Wendy Tilby y Amanda Forbis son un dúo de animación canadiense . El 24 de enero de 2012, recibieron su segunda nominación al Oscar , por el cortometraje animado de la National Film Board of Canada (NFB), Wild Life (2011). [1] [2] Con su última película, The Flying Sailor , recibieron varias nominaciones y premios, incluida la de Mejor Película Canadiense en el Festival Internacional de Animación de Ottawa , [3] y el 24 de enero de 2023, recibieron una nominación a la 95ª edición de los Premios de la Academia en la categoría Mejor Cortometraje de Animación . [4]
Ambos originarios de Alberta, se conocieron en Vancouver en el Emily Carr College of Art and Design . En 2003, se mudaron de Montreal a Calgary, donde se crió Forbis. Además de su trabajo en la NFB, han colaborado en proyectos encargados. [5] Interview , su anuncio para United Airlines, fue nominado a un Emmy en 2004. [6] [7] En 2007, fundaron el Bleak Midwinter Film Festival en su barrio natal de Inglewood, Calgary . [8] En 2018, recibieron el premio Winsor McCay de ASIFA por su "contribución excepcional al arte de la animación". [7]
Anteriormente fueron nominados a un Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación por su película de la NFB de 1999 When the Day Breaks (1999). Esta película también ganó el premio al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de Cannes , [16] así como el Canadian Screen Award al Mejor Cortometraje de Animación . [17] y Gran Premio en el Festival Mundial de Cine de Animación - Animafest Zagreb . Tilby también fue nominada individualmente por su corto de la NFB de 1991, Strings . [18] [19]
The Flying Sailor (2022) se estrenó en el Festival de Animación de Annecy y recibió varios premios, entre ellos Mejor Película Canadiense en el Festival Internacional de Animación de Ottawa , [3] Mejor Animación en el Festival de Cortometrajes de la Ciudad de Nueva York y Mejor Película basada en Personajes. y Premio Experimental en el Festival de Animación de Los Ángeles. Está incluida en The New Yorker Screening Room y ha sido seleccionada para el Festival de Cine de Sundance 2023 . [20] El 21 de diciembre de 2022, fue preseleccionado para la 95ª edición de los Premios de la Academia en la categoría Mejor Cortometraje de Animación . [21]
Wendy Tilby nació en 1960 en Edmonton , Alberta . Estudió artes visuales y literatura en la Universidad de Victoria antes de asistir al Instituto Emily Carr de Arte y Diseño , donde se especializó en cine y animación. Con el éxito de su película estudiantil, Tables of Content , Tilby fue invitada a unirse al National Film Board de Canadá en Montreal. Su primera película, Strings (1991), ganó numerosos premios internacionales, incluida una nominación al Premio de la Academia, [12] un Premio Genie (Academia de Cine Canadiense) y el primer premio en el Festival Internacional de Animación de Hiroshima. Tilby ha enseñado animación en la Universidad Concordia y Harvard , y de 2007 a 2009 fue examinadora externa de animación en el Royal College of Art de Londres. [22]
Amanda Forbis nació en Calgary, Alberta, en 1963. Estudió teatro y bellas artes en la Universidad de Lethbridge antes de asistir al Instituto de Arte y Diseño Emily Carr, donde se especializó en cine, vídeo y animación. Se unió al National Film Board of Canada (Vancouver) en 1990 como directora de animación en una película educativa titulada The Reluctant Deckhand. Forbis también ha trabajado como instructor en el Arts Umbrella Children's Art Center de Vancouver y ha dirigido numerosos talleres de animación para niños. [22]
Esta película no fue una colaboración entre Tilby y Forbis, solo Tilby trabajó en ella. El estilo de animación utilizado recuerda al método de pintura sobre vidrio esmerilado de Caroline Leaf , utilizado en su cortometraje de 1976, The Street . Sin embargo, Tilby utilizó iluminación inferior en su película, en lugar de iluminación superior como Caroline Leaf. Usó un aparato de cámara de animación y trabajó directamente debajo de la cámara, aplicó, movió y quitó las pinturas de colores sobre el vidrio hasta terminar el marco. Cuando el encuadre estuvo completo, tomó dos fotogramas de metraje de la cámara superior. Luego modificaba la imagen para crear el siguiente fotograma y repetía el proceso. Para hacer detalles en los rostros de los personajes y en su lenguaje corporal, Tilby usó un lápiz y garabateó detalles en la pintura. También usó sus dedos, hisopos y pañuelos de papel para mover la pintura alrededor del vidrio y cambiar la escena. A Tilby le gusta usar este método porque la artista borra el trabajo anterior a medida que avanza, y eso la obliga a no pensar en lo que ya ha filmado y continuar con el rodaje. [23]
Tilby y Forbis experimentaron con varios estilos y técnicas antes de descubrir la impresora de video que captura e imprime cuadros de video (3x4 pulgadas) en papel térmico. Su técnica consistía en filmar metraje con una cámara Hi-8, reclutando a ellos mismos y a sus amigos como actores. Los marcos seleccionados se imprimieron y luego se fotocopiaron en papel bond normal. Usando lápiz y barras de óleo, renderizaron directamente sobre las fotocopias para crear personajes de animales, agregar animación (es decir, perros persiguiendo a una ambulancia) y eliminar detalles no deseados. Luego, todas las imágenes se tomaron con una cámara de tribuna de 35 mm. Esta técnica fue diseñada para ahorrar tiempo, sin embargo, la película tardó unos cuatro años en completarse. [24]
Para Wild Life , Tilby y Forbis estaban decididos a encontrar una técnica que no implicara pintar a mano cada cuadro. Además, querían aprovechar el ordenador y sus posibilidades de ahorro de tiempo. Finalmente descubrieron que el dibujo por computadora no funcionaba y que sólo la pintura real podía ofrecer el aspecto deseado. Eligieron el gouache por su flexibilidad y buscaron un estilo de arte popular y tosco. Sin embargo, utilizaron mucho la computadora para la animación, la composición y la edición. Solo pudieron trabajar en Wild Life a tiempo parcial , debido a obligaciones comerciales, y se dice que la película les llevó de seis a más de siete años, desde el concepto hasta su finalización. [25] [6] Además de escribir, dirigir y animar la película, Forbis y Tilby escribieron la letra de la última canción de la película. [26]
Este corto fue codirigido por Tilby y Forbis y se realizó utilizando animación 2D dibujada a mano y animación 3D CG, así como imágenes de acción en vivo. Los directores eligieron trabajar con 3D para lograr la apariencia deseada de una ciudad en explosión. Esta elección fue un desafío para los realizadores, que se especializan en animación tradicional en 2D dibujada a mano. [27] Reclutaron al artista maya local, William Dyer, para esculpir una topografía virtual que recordara a Halifax de 1917, y Forbis y Tilby crearon las 'pieles' pintadas que cubrían todo. Estéticamente, su objetivo era combinar la calidad de ese modelo de tren con una apariencia de postal teñida a mano. Utilizando combinaciones de animación CG, material de archivo y elementos pintados a mano, todo se editó en Adobe AfterEffects. El proceso fue altamente experimental y más complicado de lo que habían imaginado al principio. [27]
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