La animación experimental es una forma de animación en la que las imágenes en movimiento tienen su propio ritmo y movimiento, mientras que en las películas animadas no hay narración ni una estructura específica. Se considera subjetiva y no lineal y aborda inquietudes filosóficas y espirituales que transmiten los artistas y cineastas.
A pesar de que la historia temprana de la animación experimental aún se está investigando, los artistas y animadores abstractos estadounidenses y europeos desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la animación experimental durante las décadas de 1920 y 1930. [1] La animación experimental ha brindado a las personas la oportunidad de aprender y usar habilidades de animación en trabajos empleables, creando una plataforma para que las mujeres se expresen y combinando el arte abstracto y la tecnología para transmitir un mensaje que puede cambiar la perspectiva de las personas sobre el mundo. [2]
Estudios de animación conocidos, como Walt Disney Animation Studios y Pixar , utilizan los elementos de la animación experimental como herramientas para sus películas animadas de corto y largometraje.
La animación experimental abstracta y de diversas formas ha recorrido un largo camino para convertirse en parte de las artes tradicionales, donde se ha extendido a través de una gran cantidad de exposiciones de arte , festivales de animación , libros y videos relacionados con la animación experimental. La mayoría de los animadores experimentales eran conscientes de que sus obras no estaban obteniendo suficiente reconocimiento en el mundo del entretenimiento, como películas y música . Sin embargo, han podido utilizar la animación como un medio que se utiliza para transmitir sus mensajes o preocupaciones al público. Los animadores pueden usar sus habilidades de animación para involucrarse en actividades lucrativas, como películas y programas de televisión para toda la familia, comerciales de televisión y videos musicales . [3]
En 1912, Leopold Survage comenzó su serie de acuarelas abstractas llamada "Ritmo de color" , donde las planificó en movimiento utilizando técnicas de animación cinematográfica. Sin embargo, no encontró a nadie que estuviera dispuesto a animar su trabajo, por lo que pospuso su proyecto y luego se comprometió a pintar por el resto de su vida. Durante el mismo período, Viking Eggeling luchaba con el concepto de imágenes abstractas como lenguaje universal, y aún no sabía que el cine era un medio. Aunque no había evidencia concreta de que Eggeling conociera el proyecto de Survage, era probable que hubiera oído o leído sobre él ya que su amigo, Amedeo Modigliani, conocía a Survage lo suficientemente bien y que ambos tenían un amigo cercano en común, Tristan Tzara . Tzara presentó a Eggeling a Hans Richter, lo que los llevó a buscar un descubrimiento significativo de formas abstractas mediante el uso de imágenes en movimiento. A lo largo de este viaje, Eggeling creó 'Diagonal Symphony' y Richter hizo 'Rhythm 21' , 'Rhythm 23' y 'Rhythm 25' . Antes de que se produjeran estas películas, Walter Ruttmann exhibió su película abstracta coloreada a mano 'Lightplay Opus I' en Alemania, que fue descrita por Bernhard Diebold como "un nuevo arte, la música-visión de las películas". [4] El papel de Diebold en la influencia de los primeros animadores abstractos no quedó claro cuando revisó pinturas, danza, música y películas en 1916. Sin embargo, fue mentor de Oskar Fischinger , quien comenzó a hacer animación experimental durante la primera proyección de la película de Ruttmann. [4]
