Alexander McQueen: Savage Beauty fue una exposición de arte celebrada en 2011 en el Museo Metropolitano de Arte que incluía prendas creadas por el diseñador de moda británico Alexander McQueen , así como accesorios creados para sus desfiles . La exposición fue extremadamente popular en la ciudad de Nueva York y dio como resultado lo que entonces fue un récord de asistencia para el museo. [1] Los curadores fueron Andrew Bolton y Harold Koda . [2]
El espectáculo se inauguró el 4 de mayo, poco más de un año después de la muerte de McQueen, y cerró el 7 de agosto. Savage Beauty se mostró nuevamente en el Victoria and Albert Museum de Londres del 14 de marzo de 2015 al 2 de agosto de 2015, pero con elementos adicionales en exhibición.
La exposición fue organizada por el Centro de Vestuario Anna Wintour del museo y curada por Andrew Bolton y Harold Koda. La exhibición presentó piezas de McQueen de los archivos de su propia casa de moda londinense , Alexander McQueen , y de la casa de alta costura parisina Givenchy , así como piezas de colecciones privadas. [3] La muestra se compuso de seis galerías separadas, organizadas por tema: "La mente romántica", que presentó algunos de sus trabajos más antiguos de principios de la década de 1990; "El gótico romántico y el gabinete de curiosidades", que presentó su exploración de temas góticos victorianos ; "El nacionalismo romántico", que examinó la identidad escocesa y británica; "El exotismo romántico", que examinó las influencias no occidentales en sus diseños; "El primitivismo romántico", que presentó materiales naturales y diseños orgánicos; y "El naturalismo romántico", que presentó sus intentos de integrar temas del mundo natural con la tecnología. [3]
La exposición incluyó piezas de su primera gran colección, Jack the Ripper Stalks His Victims , creada durante sus estudios de posgrado en el Central Saint Martins College of Art and Design . [4] Otras colecciones incluidas en la exposición fueron Dante , It's a Jungle out There , Irere , #13 , VOSS y Plato's Atlantis , [5] así como Banshee , Highland Rape , The Widows of Culloden (incluido el holograma original de tamaño natural de Kate Moss ) y Horn of Plenty . [4] También se incluyeron en la exposición obras de los colaboradores de McQueen, como el sombrerero Philip Treacy y el joyero Shaun Leane , quienes produjeron diseños utilizados en sus desfiles. [6]
La exposición fue ampliamente elogiada por los críticos de la prensa internacional. Hilary Alexander, del Daily Telegraph, la calificó como "un paseo absorbente y asombroso por las extraordinarias circunvoluciones de su mente y el virtuosismo técnico que podía reunir para convertir sus ideas y pensamientos en realidad". [4] Holland Cotter, del New York Times, escribió que la muestra "es una maravilla que te hace pulsar botones: etérea y burda, elegante y absolutamente manipuladora, y equilibrada en una línea donde la moda se convierte en algo más", pero también señaló que la exposición evita abordar cuestiones sobre las contradicciones de su obra. [7] Suzy Menkes , del International Herald Tribune, también tuvo algunos problemas con la presentación: "El Sr. Bolton podría haber discutido el lugar del diseñador en la escena artística británica, junto con los hermanos Chapman , o haber comparado su fascinación por la decadencia de la naturaleza con la de Damien Hirst . En cambio, tenemos la visión sin aliento y sin sentido de Sarah Jessica Parker sobre el estilo McQueen". En general, sin embargo, dijo que la exposición "es emocionante, estimulante y estimulante, y una visión cruda de la imaginación salvaje de McQueen". [8] Judith Thurman de The New Yorker aconsejó que "incluso si nunca te molestas en asistir a desfiles de moda, ve a este. Andrew Bolton ... ha reunido cien conjuntos y setenta accesorios ... y le da a su historia y psicología una lectura astuta". [9]
La muestra también fue extremadamente popular entre el público, lo que llevó al museo a tomar medidas extraordinarias para satisfacer la demanda. Originalmente programada para funcionar solo hasta el 31 de julio de ese año, se extendió hasta el 7 de agosto. Los clientes esperaron en filas de hasta dos horas para ver la exhibición. [10] Para dar cabida a las grandes multitudes, el Met ofreció una entrada especial de $ 50 para ver la exhibición los lunes, cuando el museo generalmente estaba cerrado. [11] [12] Se vendieron más de 17.000 de estas entradas. [13] El Met también permitió a sus miembros saltarse la fila; la membresía del museo aumentó un 15%, con 20.000 nuevas membresías vendidas durante la muestra. [13] Durante el último fin de semana de la exposición, las filas se extendieron a más de cuatro horas, [14] y el museo permaneció abierto hasta la medianoche por primera vez en su historia. [10] Cuando se cerró la exposición, más de 650.000 personas la habían visto, [15] convirtiéndola en una de las exhibiciones más populares en la historia del museo y su exhibición de moda más popular hasta la fecha. [16]
Del 14 de marzo al 2 de agosto de 2015, la exposición se llevó a cabo en el Victoria and Albert Museum de Londres, donde tuvo una acogida igualmente buena. [17] [18] [19] El núcleo de la exposición siguió siendo el mismo que el del Metropolitan Museum, pero se añadieron 66 prendas y accesorios adicionales, incluidas obras tempranas de McQueen que rara vez se ven. Se añadió una nueva sección centrada en piezas de su carrera temprana. La exposición fue la colección más grande de obras de McQueen y sus colaboradores jamás reunida. [20] Las ventas de entradas superiores a las 480.000 llevaron a la dirección del museo a implementar horarios nocturnos durante los dos últimos fines de semana de la muestra para satisfacer la demanda. [21] Esta fue la primera vez que el museo había ampliado su horario de esta manera para dar cabida al interés en una exposición. [22]
La fascinación de McQueen por lo elemental (tierra, viento, fuego y agua) impregnó sus colecciones de un drama primordial. La naturaleza y sus materiales fueron una constante en la obra de McQueen. [23] Cada pieza estaba hecha de materiales únicos, que se adaptaban a cada artículo. McQueen no utilizó cuero; utilizó materiales reciclados y naturales para sustituir la colección como reciclada. Por ejemplo, algunos de los materiales que solía utilizar en su trabajo incluían pelo, madera, taxidermia, cuernos y coral. Además, también hizo referencia a la piel y la sangre de reptiles en su trabajo. El algodón utilizado en las piezas de McQueen representa un producto natural debido a la forma en que está diseñado. [ aclaración necesaria ]
