas en la Universidad de Columbia . Cuando estaba en la escuela secundaria, su familia se mudó al condado de Westchester, al norte de la ciudad. Se graduó en el Philadelphia College of Art (ahora la Universidad de las Artes) en 1982 y recibió un MFA de la Universidad de Columbia en 1985. [2]
Las obras de Chu, influenciadas por la combinación de elementos orientales y occidentales, crean una “fuerte dicotomía entre lo moderno y lo antiguo, lo abstracto y lo figurativo, lo desconocido y lo fantástico”. Aplica múltiples técnicas que “unen forma, contenido y color” de una “manera aparentemente sin esfuerzo y cohesiva”. A pesar de ser principalmente escultora, “creando obras monumentales de madera, cerámica y papel maché”, “Chu también hace acuarelas y monotipos”. En estos medios elige los temas de “paisajes, castillos y caballeros”, creando obras exóticas que parecen abstractas pero que conectan temáticamente sus obras a través de elementos figurativos. [3]
“La Sra. Chu recibió el premio Penny McCall en 2001 y recibió subvenciones de la Fundación Anonymous Was a Woman [4] y de la Fundación Joan Mitchell”. “Su obra ha sido expuesta en numerosas ocasiones, incluso en el Museo de Arte de Dallas, el Museo de Arte de Berkeley y el Museo de Arte de Indianápolis”. [3] Su obra también se puede encontrar en la colección permanente de la Galería Nacional de Arte en Washington, DC. [5]
A pesar de ser estadounidense de origen chino, Anne Chu no se identifica demasiado con la cultura china. En cambio, sus esculturas "reflejan un profundo conocimiento del arte mundial, gran parte del cual proviene de fuentes occidentales y de años de visitas a galerías y museos". El enfoque de Chu en la historia del arte ha dado como resultado una visión singular, que afecta a sus obras, que "colocan una sensibilidad contemporánea en un diálogo genuino con el pasado", dando un "sentido ad hoc, pero nunca excesivamente informal, del presente". [2]
Según Heidi Zuckerman Jacobson , curadora del Museo de Arte de Berkeley, Anne Chu explora cuestiones de la escultura y la pintura "infundiendo pintura en materiales que se utilizan de manera inesperada. Al cambiar las expectativas convencionales sobre la apariencia de la escultura, la artista permite una reconsideración de lo familiar". [6] Por ejemplo, utiliza "artefactos chinos tradicionales como base desde la cual trabajar". Ha rehecho "figuras funerarias de cerámica de la dinastía Tang, ha esculpido paisajes de inspiración asiática y occidental y ha pintado acuarelas luminosas caracterizadas por una tensión sutil entre la abstracción y la figuración". [7]
La obra de Chu consiste principalmente en esculturas audaces de técnica mixta en "madera, metal, resina, tela, cuero o porcelana, así como delicadas acuarelas y trabajos a base de tinta sobre papel". A menudo combinaba "figuras y animales con elementos extraídos del folclore; sin embargo, con la misma frecuencia, su obra podía ser casi irreconocible de una pieza a la siguiente. Al reinventarse deliberadamente de esta manera, Chu desarrolló un lenguaje visual único, celebrado en más de 30 exposiciones individuales a lo largo de un período de 25 años". [8]
En El jugador de béisbol a caballo (1998), de Chu , "una figura masculina elaboradamente tallada y pintada se sienta sobre un caballo de bronce". Los caballos de bronce, junto con sus jinetes, suelen producirse en masa y acompañan a un noble en el entierro como representación de su posesión de toda la vida. "El uso que hace Chu de una figura montada en un caballo es el resultado de un interés general en este tipo de figuras funerarias". Sabiendo que los diferentes materiales crean una presencia visual distinta, Chu combina el bronce con la madera. En esta escultura, "el caballo de bronce comparte un estilo pictórico irregular y expresivo con la figura. Con la cabeza ladeada hacia un lado, una mano sobre el pecho y la otra levantada en un gesto extendido, el jugador de béisbol está preparado para lanzar". Sus gestos simbólicos sugieren que los caballos y sus jinetes no solo indican el estatus de un individuo en la antigua China, sino que también sirven como una necesidad para la supervivencia política. [7]
Chu también crea acuarelas de una manera sensual en la que los "temas, figuras y paisajes" se abordan sutilmente. "Si el Pequeño paisaje (1999) de Chu se exhibiera sin el título y se lo sacara del contexto de sus otras obras, uno tomaría el dibujo como puramente abstracto". Fiel al medio de la acuarela, está pintado libremente en colores brillantes en la parte inferior de sus formas animadas y alargadas. Conociendo los "esquemas de color idiosincrásicos" de Chu, "la yuxtaposición de amarillo con lavanda, rojo con verde oliva y rosa con marrón chocolate" puede referirse a "una cascada que fluye a través de un paisaje montañoso accidentado, con el sol brillando a través de una mañana brumosa". [7]