La música se incorporó más tarde a las obras de estos primeros animadores abstractos. Survage, Eggeling y Richter compartían un interés común y una historia en la música que habían abandonado para dedicarse a su carrera artística. Mientras luchaban con sus primeros diseños abstractos, Ferruccio Busoni llamó su atención y les sugirió que ampliaran su comprensión del arte abstracto tocando preludios y fugas de Bach . Ruttmann y Fischinger también tenían una historia musical antes de dedicarse al arte. Fischinger fue el primero en combinar talento técnico, musical y artístico en sus obras, además de ser el primero en hacer de la animación abstracta una parte de su carrera artística. [5]
En 1935, las películas de animación abstracta ganaron más reconocimiento en Inglaterra, donde Len Lye y Norman McLaren aportaron nuevas ideas sobre el uso del sonido y el color en la animación. Mientras la animación abstracta triunfaba en Europa, Fischinger, Malaren y Lye continuaron creando animación experimental en América del Norte para continuar con sus carreras de animación abstracta, en las que la animación experimental se mantuvo como un arte norteamericano desde entonces. [6]
Mientras que los primeros animadores abstractos en Europa se convirtieron en una parte enorme del movimiento histórico del arte abstracto y la animación, la calidad de su arte en sus obras atrae la atención del público. Aunque muchas películas apenas reciben un reconocimiento total, su valor sigue creciendo en lugar de disminuir y los animadores logran que sus obras reciban un mayor reconocimiento de un público más amplio mediante el uso de tecnologías de video, computadora y transmisión. [6] [7]
La animación abstracta comenzó a desarrollarse en Nueva York y California . En la década de 1940, Oskar Fischinger , Norman McLaren , John y James Whitney y Dwinell Grant recibieron subvenciones para sus películas abstractas de la Fundación Solomon Guggenheim con la baronesa Hilla Rebay como directora. [8]
La mayoría de los animadores abstractos estadounidenses exhibieron sus películas en programas especiales en el Museo de Arte Moderno o Cinema 16 , que es una sociedad cinematográfica de la ciudad de Nueva York fundada por Amos Vogel . Cinema 16 realizó programas mensuales de películas experimentales y documentales y su éxito inspiró a sociedades cinematográficas más pequeñas en otros lugares, particularmente ciudades universitarias. Por ejemplo, Art in Cinema se presentó en el Museo de Arte de San Francisco , que fue organizado por Richard Foster y Frank Stauffacher . En la década de 1950, el Film Advisory Center de Perry Miller patrocinó varios Festivales de Cine de Arte en la ciudad de Nueva York para presentar animación experimental creada por Mary Ellen Bute , Douglass Crockwell y Francis Lee , así como documentales sobre artistas y arte. [8]
Algunos animadores abstractos estadounidenses se inspiraron o se vieron influenciados por los animadores abstractos europeos. Por ejemplo, Robert Bruce Rogers estaba bajo la influencia de Oskar Fischinger al incorporar música a su “pintura en movimiento” [9] cuando presentó su película ' Motion Painting No. 3 – Rhapsody ' (1951). Su película se basaba en la Rapsodia húngara No. 6 de Liszt y componía un “ingenio espacial tridimensional propio, siendo el campo de operaciones una réplica en escorzo del haz de proyección definitivo: un campo piramidal, de aproximadamente 23 pulgadas por 32 pulgadas en la base del límite del fondo y 38 pulgadas desde la apertura de la cámara como vértice”. [9] Aunque las películas abstractas de Rogers ya no existían, se lo consideraba uno de los creadores estadounidenses de la animación abstracta. [9]
Oskar Fischinger, John y James Whitney y Harry Smith fueron los principales animadores de la nueva generación de animación experimental en la Costa Oeste. Hy Hirsh y Jordan Belson se convirtieron más tarde en parte de los pioneros estadounidenses de la animación abstracta, donde crearon sus propias películas abstractas utilizando patrones de osciloscopio superpuestos impresos en filtros de colores. Su película abstracta 'Come Closer' (1953) se presentó en el Museo de Arte de San Francisco para los festivales Art in Cinema y se la conoció como "la primera película abstracta en 3D". [9]
