Ann Hamilton es una artista visual estadounidense que surgió a principios de la década de 1980 conocida por sus instalaciones multimedia a gran escala. Después de recibir su Licenciatura en Bellas Artes en diseño textil de la Universidad de Kansas en 1979, vivió en Banff, Alberta , y Montreal, Quebec , Canadá antes de decidirse a cursar una Maestría en Bellas Artes en escultura en Yale en 1983. [1] De 1985 a 1991, enseñó en la facultad de la Universidad de California en Santa Bárbara . Desde 2001, Hamilton ha sido miembro de la facultad del Departamento de Arte de la Universidad Estatal de Ohio . Fue nombrada Profesora Universitaria Distinguida en 2011. [2]
Ann Hamilton nació en Lima, Ohio . [3] Asistió a la Universidad St. Lawrence de 1974 a 1976; a la Universidad de Kansas, BFA en Diseño Textil, 1979; a la Escuela de Arte de Yale , MFA en Escultura, 1985. [4] Actualmente reside en Columbus, Ohio, con su esposo Michael Mercil, también artista. [5]
Aunque Hamilton estudió diseño textil durante toda su carrera universitaria, decidió deliberadamente centrarse en la escultura en lugar del tejido como concentración en la escuela de posgrado. Afirma que, al tomar esa decisión, estaba “interesada en las relaciones entre las cosas en el espacio. Y más importante que las cosas en sí es la forma en que se relacionan”. [6] Mientras estaba en Canadá, y enseñando en la UC Santa Barbara, Hamilton comenzó a crear un arte interdisciplinario con textiles “tejidos” con fotografía y performance; a menudo dando como resultado diferentes elementos combinados en una imagen o que incluyen textiles como camisas planchadas o uniformes de trabajo. [7]
Además de su formación académica, se identifica como lectora : de espacio, de objetos, [6] de crítica literaria, de poesía e incluso de diccionarios; por lo tanto, el acto de leer, las palabras y los libros a menudo se abren camino en sus instalaciones, videos y objetos creados. [1] Su trabajo también explora temas de humanidad, desde el género y el cuerpo hasta el sufrimiento y el poder. [8] Como artista conceptual que trabaja con video, sonido e instalaciones interactivas, los elementos del tiempo, el cambio y la decadencia también juegan un papel en su trabajo. [9] Las instalaciones de Hamilton están pensadas para ser experimentadas con todos los sentidos, a menudo incorporando elementos como el sonido y el olfato que instan al espectador a conectarse y participar en la obra a un nivel multisensorial. Sus obras también responden a menudo a los espacios y ciudades en los que se crean , utilizando objetos que reflejan la historia y la identidad de la cultura. [7]
adecuadamente posicionado
Una de las primeras instalaciones de Hamilton, Suitably positioned (Posicionada adecuadamente ), de 1984, marcó el tono de sus obras posteriores, abarcando muchos de sus métodos artísticos: instalación, creación de objetos, fotografía y performance. [6] Para esta pieza, construyó un traje hecho con un traje de hombre de segunda mano y palillos de dientes . [10] Luego permaneció de pie, con el traje puesto, durante la instalación dentro del estudio mientras los espectadores caminaban alrededor de la artista sin interactuar con ella. El traje se hizo originalmente como parte de una obra titulada Room in search of a position (Habitación en busca de una posición ), que, después de la exposición, Hamilton creyó que no alcanzó el éxito pictórico y decidió repensar su uso de estos objetos hechos. [6] [11] Sin embargo, Hamilton incorporó más tarde el traje de palillo de dientes en una instalación titulada Suitably positioned (Posicionada adecuadamente) , que finalmente creó una conexión entre el objeto, un traje, y la figura, ella misma dentro del traje. Esta instalación se asoció directamente con su serie de objetos corporales . [6]
serie de objetos corporales
