Amy Marcy Cheney Beach (5 de septiembre de 1867 - 27 de diciembre de 1944) fue una compositora y pianista estadounidense. Fue la primera compositora estadounidense exitosa de música artística a gran escala . Su Sinfonía "gaélica" , estrenada por la Orquesta Sinfónica de Boston en 1896, fue la primera sinfonía compuesta y publicada por una mujer estadounidense. Fue una de las primeras compositoras estadounidenses en triunfar sin el beneficio de una formación europea, y una de las compositoras estadounidenses más respetadas y aclamadas de su época. Como pianista, fue aclamada por los conciertos que ofreció con su propia música en Estados Unidos y Alemania.
Amy Marcy Cheney nació en Henniker, New Hampshire , el 5 de septiembre de 1867 [1], hija de Charles Abbott Cheney (sobrino de Oren B. Cheney , cofundador de Bates College ) y Clara Imogene (Marcy) Cheney. La habilidad artística era hereditaria: Clara tenía fama de ser una "excelente pianista y cantante", [2] mientras que Amy mostraba todos los signos de ser una niña prodigio. Podía cantar cuarenta canciones con precisión al año de edad, era capaz de improvisar contramelodías a los dos años y aprendió a leer por sí misma a los tres años. [3] A los cuatro años, compuso tres valses para piano durante un verano en la granja de su abuelo en West Henniker, NH, [4] a pesar de la ausencia de un piano; en cambio, compuso las piezas mentalmente y las tocó cuando regresó a casa. También podía tocar música de oído, incluidos himnos en cuatro partes. Estos extraordinarios talentos musicales a tan temprana edad pueden asociarse con ciertas condiciones innatas que poseía. En primer lugar, poseía un oído perfecto , lo que le permitía tocar música enteramente de oído. Además, experimentó sinestesia , una condición en la que cada tecla se asociaba con un color particular. Esta mayor sensibilidad a las teclas hizo que tocar de oído le resultara más factible en comparación con músicos sin tales habilidades. Estas habilidades inherentes no sólo la definieron como un prodigio notable sino que también alimentaron su deseo de excelencia musical. [5] La familia luchó por mantenerse al día con sus intereses y demandas musicales. Su madre cantaba y tocaba para ella, pero intentó impedir que la niña tocara el piano familiar, creyendo que satisfacer los deseos de la niña a este respecto dañaría la autoridad paterna. [6] Amy a menudo ordenaba qué música se tocaba en el hogar, enfureciéndose si no cumplía con sus estándares. [ cita necesaria ]
Amy comenzó a recibir lecciones formales de piano con su madre a los seis años y pronto dio recitales públicos de obras de Handel , Beethoven y Chopin , así como de sus propias piezas. Uno de esos recital fue reseñado en la revista de arte The Folio, y varios agentes propusieron giras de conciertos para la joven pianista, que sus padres rechazaron, una decisión que Amy agradeció más tarde. [7]
En 1875, la familia Cheney se mudó a Chelsea , un suburbio justo al otro lado del río Mystic desde Boston . [8] Allí les aconsejaron que inscribieran a Amy en un conservatorio europeo, pero optaron por una formación local, contratando a Ernst Perabo y más tarde a Carl Baermann (él mismo alumno de Franz Liszt ) como profesores de piano. [9] En 1881-82, el joven de catorce años también estudió armonía y contrapunto con Junius W. Hill. [10] Esta sería su única instrucción formal como compositora, pero "[e]l recopiló todos los libros que pudo encontrar sobre teoría, composición y orquestación... aprendió por sí misma... contrapunto , armonía , fuga ", [ 11] incluso tradujo al inglés los tratados franceses sobre orquestación de Gevaert y Berlioz , considerados "la biblia de la mayoría de los compositores". [12]
Amy Cheney hizo su debut en concierto a los dieciséis años el 18 de octubre de 1883, en un "Promenade Concert" dirigido por Adolph Neuendorff en el Music Hall de Boston, donde interpretó el Rondo de Chopin en mi bemol y fue piano solista en el piano de Moscheles . Concierto n.° 3 en sol menor, con aclamación general: como comenta el biógrafo Fried Block, "[e]s difícil imaginar una reacción crítica más positiva ante un debut", y su público estaba "en extremo entusiasmado". [13] Los siguientes dos años de su carrera incluyeron actuaciones en Chickering Hall , y protagonizó la actuación final de la temporada 1884-1885 de la Sinfónica de Boston. [14]