Cientos de estudiantes se han inscrito en clases de animación cada año a medida que la animación experimental comienza a expandirse en las escuelas de arte, colegios y universidades. La mayoría de los estudiantes han asistido a estas clases porque tienen interés en aprender las habilidades que pueden ayudarlos a conseguir empleo. Mientras tanto, otros asistieron a clases de animación porque ven la animación como un medio artístico con el que se relacionan o pueden expresarse. Jules Engel cree que el futuro de la animación experimental, a la que llama animación de bellas artes, depende de las personas que promoverán el cine abstracto como galerías. [10]
Las mujeres han tenido la oportunidad de aprender técnicas de animación en las universidades y escuelas de arte y convertirse en animadoras por derecho propio. En la década de 1970, se realizó la primera ola de películas animadas en las que las mujeres podían expresarse y contar sus autobiografías emocionales. Además, los personajes femeninos de las películas animadas han desarrollado personalidades a medida que muestran sus emociones. Sin embargo, muchas animadoras han abandonado sus carreras de cine de animación para poder trabajar en películas de acción real. Esto no indica que la animación esté fracasando; en cambio, les brinda a las animadoras una mejor comprensión y experiencia sobre el proceso de animación. También es su decisión continuar con sus carreras de animación debido a sus habilidades, carácter y compromiso. [11]
El crecimiento de la tecnología, la informática y la comunicación electrónica está produciendo cambios profundos en el entorno cultural, que han afectado significativamente a la percepción que la gente tiene del mundo. Debido a la animación experimental, los jóvenes animadores se están centrando actualmente en utilizar sus habilidades creativas en la publicidad televisiva y los vídeos musicales en lugar de dedicarse a proyectos artísticos. [7]
Se cree que el libro Expanded Cinema de Gene Youngblood es el creador del movimiento "Expanded Cinema", en el que las películas se consideran una forma de arte y se establece el campo de las artes mediáticas. Youngblood también explica que el cine expandido requiere una conciencia que pueda llegar a través de las tecnologías cinematográficas. Su principal objetivo es que el cine forme parte de los medios artísticos utilizando el cine como un medio para rechazar las expectativas de estandarización de la industria. [12]
Se sabe que la práctica y la teoría de los medios intermedios son el aspecto central del cine expandido y la animación experimental, donde los animadores utilizan diferentes calidades de medios en sus películas. Stan VanDerBeek es conocido por tender un puente entre la animación experimental y el cine expandido, ya que le fascinan los movimientos libres en la animación al emplear diferentes formas de arte en su película Move Movies (1965). También se le considera el fundador del intermedia, ya que su trabajo enfatiza las cualidades diferenciales de los medios combinados. [13]
La abstracción también juega un papel importante en la unión de la animación experimental y el cine expandido. Las películas abstractas aportan imágenes que pueden no tener referencias del mundo real, pero que también abarcan la captura de un significado más profundo que puede dar forma a las perspectivas y expectativas tradicionales de la sociedad sobre el mundo real. [14] Y pueden presentarse en una gama que va desde la animación tradicional hasta la animación por computadora . Existen varias conexiones entre el cine expandido, la animación experimental y el cine, y las artes en general.
