Un hombre para la eternidad es una obra de teatro de Robert Bolt basada en la vida de Sir Thomas More . Una versión temprana de la obra había sido escrita para la BBC Radio en 1954, y una versión televisiva en vivo de una hora protagonizada por Bernard Hepton fue producida por la BBC en 1957, [1] pero después del éxito de Bolt con El cerezo en flor , la reelaboró para el teatro.
Se estrenó en Londres en el Globe Theatre (ahora Gielgud Theatre) el 1 de julio de 1960. Más tarde llegó a Broadway, donde gozó de un éxito de crítica y público durante más de un año. Tuvo varias reposiciones y, posteriormente, se convirtió en una película ganadora de varios premios Oscar en 1966 y en una película para televisión en 1988 .
La trama se basa en los acontecimientos históricos que condujeron a la ejecución de More , el canciller de Inglaterra del siglo XVI , quien se negó a respaldar el deseo de Enrique VIII de divorciarse de su esposa Catalina de Aragón , que no le dio un hijo, para poder casarse con Ana Bolena , la hermana de su antigua amante.
La obra retrata a More como un hombre de principios, envidiado por rivales como Thomas Cromwell , pero amado por la gente común y por su familia.
El título refleja la representación que hizo el dramaturgo agnóstico del siglo XX Robert Bolt de Moro como el hombre de conciencia por excelencia . Como alguien que se mantiene fiel a sí mismo y a sus creencias mientras se adapta a todas las circunstancias y tiempos, a pesar de la presión o influencia externa, Moro representa "un hombre para todas las estaciones". Bolt tomó prestado el título de Robert Whittington , un contemporáneo de Moro, quien en 1520 escribió sobre él:
Un hombre para todas las estaciones lucha con ideas de identidad y conciencia. More sostiene repetidamente que una persona se define por su conciencia . Su propia posición es descrita como casi indefendible; el Papa es descrito como un individuo "malo" y corrupto, obligado por el emperador Carlos V a actuar según su voluntad. Pero como More le dice a Norfolk, "Lo que importa no es que sea verdad, sino que yo lo crea; o no, no que lo crea , sino que lo crea". More teme que si rompe con su conciencia, será condenado al infierno, mientras que sus asociados y amigos están más preocupados por aferrarse a su propio poder temporal.
En otro punto clave de la obra, More testifica ante un comité de investigación y Norfolk intenta persuadirlo para que firme la Ley de Sucesión a la Corona de 1534 (pág. 78, edición de Heinemann):
Norfolk:
Más:
La persecución de Moro se hace parecer aún más injusta por la inclusión de Eustace Chapuys , el veterano embajador imperial en Inglaterra, en la historia. Chapuys reconoce a Moro como un hombre corpulento de la iglesia, y en el Acto II, después de la renuncia de Moro a la Cancillería, le informa a Moro de una rebelión planeada a lo largo de la frontera escocesa, esperando que Moro se muestre comprensivo. En cambio, Moro informa a Norfolk del complot, demostrando que es patriota y leal al Rey. Esto, junto con la negativa de Moro a hablar en contra del Rey, muestra que es un súbdito leal, y por lo tanto Cromwell parece procesarlo por despecho personal y porque no está de acuerdo con el divorcio del Rey.
Bolt también establece un tema antiautoritario que se repite en todas sus obras. Todas las personas en posiciones de poder –el rey Enrique, Cromwell, Wolsey, Cranmer, Chapuys, incluso Norfolk– son retratadas como corruptas, malvadas o, en el mejor de los casos, oportunistas y ávidas de poder. Las obras de teatro y los guiones cinematográficos posteriores de Bolt también ahondan en este tema. El tema de la corrupción también se ilustra en el ascenso de Rich al poder, en el hombre común que se ve arrastrado a los acontecimientos de la trama y en la representación (deliberadamente) anacrónica de Enrique como un hombre más joven y atlético (en 1530 habría tenido casi cuarenta años y ya estaba engordando).
Aunque es la ley la que finalmente obliga a ejecutar a More, la obra también hace varias declaraciones contundentes en apoyo del imperio de la ley. En un momento dado, el futuro yerno de More, Roper, le insta a arrestar a Richard Rich, cuyo perjurio acabará provocando la ejecución de More. More responde que Rich no ha infringido ninguna ley: "¡Y se iría si fuera el mismísimo Diablo hasta que infringió la ley!". Roper se horroriza ante la idea de concederle al Diablo el beneficio de la ley, pero More se muestra inflexible.