Amy recordaría más tarde un ensayo de un concierto de Mendelssohn en 1885, cuando el director ralentizó la orquesta durante el último movimiento, intentando ser suave con el solista adolescente. Cuando comenzó la parte de piano, sin embargo, tocó al ritmo prescrito: "No sabía que me estaba perdonando, pero sí sabía que el tempo se alargaba y puse la orquesta en el compás". [15]
Amy se casó el mismo año (1885) con el Dr. Henry Harris Aubrey Beach (1843-1910) [16] [17] ), un cirujano de Boston, profesor de Harvard y cantante aficionado veinticuatro años mayor que ella (tenía dieciocho en el tiempo). [18] Su nombre aparecería posteriormente en programas de conciertos y composiciones publicadas como "Mrs. HHA Beach". [19]
El matrimonio estuvo condicionado a su voluntad de "vivir de acuerdo con su estatus, es decir, funcionar como matrona de sociedad y mecenas de las artes. Ella acordó nunca enseñar piano, una actividad ampliamente asociada con las mujeres" y considerada como una fuente de "dinero para gastos". ". [20] Además, acordó limitar las presentaciones a dos recitales públicos por año, donando las ganancias a organizaciones benéficas, y dedicarse más a la composición que a la interpretación (aunque, como ella misma escribió, "pensé que era pianista ante todo. " [21] ) Su educación autoguiada en composición también fue necesaria para el Dr. Beach, quien desaprobaba que su esposa estudiara con un tutor. Restricciones como estas eran típicas de las mujeres de clase media y alta de la época: como le explicó a su homóloga europea, Fanny Mendelssohn , "la música tal vez se convierta en su profesión [la de Felix Mendelssohn , el hermano de Fanny ], mientras que para ti puede y debe ser sólo un adorno." [22]
Al recordar su vida matrimonial en 1942, Beach afirmó: "Yo era feliz y él estaba contento" y "Yo pertenecía a un período feliz que tal vez nunca vuelva a suceder". Actuando en Alemania después de la muerte de Henry en 1910, abandonó la "Mrs. HHA" por "Amy", aparentemente porque la "Mrs." desconcertó al público alemán, pero a partir de entonces utilizó Mrs. HHA Beach por el resto de su vida. [23]
Un gran éxito compositivo le llegó con su Misa en mi bemol mayor , que fue interpretada en 1892 por la orquesta de la Sociedad Handel y Haydn , [24] que desde su fundación en 1815 nunca había interpretado una pieza compuesta por una mujer. Críticos de música de periódicos [ ¿cuáles? ] respondió a la Misa declarando a Beach uno de los compositores más destacados de Estados Unidos, [25] comparando la pieza con las Misas de Cherubini y Bach . [26]
Beach siguió esto con un hito importante en la historia de la música: su Sinfonía gaélica , la primera sinfonía compuesta y publicada por una mujer estadounidense. Se estrenó el 30 de octubre de 1896, interpretada por la Sinfónica de Boston "con un éxito excepcional", [27] aunque "cualesquiera que fueran los méritos o defectos de la sinfonía, los críticos hicieron todo lo posible en sus intentos de relacionarlos con la obra del compositor". sexo." [28] El compositor George Whitefield Chadwick (1854-1931) escribió a Beach que él y su colega Horatio Parker (1863-1919) habían asistido al estreno de la Sinfónica Gaélica y lo habían disfrutado mucho: "Siempre siento un escalofrío de orgullo cuando escucho "Es un buen trabajo de cualquiera de nosotros y, como tal, tendrás que contar contigo, te guste o no, uno de los chicos". [29] Estos "muchachos" eran un grupo de compositores conocidos extraoficialmente como la Segunda Escuela de Nueva Inglaterra , e incluían no solo a Chadwick y Parker sino también a John Knowles Paine (1839-1926), Arthur Foote (1853-1937) y Edward MacDowell. (1860-1908). Con la incorporación de Beach, pasaron a ser conocidos colectivamente como los Boston Six , de los cuales Beach era el más joven.