Mientras trabajaba en Suitablely Positioned , Hamilton comenzó a pensar en su tema de manera diferente, con la esperanza de crear una instalación que "demuestre una relación en lugar de hacer una imagen de una relación". [6] Este pensamiento llevó a Hamilton a comenzar a crear su serie de objetos corporales , una colección de fotografías producidas por primera vez en 1984 con ediciones posteriores producidas en 1987, 1994 y 2006. Trabajando con el fotógrafo Bob McMurtry en la serie, Hamilton tomó fotografías de sí misma usando objetos construidos como su traje de palillo de dientes. [6] Las coberturas del cuerpo en estas fotografías representan lo que Hamilton llama "la articulación del yo en los límites del cuerpo". [7]
privaciones y excesos
En San Francisco, Hamilton expuso privaciones y excesos como parte del Capp Street Project en 1989. La artista utilizó 7.500 dólares en monedas de un centavo para cubrir una gran parte del suelo de la galería, que estaba adherido a la superficie con una fina capa de miel. En una silla, al borde del campo de miel y monedas de un centavo, se sentaba una figura (a veces la propia artista) retorciéndose las manos dentro de un sombrero lleno de miel. [7]
palimpsesto
En colaboración con Kathryn Clark, la instalación del palimpsesto fue parte de una exposición grupal en el New Museum of Contemporary Art, Nueva York, "Strange Attractors: Signs of Chaos" en 1989. [12] La instalación se organizó en dos zonas, una que demostraba la memoria perdida y la otra la memoria experimentada. [12] La primera estaba en el espacio de exhibición de la ventana del lado de la calle del museo, cuyas paredes traseras y laterales estaban cubiertas con textos impresos en bloques, usando betún para zapatos como tinta. [12] En un taburete alto, debajo de una hebra rota de alambre de nicromo, un sombrero de fieltro estaba boca abajo cubierto de cera de abejas y grafito. [12] La segunda parte de la instalación era una habitación a la que los visitantes podían ingresar, llena del aroma de cera de abejas y el sonido del papel revoloteando. [12] Las paredes interiores del espacio cerrado estaban cubiertas con pequeños trozos de papel de periódico descolorido con recuerdos escritos a mano, cada uno unido con una sola tachuela, que crujían constantemente desde un ventilador fijado sobre la puerta. [12] En el centro de la sala había una vitrina de acero y cristal, en cuyo interior había dos coles, que recordaban hemisferios cerebrales, siendo devoradas por una colonia de caracoles. [12]
azul índigo
Indigo Blue, una de las obras más conocidas de Hamilton, se exhibió por primera vez en un garaje cerca del mercado público en Charleston, Carolina del Sur, en 1991. [13] Ella creó la pieza como un trabajo encargado como parte de la exposición Places with a Past dentro del Festival de Spoleto , en el que los artistas eligieron un sitio y respondieron tanto al contexto histórico como actual de la ciudad. [14] La instalación fue un homenaje al trabajo, comentando respetuosamente y recordando el proceso del trabajo manual a través de elementos escultóricos como una pila de 47,000 uniformes de trabajo azules y sacos llenos de soja colgados en una pared. [13] Detrás de los uniformes apilados, un escritor estaba sentado en otra mesa, aplicando un borrador y saliva a pequeños libros con tapa azul, trabajando uno por uno de atrás hacia adelante para eliminar la escritura del interior, dejando que las virutas del borrador se acumularan dentro de los libros durante la duración de la instalación. [14] Esta acción de borrar el pasado sirvió como otro recuerdo del trabajo, [6] y los nombres bordados en las camisas hacían eco de la historia de los trabajadores que vivían en la ciudad. [7] La pared del fondo sostenía las bolsas colgantes de soja que lentamente se derramaban y comenzaban a brotar del aire húmedo dentro del espacio, llamando la atención sobre la atmósfera de Carolina del Sur. [13] El título de la exposición, así como la incorporación de objetos azules, también hacía referencia a la historia de Charleston y al significado económico del índigo como planta y tinte en la ciudad. [6] La obra fue adquirida y exhibida más tarde por el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 2007. [15]
tropos