El personaje del hombre común sirve como narrador y como marco de referencia. Es un personaje brechtiano que desempeña varios papeles menores (el sirviente de Moro, un tabernero, un barquero, el carcelero de Moro, el presidente del jurado y el verdugo) que aparecen a lo largo de la obra, tanto participando como comentando la acción. Varias secuencias que involucran a este personaje rompen la cuarta pared ; la más notable es una secuencia en la que el hombre común intenta salir del escenario y Cromwell se dirige a él, identificándolo como presidente del jurado (de hecho, el "jurado" consiste en palos o varas con los sombreros de los diversos personajes del hombre común colocados encima). El lugar del hombre común en la historia se enfatiza cuando dice en su discurso de apertura:
Bolt creó al Hombre Común por dos razones principales: para ilustrar el lugar y la influencia de la persona promedio en la historia, aunque generalmente se la pasa por alto, y para tratar de evitar que la audiencia simpatice con los personajes con más títulos como Moro, al darse cuenta de que la audiencia está más estrechamente relacionada con él, un caso clásico de alienación brechtiana . El papel del personaje en la historia ha sido interpretado de muchas maneras diferentes por diferentes críticos, desde ser un personaje positivo hasta uno negativo. La propia opinión de Bolt (expresada en el prefacio de la obra) era que tenía la intención de atraer a la audiencia a la obra y que "común" denotaba "lo que es común a todos nosotros". [3] Varias de las obras posteriores de Bolt presentan personajes similares (por ejemplo, La frustración del barón Bolligrew, Estado de revolución ).
Bolt escribió dos finales diferentes. En el final original, que se representó durante la presentación preliminar del espectáculo en Inglaterra, Cromwell y Chapuys se enfrentaban después de la ejecución de Moro y luego salían del escenario, tomados de la mano, riéndose entre dientes con "la risa burlona, autocomplaciente y más bien triste de los hombres que saben lo que es el mundo y cómo sentirse cómodos en él".
Este final en particular es un ejemplo de la idea de Bolt de “marchar a favor de la corriente”, como lo demuestran los “hombres que saben lo que es el mundo y cómo sentirse cómodos en él”, que renuncian a su conciencia a cambio de una vida de “comodidad”. Para la producción londinense del espectáculo –y para la mayoría, si no todas, de las funciones posteriores del espectáculo– el hombre común se quita su atuendo de verdugo y se dirige al público una última vez:
... No es difícil mantenerse con vida, amigos, solo no causen problemas, o si deben causarlos, causen el tipo de problemas que se espera... Si nos encontramos, reconózcanme.
La versión cinematográfica de la obra termina con la ejecución de More, seguida de un narrador que lee los destinos de los distintos personajes involucrados (originalmente, este era un diálogo hablado por el hombre común antes de la investigación de la Torre de Londres).
Repartos notables
El elenco original del West End, que actuaba en el Globe Theatre (ahora Gielgud Theatre) y estaba dirigido por Noel Willman , incluía a Paul Scofield como Sir Thomas More. En Londres, Man se representó simultáneamente con otra obra de Bolt, The Tiger and the Horse . Ambas obras fueron grandes éxitos, aunque Horse fue la más exitosa de las dos. La reacción de la crítica británica fue en gran medida positiva, aunque con reservas; pocas reseñas en ese momento consideraban la obra un clásico. El espectáculo tuvo 320 representaciones.
En los EE. UU., la obra se representó por primera vez en Broadway el 22 de noviembre de 1961 en el ANTA Playhouse , nuevamente dirigida por Noel Willman , [6] con Paul Scofield regresando al papel de Sir Thomas More . La producción de Broadway fue un gran éxito, con 620 funciones. Si bien la obra recibió críticas mixtas en Londres, fue elogiada casi unánimemente por los críticos de Nueva York, quienes la colmaron de aplausos y premios. En la 16.ª edición de los Premios Tony anuales , la producción obtuvo cuatro nominaciones, ganando en las cuatro categorías a las que fue nominada, incluidos los Tony para Bolt, Scofield y Willman. [7]
Leo McKern interpretó al hombre común en la versión del West End del espectáculo, pero fue trasladado al papel de Cromwell para la producción de Broadway, un papel que luego repitió en la película. Mientras interpretaba a Cromwell, apareció con un ojo marrón y otro azul (McKern, por supuesto, había perdido un ojo en un accidente y usaba uno de cristal) para acentuar la naturaleza malvada de su personaje.