La animación experimental es subjetiva, es la forma más pura y compleja de animación y requiere que el artista invente formas, figuras y colores únicos que tengan su propio ritmo y movimiento de una manera nueva y experimental. [15]
La animación experimental no tiene una continuidad lógica y lineal, sino que se define como una película animada con conexiones ilógicas, irracionales y múltiples, debido a que ignora la estructura narrativa o narrativa. [15]
La animación experimental ignora la naturaleza conservadora y predecible del mundo exterior porque generalmente se centra en las formas abstractas en movimiento. Debido a su naturaleza subjetiva, los espectadores tienen diferentes perspectivas ya que interpretan las obras animadas experimentales por sí mismos y crean sus propios significados y especulaciones que están más allá del valor superficial. Por lo tanto, la animación experimental utiliza la animación de una manera metafórica, pero no apoya por completo el área de lo puramente
Resumen. [16]
En la animación experimental, las formas, figuras y colores son el centro de atención, ya que simbolizan y evocan las emociones y pensamientos del artista o cineasta. Los cineastas sugieren que estos aspectos deberían tener sus propios derechos en cuanto a ritmo y movimiento, en lugar de estar involucrados en una estructura específica de una narrativa. [17]
En la animación experimental se combinan diferentes estilos de animación, en los que se aprovechan las múltiples capas de previsión personal del artista, se cuestiona y reelabora la estructura de la animación ortodoxa y se crean nuevos efectos de animación. [17]
Se sabe que la animación experimental es una expresión personal, subjetiva y original que transmiten los artistas sobre temas específicos. Debido a la relación emocional y espiritual entre el artista y su obra, el público también desarrolla conexiones emocionales, filosóficas y espirituales con el artista. La animación experimental se centra en las preocupaciones filosóficas y espirituales, así como en los sentimientos personales del artista o cineasta. [17]
Existe una fuerte relación entre la animación experimental y la música, donde la música puede visualizarse como colores y formas que pueden moverse a diferentes ritmos y velocidades. También se afirma que "la animación y el sonido tienen una relación psicológica y emocional que puede expresarse a través de la forma libre que caracteriza a la animación". [18] La animación experimental a menudo se resiste al diálogo, los efectos de sonido cliché y la emotividad fácil de ciertos géneros musicales. En cambio, el silencio, una banda sonora de vanguardia y sonidos inusuales se utilizan en las películas de animación experimental para crear una variedad de mensajes más profundos que el artista o el cineasta transmite. [18]
Mientras que la animación experimental es subjetiva y no lineal, la animación ortodoxa se utiliza comúnmente como el método más apropiado para dibujos animados donde las figuras pueden identificarse como un ser humano y una criatura ortodoxos. La animación ortodoxa tiene una continuidad específica o lógica al priorizar el personaje y el contexto para crear un escenario, mientras que la animación experimental tiene continuidades no lineales y múltiples que no tienen contexto. También es importante saber que la animación ortodoxa tiene una forma narrativa que se mantiene en su lugar por la continuidad específica. Quiere que el público se centre en su contenido, específicamente en el personaje y la narrativa en lugar de centrarse en los colores, diseños y materiales que muestran la falta de presencia del artista en su trabajo. Mientras que la animación experimental tiene múltiples capas y estilos, la animación ortodoxa sigue siendo consistente, es decir, tiene un estilo bidimensional fijo en lugar de los modos tridimensionales. En la animación ortodoxa, los personajes de dibujos animados a menudo se definen por la dinámica del diálogo; Por ejemplo, Bugs Bunny ha sido un personaje popular en los Looney Tunes de Warner Brothers debido a su icónico dicho mientras mastica zanahoria: "¿Qué pasa, doctor?". [19]
El crítico de cine Leonard Maltin describe a Walt Disney como un artista futurista , surrealista y abstracto , particularmente cuando creó Fantasía (1940), que sigue siendo "una de las películas más asombrosas que jamás haya salido de Hollywood". [20] John C. Flinn Sr. (1940) define Fantasía como un experimento exitoso que resalta la relación entre la animación y la música clásica. Disney había colaborado con su propio personal de animadores y narradores altamente capacitados junto con Leopold Stokowski y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia . La película ilustra cómo se representa la música clásica a través de los dibujos y coloreados únicos y creativos de los animadores. [21]
Su secuela Fantasía 2000 (1999) incorpora música clásica y moderna. En la escena de apertura, se presenta la Sinfonía n.º 5 de Beethoven , que está representada visualmente por los movimientos abstractos de triángulos en forma de mariposa que se mueven al ritmo de la música. [22] En su tercer segmento, la Rapsodia en azul de George Gershwin se presentó mediante el uso de dibujos lineales y diseños abstractos (al estilo del dibujante Al Hirschfeld ) e historias fragmentarias para ilustrar cuentos emocionales que se relacionan con la música. [22]