En 1993, presentó su pieza Tropos en el Centro de Artes Dia . La palabra griega tropos indica un giro, físico o figurativo. Para la obra de arte, Hamilton cubrió todo el piso del almacén con crines de caballo entrelazadas de varios colores. Se sentó en una mesa pequeña, ubicada en el medio de la habitación. Mientras estaba sentada en la mesa, quemó cuidadosamente cada palabra de un libro con una bobina eléctrica calentada. [16]
Parque ribereño de Allegheny
(1993–2001) Entre este período, numerosos diseñadores y artistas, entre ellos Ann Hamilton, se unieron para crear un nuevo diseño de parque para Allegheny Riverfront Park en Pittsburgh, Pensilvania. Este parque incluiría un nivel inferior que tendría treinta y cinco pies de ancho y casi una milla de largo, así como un nivel superior que recorrería el bulevar Fort Dusquesne. Si bien sabían que la ciudad tenía tráfico, los artistas querían mantenerse fieles al aspecto ajetreado de la ciudad y crear belleza en la naturaleza. Crearon un paseo marítimo con árboles que lo recorrieran hasta el final, bordes de piedra que se usarían como lugares para sentarse; en general, los artistas pretendían crear un lugar tranquilo con una hermosa vista de la ciudad. [17]
La imagen sigue igual
Este vídeo se exhibió en Taura, Japón, en 2001. [6] [18] Para crear el vídeo, Hamilton utilizó una pequeña cámara de vigilancia situada muy cerca de una fotografía en blanco y negro de su hijo, sobre la que movió la mano en un movimiento continuo y lento. Debido a la posición de la cámara, el pequeño objetivo y el movimiento de la mano, que ella llama "mirar con la mano", la imagen del vídeo suele ser abstracta y desenfocada, un desenfoque de bocas y narices. [6] La artista afirma que el movimiento ilustra que " la imagen está quieta ... como si no se moviera... pero también como si estuviera 'aquí quieta'... la forma en que la historia acecha y habita el presente". [6]
carro humano
La exposición The Third Mind (La tercera mente) del Museo Solomon R. Guggenheim de 2009 invitó a varios artistas estadounidenses a contemplar y representar las formas en que la literatura, el arte y la filosofía asiáticos se incorporan a las trayectorias culturales estadounidenses, las modifican y las transforman. [19] Hamilton participó en la exposición y creó una instalación titulada Human carriage (Carruaje humano). La instalación de la artista reflejaba sus intereses en la humanidad, el lenguaje, el texto y el material físico [20] y hacía referencia al movimiento y la transmisión de información cultural e identidad mediante el uso de libros y un mecanismo manual de viaje. La artista unió secciones transversales de volúmenes de libros, a los que llamó "pesos de libros", que se almacenaron en pilas en la parte superior del museo. [21] Luego, los pesos de los libros se sujetaron a un "carro" con sistema de poleas operado por un "lector" en la parte superior del museo que devolvía manualmente el carro a la parte inferior de la rotonda donde los libros encuadernados se acumulaban en una pila. A lo largo de las rampas en espiral existentes en el edificio, Hamilton también construyó un tubo en espiral que actuaba como mecanismo de desplazamiento para un carro de campana más pequeño que albergaba platillos tibetanos. [20] Antes del descenso de cada peso de libro, el "lector" soltaba este carro de campana para que se deslizara a lo largo del tubo, llenando el espacio con su sonido mientras giraba en espiral a través de la rotonda antes de encontrarse con los libros al final de la rampa. [20]
el evento de un hilo
En 2012, Hamilton exhibió su instalación The event of a thread en el Park Avenue Armory de la ciudad de Nueva York. [22] [23] La instalación presentaba una cortina blanca puntuada por grandes columpios que abarcaban los 55.000 pies cuadrados de espacio. La instalación, como muchas de las obras de Hamilton, cambiaba con el tiempo, involucrando al público en una experiencia interconectada y multisensorial del espacio. [24] Para esta instalación, la artista utilizó radios en bolsas de papel que estaban disponibles para que los espectadores las llevaran consigo; el audio de estas radios era transmitido por dos actores de la compañía de teatro SITI que leían selecciones de textos de varios autores en un extremo de la sala. [22] En el otro extremo, un escritor estaba sentado en un escritorio, escribiendo oraciones. La obra de arte cambiaba día a día; los murmullos, los timbres de los teléfonos móviles y las risas de los espectadores, así como los sonidos de la lectura, la escritura y el arrullo de las palomas, mientras el balanceo de los espectadores balanceaba la cortina. El público pudo interactuar con el espacio de maneras tales como: balanceándose, mirando a través de una ventana, recostándose en el suelo o caminando a través de la exposición. [22]
El sentido común
La directora del museo Sylvia Wolf encargó a Hamilton la creación de nuevas obras para una exposición que se extendería por todo el museo en la Henry Art Gallery de Seattle, llamada Common SENS E. Hamilton recurrió a colecciones del Museo Burke de Historia Natural y Cultura y a fondos de las Colecciones Especiales de las Bibliotecas de la Universidad de Washington para crear una exposición sobre los animales, los puntos en común que compartimos con ellos y nuestros usos de los animales. [25]
Proyecto de la estación de metro de Cortlandt Street
.jpg/1280px-New_WTC_Cortlandt_1_Station_(30685500988).jpg)
El Programa de Arte y Diseño de la Autoridad de Transporte Metropolitano de la Ciudad de Nueva York encargó a Hamilton la creación de un proyecto artístico como parte de la reconstrucción de la estación de metro de Cortlandt Street de Manhattan , destruida el 11 de septiembre de 2001. Este proyecto, que se completará en 2018, es similar a su trabajo anterior, VERSE , en el sentido de que entrelaza palabras, pero en este caso específico utiliza textos de documentos históricos notables como la Declaración de Independencia y la Declaración Universal de Derechos Humanos . El texto es blanco y aparece sobre o dentro de la superficie de las paredes blancas de la estación, cubriendo hasta el 70 por ciento de la superficie de las paredes. Como en gran parte de su trabajo, Hamilton pretende que este proyecto sea experimentado en lugar de simplemente visto. Destinado a que cada persona que viaja a través de la estación tenga una relación diferente con estas palabras. [26]
UNO PARA TODOS
Hamilton fotografía a numerosas personas de distintas razas y etnias a través de una membrana o ventana semitransparente. La única vez que el espectador podía ver una imagen con claridad era cuando la persona tocaba la membrana. En dos lados opuestos, Hamilton daba instrucciones al sujeto para que se moviera como ella quería, confiando únicamente en su voz para darles instrucciones. Hamilton siente que esto se relaciona con el campo médico, en el que siempre se espera respuestas, chequeos y se tiene una percepción semiciega de lo que está sucediendo y se confía únicamente en una voz, no en una persona física. [27]
Hamilton ha expuesto en todo el mundo, entre otros lugares: [28] [ se necesita una fuente no primaria ]
Premio Heinz en las Artes y las Humanidades (2008), Beca de Artistas de los Estados Unidos (2007), Premio de Diseño de Lugares de la Asociación de Investigación de Diseño Ambiental (2002), Premio de Diseño de la Sociedad Estadounidense de Arquitectos Paisajistas (2002), Premio de la Fundación Larry Aldrich (1998), Premio de Citación de Arquitectura Progresiva (1997), Residencia del Centro Wexner para las Artes (1995), Beca de Artes Visuales de la NEA (1993), Beca MacArthur (1993), Medalla Skowhegan de Escultura (1992), Premio de la Fundación Louis Comfort Tiffany (1990), Premio en las Artes Visuales 9 (1990), Beca Guggenheim Memorial (1989) y Premio Bessie, Premio Anual de Nueva York en las Artes Escénicas (1988). [ cita requerida ]
En 2014, la Universidad Estatal de Ohio anunció que estaba compilando un archivo llamado Archivo del Proyecto Ann Hamilton, que mantendrá imágenes de más de 35 instalaciones de Hamilton. [44] Y en septiembre de 2015, Hamilton recibió la Medalla Nacional de las Artes . [45]
{{cite book}}: Mantenimiento de CS1: otros ( enlace )