Una reposición del espectáculo en Broadway, producida por la Roundabout Theatre Company , protagonizada por Frank Langella como More y dirigida por Doug Hughes , se representó en el American Airlines Theatre hasta diciembre de 2008. En esta producción, el director eliminó al personaje de The Common Man (como lo había hecho Bolt al adaptar su obra para la primera versión cinematográfica). [8] Jeremy Strong hizo su debut en Broadway en esta producción como Richard Rich.
Charlton Heston interpretó a More en varias versiones de la obra fuera de Broadway en los años 70 y 80, y finalmente la representó en el West End. La obra fue un éxito y la producción del West End se llevó a Aberdeen, Escocia, durante una semana, donde se representó en el Teatro His Majesty's. Heston la consideraba uno de sus papeles favoritos. También dirigió y protagonizó una versión cinematográfica para televisión (ver más abajo). La producción ganó cierta notoriedad cuando Dustin Hoffman difundió la historia de que Heston, que era calvo, era tan vanidoso que usaba una peluca sobre su peluquín, en lugar de dejar que el público viera su verdadera calva.
Otro famoso egresado de la obra es Ian McKellen , cuyo primer papel teatral fue el de Will Roper en una nueva producción a finales de los años 60. Más tarde interpretaría a More en una edición posterior del espectáculo. Faye Dunaway también hizo su debut en el escenario como sustituta de Margaret en la obra original de Broadway.
En 1986, en el Vancouver Playhouse y el Festival de Stratford se presentó una aclamada producción canadiense protagonizada por William Hutt y dirigida por Walter Learning. En Stratford, la producción se emparejó con una producción de Enrique VIII de Shakespeare , y ambas obras compartieron muchos actores y mostraron dos perspectivas de los acontecimientos históricos. La obra se representó en el Teatro Brunton bajo la dirección de Charles Nowosielski en noviembre de 1986. [9]
La obra se representó en el Theatre Royal Haymarket del West End de Londres, protagonizada por Martin Shaw y producida por Bill Kenwright . Se estrenó el 1 de abril de 2006.
En 2008, Thomas More también fue retratado en el escenario en Hong Kong como un símbolo alegórico del campo pandemocrático que resiste al comunismo chino cuando Hardy Tsoi, después de traducir Un hombre para la eternidad , principalmente al cantonés , pero también con algunas partes en mandarín , español , latín e inglés, la produjo como una obra dentro de una obra. [10] Se notaron similitudes entre More y políticos pro democracia contemporáneos en Hong Kong como Martin Lee y Szeto Wah , con el Vaticano siendo visto como representante del colonialismo británico mientras que Enrique VIII y su régimen fueron vistos como representantes de la China comunista "suprimiendo la democracia y la libertad" en Hong Kong. [10] Según Chapman Chen, la versión de Hardy Tsoi de la obra es una de varias obras de Hong Kong que sugieren que las teorías poscoloniales dominantes que invariablemente retratan al colonialismo europeo como opresivo necesitan ser "modificadas o equilibradas" para reflejar la experiencia diferente de lugares como Hong Kong. [10]
La obra fue adaptada para la televisión australiana en 1964 .
Paul Scofield , que interpretó el papel principal en los estrenos teatrales del West End y Broadway, interpretó a More nuevamente en la primera de dos versiones cinematográficas (1966), ganando un Oscar en el proceso. La película también está protagonizada por Robert Shaw como Enrique VIII, Orson Welles como Wolsey , Corin Redgrave como Will Roper, Nigel Davenport como Norfolk, un joven John Hurt como Richard Rich y una Wendy Hiller mayor como Lady Alice, la segunda esposa de More. Fue dirigida por Fred Zinnemann . Además del Oscar al Mejor Actor ganado por Scofield, la película ganó los Premios de la Academia por guion, fotografía , diseño de vestuario, mejor director y mejor película .
La versión de 1988 contó con Charlton Heston (que también la dirigió) como More, Vanessa Redgrave (que apareció brevemente y en silencio en la versión de 1966 como Ana Bolena ) como la esposa de More y Sir John Gielgud como el cardenal Wolsey. Por coincidencia, el nombre de Gielgud ahora adorna el antiguo Globe Theatre , donde se estrenó la obra original en 1960.
La obra se representó, con el siguiente elenco, como Saturday Night Theatre en BBC Home Service el 28 de febrero de 1959:
La obra se representó, con el siguiente elenco, como la obra del sábado en BBC Radio 4 el 7 de octubre de 2006, como parte de su temporada Betrayal: