Wendy Tilby y Amanda Forbis son un dúo de animación canadiense . El 24 de enero de 2012 recibieron su segunda nominación al Óscar , por el cortometraje animado de la National Film Board of Canada (NFB), Wild Life (2011). [1] [2] Con su última película, The Flying Sailor , recibieron varias nominaciones y premios, entre ellos el de Mejor Película Canadiense en el Festival Internacional de Animación de Ottawa , [3] y el 24 de enero de 2023 recibieron una nominación a los 95.º Premios Óscar en la categoría Mejor Cortometraje de Animación . [4]
Ambos son originarios de Alberta y se conocieron en Vancouver, en el Emily Carr College of Art and Design . En 2003, se mudaron de Montreal a Calgary, donde se crió Forbis. Además de su trabajo en la NFB, han colaborado en proyectos por encargo. [5] Interview , su anuncio para United Airlines, fue nominado a un Emmy en 2004. [6] [7] En 2007, fundaron el Bleak Midwinter Film Festival en su barrio natal de Inglewood, Calgary . [8] En 2018, recibieron el premio Winsor McCay de ASIFA por su "contribución excepcional al arte de la animación". [7]
Anteriormente fueron nominados a un premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación por su película de 1999 de la NFB When the Day Breaks (1999). Esta película también ganó el premio al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de Cannes , [16] así como el Premio Canadian Screen al Mejor Cortometraje de Animación . [17] y el Gran Premio en el Festival Mundial de Cine de Animación - Animafest Zagreb . Tilby también fue nominada individualmente por su cortometraje de 1991 de la NFB Strings . [18] [19]
The Flying Sailor (2022) se estrenó en el Festival de Animación de Annecy y ha recibido varios premios, entre ellos el de Mejor Película Canadiense en el Festival Internacional de Animación de Ottawa , [3] Mejor Animación en el Festival de Cortometrajes de la Ciudad de Nueva York y el Premio a la Mejor Película Experimental y Basada en Personajes en el Festival de Animación de Los Ángeles. Está incluida en The New Yorker Screening Room y ha sido seleccionada para el Festival de Cine de Sundance de 2023. [20] El 21 de diciembre de 2022 ,fue preseleccionada para los 95.º Premios Óscar en la categoría de Mejor Cortometraje de Animación . [21]
Wendy Tilby nació en 1960 en Edmonton , Alberta . Estudió artes visuales y literatura en la Universidad de Victoria antes de asistir al Instituto de Arte y Diseño Emily Carr , donde se especializó en cine y animación. Con el éxito de su película estudiantil, Tables of Content , Tilby fue invitada a unirse a la Junta Nacional de Cine de Canadá en Montreal. Su primera película, Strings (1991), ganó muchos premios internacionales, incluida una nominación al Premio de la Academia, [12] un Premio Genie (Academia de Cine Canadiense) y el primer premio en el Festival Internacional de Animación de Hiroshima. Tilby ha enseñado animación en la Universidad Concordia y Harvard , y de 2007 a 2009 fue examinadora externa de animación en el Royal College of Art de Londres. [22]
Amanda Forbis nació en Calgary, Alberta, en 1963. Estudió teatro y bellas artes en la Universidad de Lethbridge antes de asistir al Instituto de Arte y Diseño Emily Carr , donde se especializó en cine, vídeo y animación. Se incorporó a la National Film Board of Canada (Vancouver) en 1990 como directora de animación en una película educativa titulada The Reluctant Deckhand. Forbis también ha trabajado como instructora en el Arts Umbrella Children's Art Centre de Vancouver y ha dirigido numerosos talleres de animación para niños. [22]
Esta película no fue una colaboración entre Tilby y Forbis, solo trabajó en ella Tilby. El estilo de animación utilizado recuerda al método de pintura sobre vidrio esmerilado de Caroline Leaf , utilizado en su cortometraje de 1976, The Street . Sin embargo, Tilby utilizó iluminación inferior en su película, en lugar de iluminación superior como Caroline Leaf. Utilizó un aparato de cámara de animación y trabajó directamente debajo de la cámara, aplicó, movió y quitó las pinturas de colores en el vidrio hasta que el marco estuvo terminado. Cuando el marco estuvo completo, tomó dos fotogramas de metraje de la cámara superior. Luego, modificaba la imagen para hacer el siguiente fotograma y repetía el proceso. Para hacer detalles en las caras de los personajes y en su lenguaje corporal, Tilby usó un lápiz y rayó detalles en la pintura. También usó sus dedos, hisopos y pañuelos de papel para mover la pintura alrededor del vidrio y cambiar la escena. A Tilby le gusta usar este método porque la artista borra el trabajo anterior a medida que avanza, y la obliga a no detenerse en lo que ya ha filmado y seguir adelante con la filmación. [23]
Tilby y Forbis experimentaron con varios estilos y técnicas antes de descubrir la impresora de video que captura e imprime fotogramas de video (3x4 pulgadas) en papel térmico. Su técnica consistía en filmar secuencias con una cámara Hi-8 y en reclutar a ellos mismos y a sus amigos como actores. Los fotogramas seleccionados se imprimían y luego se fotocopiaban en papel bond normal. Con lápiz y barras de aceite, los renderizaban directamente sobre las fotocopias para crear personajes animales, agregar animación (por ejemplo, perros persiguiendo una ambulancia) y eliminar detalles no deseados. Todas las imágenes se filmaron luego con una cámara de 35 mm. Esta técnica fue diseñada para ahorrar tiempo, sin embargo, la película tardó unos cuatro años en completarse. [24]
Para Wild Life , Tilby y Forbis estaban decididos a encontrar una técnica que no implicara pintar a mano cada fotograma. Además, querían aprovechar la computadora y sus posibilidades de ahorro de tiempo. Finalmente descubrieron que el dibujo por computadora no funcionaría y que solo la pintura real podría brindar el aspecto deseado. Eligieron gouache por su flexibilidad y apuntaron a un estilo de arte popular tosco. Sin embargo, utilizaron la computadora extensivamente para la animación, la composición y la edición. Solo pudieron trabajar en Wild Life a tiempo parcial , debido a obligaciones comerciales, y se informa que la película les llevó de seis a más de siete años, desde el concepto hasta su finalización. [25] [6] Además de escribir, dirigir y animar la película, Forbis y Tilby escribieron la letra de la canción final de la película. [26]
Este cortometraje fue codirigido por Tilby y Forbis y se realizó utilizando animación 2D dibujada a mano y animación 3D CG, así como imágenes de acción en vivo. Los directores eligieron trabajar con 3D para lograr el aspecto y la sensación deseados de una ciudad en explosión. Esta elección fue un desafío para los cineastas, que se especializan en animación tradicional 2D dibujada a mano. [27] Contrataron al artista maya local, William Dyer, para esculpir una topografía virtual que recordara a Halifax en 1917, y Forbis y Tilby crearon las "capas" pintadas que lo cubrían todo. Estéticamente, buscaban combinar esa calidad de maqueta de tren destartalada con un aspecto de postal coloreada a mano. Utilizando combinaciones de animación CG, material de archivo y elementos pintados a mano, todo se editó junto en Adobe AfterEffects. El proceso fue altamente experimental y más complicado de lo que habían imaginado al principio. [27]
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