En su cambio de la "figura completa al busto-retrato", Chu se centra de nuevo en lo que caracteriza a un individuo: el rostro. Y, de nuevo, "impone una individualidad a las figuras de la dinastía Tang". "Las personas que aparecen en estos nuevos bustos-retrato son copias de las figuras funerarias de Chu (que, por supuesto, son copias de las figuras de la dinastía Tang)". De forma similar al proceso tradicional empleado por los artesanos chinos, Chu también crea las "mismas figuras repetidamente". Aunque las imágenes de Chu recuerdan a iconos conocidos, de alguna manera se mantienen "separadas, tentativas y, por lo tanto, más poderosas por sus distorsiones o personalizaciones sutiles". "Chu ha creado esculturas en una variedad de tamaños diferentes". Sin embargo, su interés por la escala suele relacionarse con la escala humana desproporcionada que sirve a otros fines. Utiliza este elemento como un "disparador sensorial" para fomentar interpretaciones alternativas. En Guardian and House (1999), "una torre de varios pisos de estilo Han, hecha de uretano naranja brillante, es vigilada por una figura de guardián de hierro fundido que está suspendida del techo". En este caso, en contraposición a las proporciones realistas, "Chu hace que la figura y la torre tengan aproximadamente el mismo tamaño. La mueca del rostro de la figura del guardián tal vez tenga la intención de alejar a los intrusos o a los malos espíritus. Como otro medio de establecer una relación dinámica y desconcertante entre los dos objetos, la superficie nudosa del cuerpo de bronce contrasta con la superficie lisa y elegante de la torre". [7]
"Unas cuerdas conectan los brazos y las cabezas de los títeres a un marco de titiritero fuera de su alcance en el techo, mientras permanecen congelados, como todas las obras de arte, en posturas que solicitan eternamente la atención". Su actuación pasiva termina cuando Chu termina el trabajo de coser, serrar y ensamblar en su estudio. Ahora, cuentan la historia de su propia creación: "Los marcos de alambre están ingeniosamente vestidos para convertirse en torsos. Las cabezas y las manos están cortadas de madera con un vigor rudo que podría llamarse violento si las disposiciones de cuento de hadas de los personajes no fueran tan benignas. Bestial es una diabla macabra que amenaza solo cómicamente, con sus patas de oso caricaturescas y su figura de Humpty-Dumpty. Tracollo , con un elegante pijama, tiene la cara completamente envuelta en vendas, como si su propia talla lo hubiera herido. Charming Girl está sentada sosteniendo a su propio títere en un palo, pero su mano de títere es una masa fusionada sin control de dedos". [9]
Estos personajes carecen de capacidad de acción. Los medios a través de los cuales perciben el mundo se ven comprometidos por “ojos a veces cerrados, a veces articulados parcialmente y ocasionalmente simplemente dejados como un par de agujeros”. Sus manos no pueden formar un puño, lo que les niega la posibilidad de agarrar nada. “Incluso su incompletitud enfatiza su confinamiento a un mundo de objetos materiales: los cables se salen, las costuras se ven y la madera se astilla o se parte”. Parecen estar manipulados por fuerzas más allá de su reconocimiento. Por un lado, “las esculturas de Chu abogan por una vida secreta como una abstracción orientada a los materiales, el formalismo disfrazado de figuración vernácula. El uso ad hoc de madera, alambre y tela, en este argumento, solo pretende servir al contenido teatral”. Por otro lado, las esculturas son “autorretratos expresivos” que reflejan la conformidad social y las actuaciones incontrolables que enredan al artista. [9]
"Pero los grandes juguetes de Chu son delicadamente cosmopolitas con sus alusiones variadas e identificaciones cambiantes, sus energías constructivas sincopadas de corte y costura, su mezcla de gran artificio y practicidad. La obra recluta precursores históricos de China y Europa con una imaginación antropológica fluida. Estamos invitados a escuchar a escondidas las animadas conversaciones entre Chu y el arte de los museos; su charla es íntima, afable, traviesa y llena de expansión afectuosa. Las robustas obras de Chu no representan otras representaciones ni son productos puros de la imaginación. Son singularidades híbridas que realizan ardientemente ambas posibilidades". [9]
Esta obra revela la tendencia de Chu a “difuminar la línea entre el objeto útil y la creación conceptual”. Entre la cabeza y los hombros del oso hay una línea tenue: “una costura, como la de una máscara o el tocado de un disfraz para una mascota o para un teatro”. “Si bien el oso tiene sus propios rasgos distintivos (una cara cerosa, azul, parpadeante y ligeramente contorsionada), su carácter depende de quién se lo pruebe y lo llene con su presencia”. Como tal, esta obra de arte, que presenta un objeto, se convierte en mucho más que una “creación de pseudoescultura blanda en resina fundida”, que implica la animación de lo inerte mediante la intervención humana. [8] [10]
"Colgando flácidamente del techo, la cabra es una marioneta sin sentido del humor. Su forma inquietante y deconstruida también recuerda a un animal descuartizado". Sin embargo, la falta de precisión que se expresa a través de su apariencia libera a los espectadores de esta oscura implicación. "Es una criatura humilde, una ofrenda modesta, pero al mismo tiempo, un desafío tácito, nos guste o no". [8] [11] [12]