En 1900, la Sinfónica de Boston estrenó el Concierto para piano de Beach , con el compositor como solista. [30] Se ha sugerido que la pieza sugiere las luchas de Beach contra su madre y su marido por el control de su vida musical. [31] En total, Beach fue una de las primeras mujeres estadounidenses que recibió gran popularidad por componer sinfonías. [32]
El marido de Beach murió en junio de 1910 (la pareja no había tenido hijos) y su madre 7 meses después. Su padre, Charles Cheney, había muerto en 1895. [33] Beach se sintió incapaz de trabajar durante un tiempo. Se fue a Europa con la esperanza de recuperarse allí. En Europa cambió su nombre a "Amy Beach". [34] Viajó junto con Marcella (Marcia) Craft , una soprano estadounidense que era " prima donna de la Ópera Real de Berlín". [35] El primer año de Beach en Europa "fue de descanso casi total". [36] En 1912 volvió gradualmente a dar conciertos. Su debut europeo fue en Dresde , en octubre de 1912, tocando su sonata para violín y piano con el violinista "Dr. Bülau", con críticas favorables. [37] En Munich, en enero de 1913, dio un concierto, nuevamente con su sonata para violín, pero ahora con tres conjuntos de canciones, dos propias y una de Brahms , y música para piano solo de Bach, Beethoven y Brahms. Dos críticos fueron bastante desfavorables y uno calificó las canciones de Beach de " cursis ". [38] Ella no se inmutó y dijo que la audiencia era "numerosa y muy entusiasta". [39] Surgió una demanda de partituras de las canciones de Beach y piezas para piano solo, más allá de la oferta que el editor de Beach, Arthur P. Schmidt, tenía disponible para las tiendas de música alemanas. [39] Más tarde, en enero, todavía en Munich, actuó en su quinteto con piano; un crítico elogió más su composición, que no le gustó mucho, que su forma de tocar. [39] En otro concierto en Breslau, sólo tres canciones de Beach estaban en el programa, menos que en Munich.
En noviembre-diciembre de 1913 interpretó la parte solista de su Concierto para piano con orquestas en Leipzig , Hamburgo y Berlín . [27] Su Sinfonía gaélica también se interpretó en Hamburgo y Leipzig. [40] Un crítico de Hamburgo escribió "tenemos ante nosotros sin lugar a dudas a un poseedor de dotes musicales del más alto nivel; una naturaleza musical tocada de genio". [40] Fue recibida como la primera mujer estadounidense "capaz de componer música de excelencia europea". [27]
Beach regresó a Estados Unidos en 1914, poco después del comienzo de la Primera Guerra Mundial . Beach y Craft hicieron declaraciones proalemanas a la prensa estadounidense, pero Beach dijo que su lealtad era "a la Alemania musical, no a la militarista". Le dio algunos manuscritos de música que había escrito en Europa a Craft, quien los trajo de regreso a los Estados Unidos. Beach retrasó su partida hasta septiembre de 1914, por lo que le confiscaron otro baúl lleno de manuscritos en la frontera belga . [41] Beach finalmente recuperó el baúl y su contenido en 1929. [42]
En 1915, la Exposición Internacional Panamá-Pacífico en San Francisco conmemoró la apertura del Canal de Panamá y la recuperación de la ciudad del terremoto y el incendio de 1906 . Amy Beach fue honrada a menudo con conciertos de su música y recepciones durante 1915, y su Himno de Panamá fue encargado para la ocasión. [18] [43] En 1915, y nuevamente en 1916, Beach visitó a su tía Franc y a su prima Ethel en San Francisco , quienes para entonces eran sus parientes vivos más cercanos. [44] Alrededor del 6 de agosto de 1916, Beach, Franc y Ethel abandonaron San Francisco juntos, dejando atrás al marido de Franc, Lyman Clement, un "matrimonio de cincuenta años roto", por razones desconocidas. [45] Las tres mujeres se establecieron en Hillsborough, New Hampshire, donde había nacido la madre de Franc y Beach. Lyman Clement "se instaló" en un Hogar de Veteranos en California desde 1917 hasta su muerte en 1922. [45] Después de 1916, "Hillsborough fue la residencia oficial de Beach: allí votó en las elecciones presidenciales". [45] En 1918, su prima Ethel "desarrolló una enfermedad terminal" y pasó tiempo cuidándola, ya que Franc, a la edad de 75 años, "difícilmente" podía hacerlo sola. [46]
Aparte de las giras de conciertos y el tiempo de la enfermedad de Ethel hasta su muerte en 1920, [47] Beach también pasó parte de su tiempo en la ciudad de Nueva York . Alguien le había preguntado si era hija de la señora HHA Beach. Reanudó el uso de ese apellido de casada, pero usó "Amy Beach" en ex libris y material de oficina. [48] Durante algunos veranos, compuso en su cabaña en Centerville, Massachusetts en Cape Cod.
