El Sōsaku-hanga (創作版画, "grabados creativos" ) fue un movimiento artístico de impresión en madera que se concibió a principios del siglo XX en Japón. Enfatizaba al artista como el único creador motivado por un deseo de autoexpresión y defendía principios de arte que son "autodibujados" (自画jiga ), "autotallados" (自刻jikoku ) y "autoimpresos" (自摺jizuri ). A diferencia del movimiento paralelo shin-hanga ("nuevos grabados") que mantenía el sistema colaborativo tradicional del ukiyo-e donde el artista, el tallador, el impresor y el editor participaban en la división del trabajo.
El nacimiento del movimiento sōsaku-hanga fue señalado por la pequeña impresión Pescador de Kanae Yamamoto (1882-1946) en 1904. Alejándose del sistema colaborativo del ukiyo-e , Yamamoto hizo la impresión únicamente por su cuenta: dibujando, tallando e imprimiendo la imagen. Estos principios de "autodibujado", "autotallado" y "autoimpreso" se convirtieron en la base del movimiento, que luchó por existir en el Japón de antes de la guerra, y ganó su impulso y floreció en el Japón de la posguerra como el heredero genuino de la tradición del ukiyo-e . En la práctica, sin embargo, la distinción del sosaku-hanga con otros movimientos no era tan clara. Por ejemplo, uno de los artistas principales, Kōshirō Onchi , encargó a talladores, como Yamagishi Kazue, e impresores, como su alumno Jun'ichirō Sekino, que produjeran su obra.
La Bienal de Arte de São Paulo de 1951 fue testigo del éxito del movimiento creativo de la estampa. Los dos ganadores japoneses, Yamamoto y Kiyoshi Saitō (1907-1997), fueron grabadores que superaron a las pinturas japonesas ( nihonga ), las pinturas de estilo occidental ( yōga ), las esculturas y la vanguardia. Otros artistas de sōsaku-hanga como Kōshirō Onchi (1891-1955), Un'ichi Hiratsuka (1895-1997), Sadao Watanabe (1913-1996) y Maki Haku (1924-2000) también son muy conocidos en Occidente.
El movimiento de la estampa creativa fue una de las muchas manifestaciones del ascenso del individuo tras décadas de modernización . En los círculos artísticos y literarios, a finales del siglo XX surgieron expresiones del «yo». En 1910, «Un sol verde» de Kōtarō Takamura (1883-1956) alentaba la expresión individual de los artistas: «Deseo la libertad absoluta del arte. En consecuencia, reconozco la autoridad ilimitada de la individualidad del artista... Incluso si dos o tres artistas pintaran un «sol verde», nunca los criticaría porque yo mismo podría ver un sol verde». En 1912, en «Bunten y las artes creativas» ( Bunten to Geijutsu ), Natsume Sōseki (1867-1916) afirma que «el arte comienza con la expresión del yo y termina con la expresión del yo». Estos dos ensayos marcaron el comienzo de la discusión intelectual sobre el «yo», que inmediatamente encontró eco en la escena artística. En 1910 se publicó por primera vez una revista mensual llamada White Birch ( Shirakaba ), la revista más importante que moldeó el pensamiento del período Taishō. Los jóvenes artistas en ciernes organizaron su primera exposición ese mismo año. Shirakaba también patrocinó exposiciones de arte occidental.
En sus años de formación, el movimiento sōsaku-hanga , como muchos otros como el shin-hanga , el futurismo y los movimientos artísticos proletarios, luchó por sobrevivir, experimentar y encontrar una voz en una escena artística dominada por aquellas artes convencionales que fueron bien recibidas por la Bunten (Academia de Arte de Japón). El hanga en general (incluido el shin-hanga ) no alcanzó el estatus de las pinturas al óleo occidentales ( yōga ) en Japón. El hanga se consideraba una artesanía inferior a las pinturas y esculturas . Las xilografías ukiyo-e siempre se habían considerado meras reproducciones para el consumo comercial masivo, en oposición a la visión europea del ukiyo-e como arte, durante el auge del japonismo . Era imposible para los artistas de sōsaku-hanga ganarse la vida solo haciendo impresiones creativas. Muchos de los artistas de sōsaku-hanga que más tarde se hicieron famosos , como Kōshirō Onchi (también conocido como el padre del movimiento de la impresión creativa), fueron ilustradores de libros y talladores de madera. No fue hasta 1927 que el hanga fue aceptado por los Teiten (antiguos Bunten). En 1935, finalmente se permitieron las clases extracurriculares sobre hanga .
Los años de guerra de 1939 a 1945 fueron una época de metamorfosis para el movimiento creativo de la estampa. La First Thursday Society, que fue crucial para el resurgimiento de la estampa japonesa en la posguerra, se formó en 1939 a través de grupos de personas que se reunían una vez al mes en la casa de Kōshirō Onchi en Tokio para discutir temas de estampas en madera. Los primeros miembros iniciales incluyeron al general Yamaguchi (1896-1976) y Jun'ichirō Sekino (1914-1988). Los conocedores estadounidenses Ernst Hacker, William Hartnett y Oliver Statler también asistieron y ayudaron a revivir el interés occidental por las estampas japonesas. La First Thursday Collection ( Ichimoku-shū ), una colección de estampas de los miembros para que circularan entre ellos, se produjo en 1944. El grupo proporcionó camaradería y un lugar para el intercambio artístico y el sustento durante los difíciles años de la guerra, cuando los recursos eran escasos y la censura severa.
El renacimiento de la estampa japonesa coincidió con el renacimiento de Japón después de la Segunda Guerra Mundial . Durante la ocupación de las islas , los soldados estadounidenses y sus esposas compraron y coleccionaron estampas japonesas como souvenirs. Se puede decir que las estampas japonesas se convirtieron en uno de los componentes de la reconstrucción económica de posguerra. Con el objetivo de promover el "arte democrático", el mecenazgo estadounidense pasó del shin-hanga más tradicional al sōsaku-hanga de tendencia moderna . El arte abstracto había sido prohibido por el gobierno militar durante la guerra, pero después de la guerra, artistas como Kōshirō Onchi se volcaron por completo al arte abstracto. En 1950, la abstracción era el modo principal del movimiento creativo de la estampa, y las estampas japonesas se percibían como una auténtica mezcla de Oriente y Occidente. La Bienal de Arte de São Paulo de 1951 fue la primera presentación de Japón de posguerra a una exposición internacional. Artistas notables como Shikō Munakata (1903-1975) y Naoko Matsubara (n. 1937) trabajaron en la tradición del arte popular ( mingei ) y realizaron exposiciones individuales en los Estados Unidos .
Los grabados japoneses contemporáneos presentan una rica diversidad de temas y estilos. Tetsuya Noda (nacido en 1940) emplea la fotografía y produce cualidades cotidianas en sus grabados en forma de diarios fotográficos. Artistas como Maki Haku (1924-2000) y Shinoda Toko (1913-2021) sintetizan la caligrafía y la expresión abstracta y producen imágenes sorprendentemente hermosas y serenas. Sadao Watanabe trabajó en la tradición mingei (arte popular), sintetizando la representación de figuras budistas y el cristianismo occidental en sus singulares grabados bíblicos.
A partir de los años 60, la línea entre las bellas artes y los medios comerciales se volvió borrosa. Los artistas pop y conceptuales trabajan con técnicos profesionales y las posibilidades de innovación son infinitas.