Si bien continuó obteniendo ingresos de sus composiciones publicadas por Arthur P. Schmidt, durante 1914-1921 hizo publicar nuevas composiciones por G. Schirmer . La cabaña de Centerville se había construido en una propiedad de cinco acres que Beach había comprado con los derechos de autor de una canción, Ecstasy , 1892, la más exitosa hasta entonces. [49]
A partir de 1921 pasó parte de cada verano como becaria en la MacDowell Colony en Peterborough, New Hampshire , donde compuso varias obras y conoció a otras compositoras y/o músicos, entre ellas Emilie Frances Bauer , Marion Bauer , Mabel Wheeler Daniels , Fannie. Charles Dillon y Ethel Glenn Hier , quienes "fueron o se convirtieron en amigos desde hace mucho tiempo" de Beach. [50] Pero había "divisiones generacionales y de género" entre los becarios en la música, con cierta sensación de que la música de Beach "ya no estaba de moda". [51]
En 1924, Beach vendió la casa en Boston que había heredado de su marido. Su tía Franc se había vuelto "débil" alrededor de 1920, [52] desarrolló demencia en 1924 y murió en noviembre de 1925 en Hillsborough, [53] después de lo cual Beach no tuvo parientes sobrevivientes tan cercanos como lo habían sido Ethel y Franc. En el otoño de 1930, Beach alquiló un estudio en Nueva York. [54] Allí se convirtió en virtual compositora residente en la Iglesia Episcopal de San Bartolomé . Su música se había utilizado durante los 20 años anteriores en los servicios de la iglesia, atribuidos a "H. H. A. Beach", con "Mrs." añadido sólo a partir de 1931. [55]
Utilizó su condición de principal compositora estadounidense para impulsar las carreras de músicos jóvenes. Si bien había acordado no dar lecciones privadas de música mientras estuviera casada, Beach pudo trabajar como educadora musical a principios del siglo XX. Se desempeñó como presidenta de la junta directiva del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra . [56] Trabajó para entrenar y dar retroalimentación a varios jóvenes compositores, músicos y estudiantes. Beach actuó como mentor de estos jóvenes compositores animándolos a dedicar tiempo a perfeccionar su oficio mediante prácticas laboriosas. Escrito en su documento, "Los diez mandamientos de la música dados a los jóvenes compositores", Beach sugirió que los jóvenes músicos no pierdan tiempo en analizar obras de todos los géneros, su progreso técnico y que empleen variedad siempre que sea posible. De 1904 a 1943, Beach publicó numerosos artículos centrados en la programación, la preparación y las técnicas de estudio para pianistas serios, basando muchos de sus hallazgos en su propia rutina de práctica. [57] Dado su estatus y su defensa de la educación musical, tuvo una gran demanda como oradora e intérprete para varias instituciones y clubes educativos, como la Universidad de New Hampshire , donde recibió una maestría honoris causa en 1928. También trabajó para crear "Clubs de Playa", que ayudaron a enseñar y educar a los niños en la música. Se desempeñó como líder de algunas organizaciones centradas en la educación musical y las mujeres, incluida la Sociedad de Mujeres Compositoras Estadounidenses como su primera presidenta. [58]
Beach pasó el invierno y la primavera de 1928-29 en Roma. [59] Asistió a conciertos "casi a diario" y encontró que Feste Romane de Respighi , recién escrita en 1928, era "magníficamente brillante", pero no le gustó una pieza de Paul Hindemith . [60] En marzo de 1929 dio un concierto en beneficio del Hospital Americano de Roma, en el que se interpretó su canción "The Year's at the Spring" y se recaudó una "gran suma de dinero". [61] Beach, al igual que sus amigos en Roma, se convirtió brevemente en admiradora del dictador italiano Mussolini . Regresó a Estados Unidos con una escala de dos semanas en Leipzig, donde conoció a su vieja amiga, la cantante Marcella Craft. [61]
Fue miembro del Capítulo R (Ciudad de Nueva York) de PEO Sisterhood . Al final de su vida, colaboró en la "Ballad of PEO" con letra escrita por Ruth Comfort Mitchell , Capítulo BZ/California. [62] Una enfermedad cardíaca provocó el retiro de Beach en 1940 y su muerte en la ciudad de Nueva York en 1944. [18] Amy Beach está enterrada con su esposo en el cementerio de Forest Hills en el vecindario de Jamaica Plain en Boston , Massachusetts.
Beach era miembro de la " Segunda Escuela de Nueva Inglaterra " o "Grupo de Boston"; los otros miembros eran los compositores John Knowles Paine , Arthur Foote , George Chadwick , Edward MacDowell , George Whiting y Horatio Parker . [63] Su escritura es principalmente en un lenguaje romántico, a menudo comparado con el de Brahms o Rachmaninoff . En sus obras posteriores experimentó, alejándose de la tonalidad, empleando escalas tonales completas y armonías y técnicas más exóticas.
Las composiciones de Beach incluyen una ópera en un acto, Cabildo , [64] y una variedad de otras obras.
Beach escribió la Sinfonía gaélica (1896) y el Concierto para piano en do sostenido menor (1898-99). Otra pieza orquestal, Bal masque , tiene versión para piano solo. Otras dos piezas, Eilende Wolken y Jephthah's Daughter , son para orquesta con voz.
Las obras corales sagradas de Beach son principalmente para cuatro voces y órgano, pero algunas son para voces y orquesta, dos de las cuales son la Misa en mi bemol mayor (1892) y su interpretación del Cántico del Sol de San Francisco (1924, 1928). Realizado por primera vez en St. Bartholomew's en Nueva York. El coro de hombres y niños de la Iglesia Episcopal Emmanuel de Boston interpretó por primera vez una versión del Te Deum con órgano. La Sociedad Coral de Capitol Hill de Washington, DC, grabó el Cántico del Sol, siete Respuestas a la Comunión y otras piezas de Beach en 1998, dirigida por su directora musical Betty Buchanan, quien fundó la Sociedad en 1983.
Hay algunas decenas de obras corales seculares, acompañadas de orquesta, piano u órgano. El editor Arthur P. Schmidt se quejó una vez a Beach de que sus "piezas corales prácticamente no tenían venta". [sesenta y cinco]
Las composiciones de música de cámara de Beach incluyen una sonata para violín (grabada en siete sellos diferentes), un romance y tres piezas más para violín y piano, un trío de piano , un cuarteto de cuerdas y un quinteto de piano .
De las más de 300 obras de Amy Beach que se publicaron durante su vida e incluyeron casi todos los géneros, la categoría más grande son sus canciones artísticas y música de cámara vocal. Más allá de esto, escribió muchas obras de cámara y transcripciones para piano, incluidas Variaciones sobre temas balcánicos , la obra para piano solo "más larga e importante" de Beach, que fue compuesta en 1904, en respuesta a las revueltas en los Balcanes contra el entonces gobernante Imperio Otomano . [66] Doce son obras de cámara instrumentales. Un aspecto notable de la maestría musical de Beach fue su papel como pianista virtuosa , en el que interpretaba regularmente tanto sus propias composiciones como las de otros. [67] Realizó numerosas giras por Alemania, Nueva Inglaterra y hasta la costa del Pacífico, donde llevó la música de concierto europeo-estadounidense a los estados del oeste. Entre dos de las obras instrumentales interpretadas con más frecuencia de Beach se encuentran la Sonata en la menor para piano y violín, op. 34 y el Quinteto en fa♯ menor, op. 67, ya que ambos fueron programados extensamente en los Estados Unidos y Alemania. [68] Otra obra notable que ilustra la habilidad de Beach y su adherencia a la tradición como compositora es su Cuarteto de cuerda, op. 89.
En enero de 1897, Beach tocó con Franz Kneisel en el estreno de su Sonata para piano y violín, op. 34, que había compuesto en la primavera de 1896. [69] Franz Kneisel era un violinista destacado en Boston y más allá, habiendo sido contratado alrededor de los 20 años por Wilhelm Gericke , director de la Orquesta Sinfónica de Boston , como concertino de la orquesta. Poco después de llegar a Boston, formó el Kneisel String Quartet con otros tres músicos de cuerda de la Sinfónica de Boston. (El Cuarteto duró hasta 1917. Mientras tanto, Kneisel se mudó a Nueva York en 1905.) En 1894, Beach se había unido al cuarteto para interpretar el Quinteto para piano en mi bemol, op. 44 . [66] La Sonata está escrita en cuatro movimientos, que están interconectados musicalmente utilizando el tema de apertura del primer movimiento como fuente germinal que se desarrollará en los tres siguientes. Están minuciosamente elaborados para seguir las convenciones de la forma mientras implementan cada elemento musical de una manera precisa y bien construida. [69]
El estreno fue seguido rápidamente por varios otros recitales de la pieza en varias ciudades de Nueva York, donde la recepción de la crítica fue mixta; algunos críticos describieron la pieza como inmadura y carente de sustancia, aunque reconocieron su hábil uso del movimiento contrapuntístico y los temas principales afectivos. [70] El tercer movimiento, Largo con dolore, fue el más controvertido entre los críticos, algunos elogiaron su belleza y su naturaleza apasionadamente evocadora, mientras que otros se burlaron de su extensión por ser demasiado extensa y monótona. [69] El público, sin embargo, quedó cautivado y hechizado por el lento movimiento; En una actuación se informó que estallaron en aplausos entusiastas entre el tercer y cuarto movimiento debido a una gran emoción. [69] En Europa, la pieza fue en general bien recibida. La compositora y pianista Teresa Carreño interpretó la pieza con el violinista Carl Halir en Berlín en octubre de 1899 y le escribió a Beach:
Le aseguro que nunca he tenido un placer mayor en mi vida que el que tuve al elaborar su hermosa sonata y tener la suerte de presentarla al público alemán... Realmente tuve un éxito decidido y esto se dice en honor del público. [71]
Los críticos de Berlín fueron bastante positivos en su respuesta a la Sonata, elogiando su desarrollo técnico y su brillante uso del violín y el piano como partes individuales. Cuando lo criticaron, señalaron que tal vez era demasiado virtuoso para la música de cámara, mientras que otro crítico del Berliner Volks-Zeitung caracterizó el estilo compositivo de Beach como demasiado derivado de Schumann y Brahms; sin embargo, permitió el género de Beach como una advertencia para este supuesto defecto (sexismo era común y extremo en la música clásica). El escribio:
En estilo, ella no es individual; su dependencia de Schumann y Brahms es inequívoca, lo cual es una debilidad para la cual el carácter femenino proporciona fundamento y excusa. La sonata es sonora y elegante tanto en la parte de violín como en la de piano, aunque esta última en el último movimiento sobrepasa un poco los límites asignados a la música de cámara. [70]
En 1900, con el Cuarteto Kneisel, Beach interpretó el Quinteto para piano de Brahms en fa menor, op. 34 . [72] Beach escribió su propio quinteto de tres movimientos para piano y cuerdas en fa sostenido menor, op. 67, en 1905. El quinteto se interpretó con frecuencia durante la vida de Beach, tanto en concierto como por radio. Estas actuaciones fueron a menudo realizadas por cuartetos de cuerda establecidos acompañados por el pianista-compositor, incluso muchas veces durante una gira prolongada con el Kneisel Quartet en 1916-17, [73] que fue la 33ª y última temporada del cuarteto. Beach interpretó su quinteto con ellos en Boston, Brooklyn, Chicago y Filadelfia. [74]
Entre todas las obras de cámara de Beach, esta obra ha sido descrita como una de las más claramente representativas de la influencia brahmsiana en su música, desde la melodía cromática irregular y los pasajes líricos contrastantes, la duración irregular de las frases, sus cambios de clave y su textura exuberante, hasta su estricto cumplimiento de la forma sonata-allegro. De hecho, el tema principal de las tres obras está tomado del último movimiento del quinteto de Brahms, aunque adaptado y reelaborado de diversas maneras. [72] Los tres movimientos presentan frecuentes desarrollos distintos en la métrica, el tempo y la armadura. Toda la obra tiene un carácter afectivo de lamentación, demostrado no sólo por las cualidades emotivas generales de la obra en sí, sino también por el uso de la cadencia del tetracordio frigio frecuentemente asociada con el duelo, que en esta obra describe las notas F#-EDC#. [72]
En términos generales, la obra fue bastante bien recibida por el público y los críticos como perteneciente a una importante tradición compositiva. Los críticos notaron su imaginación estéticamente flexible mientras se adhería a las expectativas tradicionales, aportando una variedad de estados de ánimo expresivos y colores tonales a una obra de forma sustancial. [73] También comentaron sobre la modernidad y habilidad que mostró el trabajo, ya que logró una naturaleza altamente expresiva y una textura orquestal manteniendo al mismo tiempo el carácter íntimo y técnicamente desarrollado de la voz del conjunto de cámara. [75] Este trabajo contribuyó a su reputación como compositora de música artística seria, aunque algunos críticos todavía lo consideran un poco por debajo de las obras de compositores masculinos similares. [73]
El Cuarteto de Cuerdas de Beach es un solo movimiento y es una de sus obras más maduras. Originalmente fue etiquetado como Op. 79, pero en el transcurso de una década, el trabajo evolucionó y Beach finalmente redesignó la pieza como op. 89 en 1929. [68] La importancia que Beach le otorgó a esta pieza es notable, dado que no incluía una parte de piano que ella interpretaría, como sí lo hacían muchas de sus otras obras. Debido al momento de la composición de la pieza, hay cierta evidencia de que Beach pudo haberse inspirado para escribir la obra como parte del concurso de música de cámara de Elizabeth Sprague Coolidge en 1922. [76] Numerosos intentos minuciosos demuestran la devoción de Beach por la composición. de esta pieza y su desconocimiento de la escritura en este género. La obra final, terminada en Roma, consta de un único movimiento dividido en tres secciones y, temáticamente, sigue una forma de arco (ABC B1 A1). [77] La pieza utiliza tres melodías esquimales o inuit diferentes a lo largo de la obra: "Summer Song", "Playing at Ball" y "Itataujang's Song", tomadas del libro de Franz Boas sobre las tribus inuit de Alaska . [78] Beach integra estas melodías prestadas dentro de un marco de cuasi-tonalidad y disonancia extendidas austro-germánicas , primero a través de declaraciones más directas de las melodías y luego asimiladas a una estructura armónica horizontal. Los elementos de las melodías se abstraen y se desarrollan en líneas contrapuntísticas que impulsan la obra hacia adelante en ausencia de una dirección tonal clara. La textura y la armonía son bastante marcadas en algunos lugares, carecen del romanticismo exuberante de sus obras anteriores y representan inclinaciones más modernistas de un compositor en desarrollo. [78]
La pieza se estrenó en la Academia Estadounidense en abril de 1929, pero Beach informó poco sobre si esta interpretación fue satisfactoria o no. No obstante, le siguieron varias actuaciones privadas y pequeños recitales en Nueva York, Cincinnati y Massachusetts. Una actuación de 1937 organizada por Roy Harris fue particularmente decepcionante, ya que los intérpretes no estaban bien preparados y leyeron mal la obra a primera vista. Ninguna actuación del cuarteto fue plenamente satisfactoria para Beach, y el trabajo no obtuvo el reconocimiento que ella parecía esperar que obtuviera. [78]
Debido a que el cuarteto era muy diferente de muchos de los trabajos anteriores de Beach, y dado que Beach no pudo interpretarlo ella misma, se sabe poco sobre la respuesta del público y de la crítica a la pieza. El compositor y biógrafo Burnet Corwin Tuthill lo elogió y dijo que, si bien era inusual para Beach y carecía del emocionalismo que suele prevalecer en su música, demostraba una notable sofisticación técnica y habilidad en el manejo tanto de la escritura de cuerdas como del compromiso con el material temático que era. no de origen europeo. De hecho, el uso que hace Beach de melodías inuit y nativas americanas se convirtió en una característica marcada en varias de sus otras obras, que utilizó como un medio para aportar modernidad estilística a su sonido a través de la apropiación y recontextualización de estas melodías. [79]
La playa fue la más popular para ella con alrededor de 150 canciones. Las palabras de unas cinco de cada una son suyas y de HHA Beach, el resto de otros poetas. "El año en la primavera" de Three Browning Songs, op. 44 es quizás la obra más conocida de Beach. A pesar del volumen y la popularidad de las canciones durante su vida, no existe una colección de canciones de Beach de un solo compositor. Algunos se pueden comprar a través de Hildegard Publishing Company y Masters Music Publication, Inc.
A principios de la década de 1890, Beach empezó a interesarse por las canciones populares. Compartió ese interés con varios de sus colegas, y este interés pronto se convirtió en el primer movimiento nacionalista en la música estadounidense. Las contribuciones de Beach incluyeron una treintena de canciones inspiradas en la música folclórica , incluidas las de origen escocés , irlandés , balcánico , afroamericano y nativo americano . [80]
Beach era un intelectual musical que escribía para revistas, periódicos y otras publicaciones. Dio consejos a jóvenes músicos y compositores, especialmente a compositoras. Desde consejos profesionales hasta consejos sobre técnicas de piano, Beach brindó fácilmente sus opiniones en artículos como "A la chica que quiere componer" [81] y "Emoción versus intelecto en la música". [82] En 1915, había escrito Los Diez Mandamientos de la Música dados a jóvenes compositores , que expresaba muchos de sus principios de autoaprendizaje. [83]
A pesar de su fama y reconocimiento durante su vida, Beach estuvo en gran parte descuidada después de su muerte en 1944 hasta finales del siglo XX. Los esfuerzos por reactivar el interés por las obras de Beach han tenido gran éxito durante las últimas décadas.
La sinfonía ha recibido elogios de críticos modernos, como Andrew Achenbach de Gramophone , quien en 2003 elogió la obra por su "gran corazón, encanto irresistible y progreso seguro". [84] En 2016, Jonathan Blumhofer de The Arts Fuse escribió:
Para mis oídos, es, con diferencia, la mejor sinfonía de un compositor estadounidense anterior a Ives y, con diferencia, mejor que muchas de las que vinieron después de él. Seguramente es la sinfonía más apasionante escrita por un estadounidense antes de la Primera Guerra Mundial . [...] Su dominio de la instrumentación a lo largo de la Sinfonía fue consistentemente excelente y colorido. La manera en la que equilibró contenido y forma tiene éxito donde sus contemporáneos como George Whitefield Chadwick , John Knowles Paine y Horatio Parker tan a menudo se quedaron cortos: de alguna manera la Sinfónica de Beach nunca se deja intimidar por las largas sombras que Brahms y Beethoven proyectan a través del Atlántico. Es una declaración fresca, estimulante y personal en un género que ha ofrecido muchos ejemplos de piezas que no demuestran ninguna de esas cualidades. [85]
El Concierto para piano de Beach ha sido elogiado por los críticos modernos como una obra maestra pasada por alto. En 1994, Phil Greenfield de The Baltimore Sun lo calificó como "una obra colorida y elegante que podría volverse extremadamente popular si suficientes personas tuvieran la oportunidad de escucharla". [86] En 2000, Joshua Kosman del San Francisco Chronicle también elogió la composición, escribiendo :
Sus cuatro movimientos están llenos de incidentes: melodías bellamente formadas (varias de ellas extraídas de sus canciones), un perfil rítmico franco y una interacción vivaz y a veces polémica entre solista y orquesta. La parte de piano es tan llamativa y exigente como lo requiere un vehículo virtuoso, pero también hay un elemento conmovedor en ella: una sensación de limitación que parece eclipsar incluso los pasajes más extrovertidos de la obra. [87]
Andrew Achenbach de Gramophone lo declaró de manera similar "ambicioso" y "singularmente impresionante... un logro gratificante en todos los sentidos, lleno de escritura solista brillantemente idiomática... aportó más intriga autobiográfica por su asimilación de material temático de tres de las primeras canciones". [84]
En 1994, Boston Women's Heritage Trail colocó una placa de bronce en su dirección de Boston, y en 1995, se dedicó la tumba de Beach en el cementerio de Forest Hills . [88] En 1999, fue incluida en el Museo y Salón de la Fama de la Música Clásica Estadounidense en Cincinnati, Ohio. En 2000, los Boston Pops le rindieron homenaje añadiendo su nombre como la primera mujer que se unió a otros 87 compositores en la pared de granito del Hatch Shell de Boston . [89] [90] En honor al 150 cumpleaños de Beach, Marty Walsh , alcalde de la ciudad de Boston, declaró el 5 de septiembre de 2017 como el "Día de Amy Beach". [91] También para conmemorar el sesquicentenario de Beach, The New York Times publicó un artículo de William Robin, "Amy Beach, una compositora estadounidense pionera, cumple 150 años".
Amy Beach, Sonata para violín y piano en la menor, op. 34:
