The Dam Keeper es un cortometraje de animación estadounidense de 2014 dirigido por Robert Kondo y Daisuke Tsutsumi . Cuenta la historia de Pig, un joven introvertido que vive en un molino de viento y evita que una niebla oscura envuelva su pueblo. Aunque socialmente rechazado por sus compañeros, se hace amigo del artístico Fox.
Kondo y Tsutsumi comenzaron a desarrollar la película mientras trabajaban como directores de arte en Monsters University y la produjeron a través de un programa cooperativo en Pixar . Este es el segundo cortometraje de Tsutsumi, después de Sketchtravel de 2011 , y el primer esfuerzo como director de Kondo. Los productores Megan Bartel y Duncan Ramsay también eran empleados de Pixar. La película recibió una nominación al Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación .
Pig vive solo en un molino de viento en las afueras de la ciudad. El molino de viento se encuentra encima de una enorme pared y continuamente aleja una niebla oscura que se cierne perpetuamente fuera de la pared. Todos los días, Pig le da cuerda al molino para que siga girando, tal como lo hizo su padre antes que él.
Sin embargo, en la ciudad y en la escuela, a nadie le gusta Pig. Aunque protege el pueblo, los otros niños animales se burlan de él y lo intimidan.
Pronto, un nuevo estudiante, Fox, llega a la escuela con un cuaderno de bocetos y rápidamente se vuelve bastante popular. Un día, por error se le cae el cuaderno de bocetos al salir del aula y Pig descubre que Fox dibuja caricaturas burlonas de compañeros y profesores. Fox aparece al día siguiente molesta por haber perdido el cuaderno de bocetos, pero rápidamente se siente aliviada al ver que Pig lo tiene con él.
Ese día en la escuela, los matones arrastran a Pig al baño y lo acosan. Fox descubre a Pig en el baño, lo consuela y le enseña a usar el arte como salida emocional para sus dificultades diarias. Los dos se hacen buenos amigos. Un día, después de la escuela, Pig se da cuenta de que Fox está rodeada de varios otros estudiantes que miran uno de sus dibujos y se ríen. Envalentonado, Pig se acerca al grupo. Entre la multitud, Pig apenas ve una caricatura de sí mismo de aspecto mezquino, con "Dirty P-" escrito en la parte superior. Devastado, Pig arranca el dibujo del cuaderno de bocetos de Fox y huye llorando.
A medida que avanza la noche, la niebla se acerca: Pig debería regresar a su casa para darle cuerda al molino de viento. En cambio, sentado con tristeza, se pone su máscara de gas y espera mientras la niebla envuelve la ciudad mientras los otros animales huyen aterrorizados. Finalmente, Pig mira el dibujo y descubre que él no es el único caricaturizado: Fox está a su lado y el título en realidad es "Dirty Pals". Volviendo a sus sentidos, Pig se da cuenta del horrible riesgo que corre la ciudad. Se dirige al molino de viento y logra librar a la ciudad de la niebla, perdiendo y dañando una de las hélices del molino en el proceso.
Pig mira por la ventana del molino de viento mientras la niebla se aclara y los ciudadanos comienzan a limpiar. Pig recuerda el dibujo y comienza a irse. Al abrir la puerta, Fox lo está esperando. Pig reconoce su malentendido y le ofrece perdón. Luego, los dos juegan juntos dentro del molino de viento.
The Dam Keeper se produjo como parte de un programa cooperativo de Pixar , según el cual los empleados pueden desarrollar sus propias películas sin el uso de recursos del estudio. [1] Los directores Robert Kondo y Daisuke "Dice" Tsutsumi fueron ambos directores de arte en Pixar. Habían trabajado juntos en Toy Story 3 y Monsters University . [1] [2] Parcialmente facilitado por tener sus oficinas ubicadas una al lado de la otra, rápidamente se formó una amistad entre los dos. Si bien el primer trabajo de Kondo fue en Pixar, Tsutsumi había trabajado anteriormente en Blue Sky Studios [3] y está casado con una sobrina del famoso animador japonés Hayao Miyazaki . [4] Kondo recuerda haber estado "fascinado por la experiencia exterior [de Tsutsumi]" y reconoció en ese momento que la "visión de su compañero de trabajo siempre pareció ser mayor que la caja [de] nuestra responsabilidad". [3] En 2011, Tsutsumi lanzó su primer trabajo como director: un cortometraje animado llamado Sketchtravel . En la película contó con la ayuda de Kondo, quien trabajó en ella como animador. [5] Kondo ha descrito la película como "de animación muy limitada... como un libro para niños que cobra vida". [6]
Poco después de finalizar Sketchtravel , Tsutsumi recurrió a Kondo con la idea de colaborar en un nuevo cortometraje. [2] [6] Esto fue durante el "calor de la producción" de Monsters University , un tiempo después del cual, como explicó Kondo, la mayoría de los animadores normalmente consideran tomarse un tiempo libre. [6] Kondo señaló: "Dice quería tomarse un tiempo libre, pero en ese tiempo quería hacer una película". [6] Los dos quedaron tentados por el potencial, reconociendo cuánto había podido lograr Tsutsumi como director en solitario y considerando cuánto más podrían lograr juntos. Para el año siguiente, desarrollaron ideas para historias antes y después del trabajo, [6] compartiendo tratamientos entre ellos a través de Google Docs . Al no poder utilizar sus oficinas de Pixar para la tarea, escribieron en los estudios de sus casas, en cafés, en cualquier lugar que "alentara [su] creatividad" y tuviera acceso a Internet . [1] Luego se reunieron los fines de semana para discutir ideas para historias. [6]
Una vez que completaron sus tareas en Monsters University , Kondo y Tsutsumi se tomaron un año sabático de tres meses para comenzar la producción de su proyecto. Comenzaron sin intenciones claras: la película sería simplemente un experimento para ver "hasta dónde podían llegar". [2] Los dos codirectores alquilaron un estudio sin ventanas justo enfrente de Pixar. [2] [7] Al principio, no estaban seguros de cómo abordar la producción. "No había una fórmula real ni un camino real para determinar lo que era correcto", afirmó Kondo. [8] "No lo sabíamos: ¿deberíamos escribir un guión, dibujar momentos, hablar sobre diseño de personajes?" [8] No fue hasta que su editor, Bradley Furnish, [3] se involucró, que todos los elementos individuales se sintetizaron en lo que los directores reconocieron como una película potencial. [8]
Los dos directores se negaron a presionarse para luchar por la perfección; sólo querían terminar la película. Reconociendo el proceso como una "experiencia de aprendizaje" y eligiendo extender esta oportunidad al resto del equipo, contrataron animadores que eran predominantemente jóvenes y acababan de graduarse de la escuela. [6] "El crecimiento fue una gran parte de... a quién seleccionamos para incorporar", dijo Kondo. [9] "Seguimos preguntando, ¿qué puedes ganar trabajando en este proyecto?" [9] Completando el equipo estaban otros empleados de Pixar, [1] como Duncan Ramsay, quien trabajó como asistente de producción en el estudio. Los compañeros de trabajo de Ramsay le dieron la oportunidad de llegar a The Dam Keeper en una posición aún más distinguida que la de asistente de producción - productor. Sin embargo, Ramsay temía que equilibrar un proyecto como este, además de sus tareas habituales en Pixar, resultara una carga de trabajo inmanejable. Así que inicialmente rechazó la oferta. De todos modos, poco a poco se fue involucrando en el proyecto y, una vez que se comprometió por completo, convenció a su amiga, Megan Bartel, para que viniera a la película como productora con él. Bartel caracterizó a Ramsay como "el estratega perfecto"; alguien que posee una mezcla ideal de calidez e inteligencia. [10] Ramsay realizaría "controles diarios de progreso" durante la producción de la película y encontró una "salida creativa" al escribir la narración de la película. [10] La tripulación en su totalidad estaba formada por unas setenta personas, aunque había un "grupo central" de entre veinte y veinticinco. [6] Todos trabajaron de forma voluntaria. [1] [11]
En busca de orientación, Kondo y Tsutsumi recurrieron a Erick Oh, uno de sus compañeros de trabajo de Pixar, que ya tenía experiencia como cineasta independiente. [3] [12] Oh estaba feliz de hacerlo. A medida que se involucró más en la película, fue más allá de su mero papel de asesor para convertirse en el animador supervisor de la película. [3] Aunque nunca antes había trabajado en este puesto, lo encontró como un "puente" entre la animación (que había hecho en Pixar) y la dirección (que había hecho en sus propias películas). [12] [13]
La producción oficial comenzó a principios de 2013. [10] Aunque Kondo y Tsutsumi habían planeado llevar a cabo la mayor parte de la producción de la película dentro de los tres meses que despegaron de Pixar, este cronograma se desarrolló en torno a una versión inicial de la película que solo estuvo en cartelera durante ocho minutos. [3] A medida que la duración de la película se amplió, llegando finalmente a los dieciocho minutos, el período de producción se extendió a un total de nueve meses. [6] "Simplemente no podíamos prever la duración de la historia que queríamos contar al principio", reflexionó Tsutsumi. [3] "[Pero] si nos fijamos en las matemáticas, tres meses de ocho minutos a nueve meses de 18 minutos no están tan mal". [3] Al comentar sobre la creciente duración de la película, Kondo explicó que ocho minutos parecían insuficientes para transmitir el tipo de historia que él y Tsutsumi querían contar: una en la que la percepción de la vida de un personaje cambia significativamente. Sin embargo, Kondo espera que en el futuro puedan hacer películas con "la misma emoción en un formato más corto". [3]
Principalmente interesados en la oportunidad de colaborar, Kondo y Tsutsumi no tenían ninguna historia específica en mente cuando comenzaron. [6] Disfrutan de tipos similares de películas, pero no se adaptaron inmediatamente al proceso de escritura; les llevó algún tiempo "encontrar una manera de hacerlo juntos", dijo Tsutsumi. [8] Su primera idea se centró en un viejo minero y su perro. [8] Esto luego evolucionó a través de cuatro o cinco iteraciones diferentes, antes de manifestarse en su forma final. [2] [6] [8] Inspirándose en The Little Dutch Boy , un cuento popular sobre un joven que salva su ciudad colocando su dedo en un dique , Kondo y Tsutsumi idearon un personaje que tendría una responsabilidad similar, excepto en un día a día. [2] [14]
Temáticamente, el dúo buscó crear una historia que fuera fiel a las experiencias familiares: querían que cualquiera pudiera identificarse con la historia. [14] La niebla oscura que invade la ciudad tiene dos propósitos: comenta la "realidad contemporánea" de la contaminación, al tiempo que simboliza la lucha de Pig con los demonios internos. [6] Kondo explicó que tanto él como Tsutsumi deseaban crear un mundo que se sintiera "impermanente", en el que las cosas "no parezcan que puedan durar para siempre". [6] Ambos directores disfrutan de películas que son "de ritmo lento, poéticas [y] muy tranquilas". [3] Aunque intentaron capturar esta estética en The Dam Keeper , también les preocupaba el retraso de la película, [3] por lo que trabajaron con su editor, Bradley Furnish, para asegurarse de que la película tuviera un ritmo equilibrado. [3]
Tsutsumi ha nombrado a Frédéric Back como su principal influencia como animador. "Él [Back] siempre tenía algo que decir. Para él, descubrir lo que estaba sucediendo en la sociedad era lo primero, antes que su oficio", dijo Tsutsumi. [15] Aunque los dos directores no buscaron hacer una "declaración social" con su película, los comentarios sobre temas mundiales fluyeron naturalmente en su historia. "[H]emos intentado con todas nuestras fuerzas mantenernos fieles a quienes somos", dijo Tsutsumi. [15] [Nosotros] somos muy conscientes de lo que está sucediendo hoy." [15] Kondo ha nombrado a Don Bluth como una de sus influencias, y ambos han nombrado a Hayao Miyazaki (el tío de Tsutsumi por matrimonio), así como las películas de Walt Disney , en particular, Pinocho , Dumbo y Ciento un dálmatas [15] .
Mucha gente le ha preguntado a Kondo si Pig se basó en él y si Fox se basó en Tsutsumi. Sin embargo, cada personaje en realidad se basó en ambos cineastas. "Creo que Pig puede ser quienes somos, pero Fox es quien queremos ser", explicó Tsutsumi. [2] Se describió a sí mismo y a Kondo como "algo introvertidos". [2] Aunque supone que no son tan introvertidos como Pig, cree que muchos artistas lo son. [2]
Se organizó una proyección de prueba del primer carrete de la historia para un grupo de amigos de Kondo y Tsutsumi que tenían más experiencia en escritura que los dos ex directores de arte. Según describe Kondo, la proyección fue "un desastre". [7] Los dos directores reconocieron por sí mismos que la historia no estaba funcionando como habían deseado. "Eso fue devastador", dijo Tsutsumi. [7] La historia parecía demasiado "embriagada" y no conectaba emocionalmente. [7] Aunque Kondo y Tsutsumi habían querido finalizar la historia antes de comenzar la producción, ahora tuvieron que revisarla, mientras trabajaban simultáneamente en otros aspectos de la película. De lo contrario, no habrían cumplido el cronograma. [7] De cara al futuro, Kondo ha señalado que dificultades como ésta son inevitables. Ha dicho que sólo espera ser "más ágil" a la hora de abordarlos en el futuro. [7]
Se eliminó una escena de la película terminada. Estaba a mitad de la animación en ese momento y fue eliminado porque los directores pensaron que "distraía la atención del arco emocional" de la historia. [16] En la escena, Pig pierde la noción del tiempo y llora solo en un salón de clases después de la escuela. Mientras corre hacia el molino de viento, la niebla casi invade la ciudad. [dieciséis]
Como directores de arte de Pixar, Kondo y Tsutsumi fueron los principales responsables de la creación de pinturas conceptuales. [14] Con poca experiencia en el proceso real de animación de una película, [3] el dúo desarrolló un estilo visual para The Dam Keeper que utilizaba sus habilidades pictóricas. [2] [3] [17] Después de crear la animación de la película en TVPaint , un programa de animación digital francés , [1] [3] se agregaron efectos de pincelada a cada fotograma en Photoshop . [2] [3] Aunque Tsutsumi describió este enfoque como "que consume mucho tiempo", consideró que "al final valió la pena". [2]
Al comenzar el proyecto, Kondo y Tsutsumi ya tenían estilos de pintura similares. [3] Sin embargo, decidieron aprender aún más unos de otros [6] y luego capacitaron a su equipo de animación para trabajar dentro de estos estilos. [2] Durante su año sabático de Pixar, los directores llevaron a su equipo afuera para pintar juntos y también hicieron naturalezas muertas con ellos. Al principio, los animadores avanzaron poco. "Pasamos de al menos nosotros dos pintando todos los días y produciendo cosas para la película, a ninguno de nosotros", remarcó Kondo sobre la situación. Durante el primer mes no se produjo ni un solo fotograma de la película. Más tarde, los directores describieron este momento como "aterrador". [17] Comenzaron a preocuparse de que la película nunca se completara. Sin embargo, de repente, los animadores comenzaron a lograr más de lo que sus directores habían previsto de ellos. "Literalmente en un día... pasamos de cero a exceder la producción durante una semana... las expectativas sobre cuál podría ser nuestra producción simplemente se dispararon", dijo Kondo. [17] Los animadores aprendieron ciertas técnicas incluso más rápido que Kondo y Tsutsumi. Cuando se les asignaba una tarea, a menudo devolvían un trabajo de mayor calidad que la que sus directores habían pedido inicialmente. [17]
"Queríamos animar la luz, y creo que esa es una de esas cosas que quizás sea única en nuestra película. Animamos la luz cuadro por cuadro... y diseñamos la luz para que [sea] un enorme componente cinematográfico. ... [la película] parece tridimensional gracias a eso".
El codirector Daisuke "Dice" Tsutsumi habla sobre la importancia de la iluminación en el estilo de animación de la película. [6]
Para la película se crearon unos 8.000 fotogramas. [2] [14] Aunque la animación 3D no se utiliza en la versión final de la película, se utilizaron Maya y otros programas de software 3D para la previsualización . [1] Los directores sintieron que esto "permitió [para] la mayor exploración del diseño de la escena en el menor tiempo posible". [1] Tsutsumi ha dicho que muchas personas han confundido la animación de la película con CGI "con una textura pictórica encima". [6] De hecho, considera que este concepto erróneo es complementario, y lo atribuye a su estilo de pintura y al de Kondo, que enfatiza la luz y "cómo los personajes interactúan con ella". [6] En Photoshop, los animadores usaron " capas de ajuste para pintar iluminación en los personajes". [1] Esto ayudó a que los fotogramas permanecieran consistentes entre los animadores. [1] Para ayudar aún más a la coherencia, los fotogramas se compararon en AfterEffects . [3]
Después de crear escenas para la película, los animadores las subían al servicio de intercambio de archivos Box y etiquetaban a los directores para indicar que las escenas "estaban listas para ser revisadas". [1] Kondo y Tsutsumi luego dejarían notas sobre el trabajo de los animadores y pintarían . Como Box puede guardar cada versión de un archivo, nadie tuvo que "preocuparse por perder nada", explicó Kondo. [1] Esto les ayudó a él y a Tsutsumi a realizar un seguimiento de todo lo que sucedía en la producción. Kondo señaló que sin la facilidad de "comunicación, organización de la información y colaboración" que brindan las nuevas tecnologías, la película "habría tenido que haber cambiado en alcance, complejidad y calidad para poder realizarse" en el plazo previsto". [1] considera que esto habría sido imposible de lograr una década antes [1] .
La banda sonora de la película fue compuesta por Zach Johnston y Matteo Roberts. [18] Johnston había colaborado previamente con los directores de Sketchtravel de Tsutsumi , como compositor y coguionista. [18] [19] Los cuatro a menudo conversaban por Skype . Kondo y Tsutsumi no tienen experiencia musical, pero sintieron que estaban "en buenas manos" con sus compositores. [18] Fueron sinceros acerca de su falta de experiencia en esta área. Al hacer sugerencias para la partitura, reconocerían que tal vez no valga la pena utilizar sus ideas. Sin embargo, tanto Johnston como Roberts sienten que los directores hicieron valiosas contribuciones musicales. Johnston comentó que los directores hicieron que la partitura fuera "más elegante y sutil" de lo que hubiera sido de otra manera. [18] Observando la importancia de este punto, Roberts dijo que debido a que el dolor de Pig se ha normalizado en su vida, la partitura sólo debe reflejar "un matiz de tristeza" y no ser "demasiado dramática". [18] Ambos compositores disfrutaron mucho de su tiempo en la película. Sintieron una considerable libertad a la hora de crear la partitura y descubrieron que no había presión para imitar el sonido de otros compositores. Después de completar la película, Johnston bromeó diciendo que su carrera y la de Roberts estarían "cuesta abajo a partir de aquí... a menos que Dice y Robert nos pidan que hagamos otra". [18]
La partitura de demostración fue creada y grabada en GarageBand de Apple . [1] Minna Choi luego dirigió la MagicMagic Orchestra al interpretar la partitura en vivo. Grabaron en Fantasy Studios en Berkeley, California . La sala del estudio contenía una pantalla que mostraría las escenas correspondientes. Muchos de los instrumentistas descubrieron que no podían ver esto sin sentirse abrumados por la emoción. Como tal, tuvieron que desviar la mirada. Tsutsumi relató un momento en el que Choi estaba explicando la historia de la película a la orquesta y la encontró conmovida hasta las lágrimas. Por su parte, Kondo encontró "fascinante" ver a Choi dirigir. [18] "Hay algo en ver a alguien que es increíble en su oficio", dijo. [18] Al comentar sobre la partitura de Johnston y Roberts, Choi la llamó "tierna", "dulce" e "inocente". [18]
Cuando Kondo y Tsutsumi completaron la producción de The Dam Keeper , se sintieron inquietos en Pixar. "Por supuesto que fueron geniales con nosotros", dijo Kondo sobre sus amigos en el estudio. [3] "Siguen siendo nuestra familia, pero... si no volviéramos a [el cine independiente] y nos desafiáramos a nosotros mismos... al final no sólo sufriríamos nosotros, sino que Pixar también sufriría". [3] Él y Tsutsumi tomaron la difícil decisión de dejar atrás su empleo. Tsutsumi era un nuevo padre en ese momento. Kondo pronto se casaría. [3] Amigos y familiares los interrogaron. Sin embargo, el dúo se enamoró profundamente de la experiencia de hacer películas por su cuenta. Cuando se propusieron por primera vez dirigir The Dam Keeper , buscaban algo que pudiera reflejar los primeros días de Pixar. "Crear algo desde cero es lo que significa 'crear'", explicó Tsutsumi. [2] "No experimentamos ese comienzo y, si nos quedáramos en Pixar, nunca lo viviríamos". [2] Los dos sintieron que habían aprendido más en los nueve meses que les llevó producir The Dam Keeper que en todos sus años anteriores como directores de arte. No querían que este período gratificante de sus vidas durara poco tiempo. [3]
Al darse cuenta de que con el paso de los años se volvería más difícil salir solos, Kondo y Tsutsumi renunciaron a Pixar en julio de 2014. [3] A partir de ahí, fundaron su propio estudio, Tonko House . [2] [3] Aunque eventualmente se trasladarían a Berkeley, California , al principio Tonko House estaba situada dentro del mismo estudio sin ventanas en el que se produjo The Dam Keeper , justo enfrente de Pixar. Kondo y Tsutsumi invitaron a su antiguo jefe y mentor, Ed Catmull , a visitarlos. Le dio al dúo su bendición y dijo: "Este es el momento que recordarás, sin importar en qué se convierta, sin importar cuán grande se vuelva... ese primer momento, cuando creas algo de la nada, es el mejor momento. " [2]
Tonko House deriva su nombre de las palabras japonesas para cerdo (ton) y zorro (ko). [3] [15] No fue el primer nombre que Kondo y Tsutsumi consideraron, pero todas sus otras ideas ya estaban tomadas. Para asegurarse de que se les ocurriera algo sin usar, decidieron usar una palabra "sin sentido", pero que aún tuviera una conexión "indirecta" con su identidad y trabajo. [3] Ko es una palabra pasada de moda y no se usa comúnmente en el idioma japonés moderno. [3]
La película fue producida sin intenciones claras para su estreno. "No hicimos The Dam Keeper para participar en festivales, sólo queríamos hacer una película. Pero una vez terminada queríamos compartirla", dijo Tsutsumi. [3] La película fue rechazada por los primeros festivales a los que se presentó. [3] En febrero de 2014, fue aceptada en el 64º Festival Internacional de Cine de Berlín , donde tuvo su estreno mundial. [3] [20] [21] El estreno en Estados Unidos siguió en marzo, en el 17º Festival Internacional de Cine Infantil de Nueva York . [21] En total, más de noventa festivales han proyectado la película. [3] La primera proyección pública se llevó a cabo en diciembre de 2014 en un pequeño cine en Berkeley, California. En esta proyección, Kondo y Tsutsumi subastaron obras de arte originales. [15]
Con la nominación al Oscar de la película, Magnolia Pictures y Shorts HD la eligieron para su distribución en cines . Se estrenó el 30 de enero de 2015, en una recopilación con los otros cortometrajes animados nominados al Oscar de 2014, y se proyectó en 350 salas de América del Norte, así como en varias docenas de Europa y América Latina. [15]
Collin Souter de Rogerebert.com calificó a The Dam Keeper como "una hermosa obra" y especuló que podría ganar el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación. [22] Justin Chang de Variety comparó la película con la novela oscura Carrie de Stephen King . [23] Elogió su estilo visual "temperamental y apagado", que en su opinión se parecía tanto a la pintura como a la tiza . [23] Observando que las "imágenes en constante cambio capturan perfectamente una comunidad frágil que fácilmente podría desaparecer en el éter", consideró la película "emocionalmente desgarradora". [23] En un artículo para The New York Times , Charles Solomon escribió que el diseño de la película "sugiere un lienzo en movimiento". [2] En un artículo separado para The New York Times , AO Scott calificó la película de "compleja y gratificante". [24] Elogió sus comentarios tanto sobre el entorno como sobre las luchas emocionales, y encontró que los diseños de los personajes eran "encantadores, sin ser especialmente lindos". [24] Carolyn Giardina de The Hollywood Reporter calificó la historia de la película como "conmovedora" y su diseño visual como "hermoso". [11] El crítico independiente, activista y autor publicado Richard Propes [25] escribió en su sitio web, The Independent Critic , que la película fue uno de los mejores cortometrajes del Heartland Film Festival de 2014 . Aunque no estaba seguro de por qué le había impactado tanto, declaró que la película permanecería con él por mucho tiempo después de verla. Aunque la reconoció como menos "diseñada para el consumo masivo" que la mayoría de la animación estadounidense convencional, escribió que debería considerarse igual en valor de entretenimiento. [26] Le dio a la película una A- y elogió su naturaleza tranquila y emocionalmente envolvente. [26]
Según el New York Times , la mayoría de los animadores profesionales consideraron The Dam Keeper como el mejor cortometraje de animación nominado al Oscar de 2014. El productor de Disney , Don Hahn, elogió la película diciendo: "Hay similitudes en gran parte de la animación, por lo que cuando aparece una película como The Dam Keeper , nos recuerda que los límites de la animación apenas se han explorado". [2] Uno de los escritores y directores de Cómo entrenar a tu dragón 2 , Dean DeBlois , dijo que el estilo de animación de The Dam Keeper se asemeja a una obra de arte de desarrollo a la que se le ha dado "vida, poesía y movimiento". [2]
La película recibió una nominación al Oscar al Mejor Cortometraje de Animación en la 87ª edición de los Premios de la Academia , [27] pero perdió ante Disney's Feast . [28] Incapaces de financiar una campaña para los Oscar, Kondo y Tsutsumi formaron una estrategia de base que se basó en las plataformas de redes sociales . Habían dado poca consideración a la posibilidad de una nominación al Oscar mientras hacían la película, y Tsutsumi calificó la revelación como "un poco abrumadora". [3] No era parte del plan de Tonko House", dijo. [3] Para ellos, el verdadero significado del honor es que muestra su lugar dentro de la comunidad de animación. [3]
First Second Books anunció una colaboración con Tonko House para publicar una trilogía de novelas gráficas que ampliaría las aventuras de Pig y Fox 5 años después de los acontecimientos del corto. [31] En las novelas gráficas, la niebla venenosa retrocede por primera vez, lo que lleva a Pig y Fox a explorar el más allá con la improbable ayuda de uno de los matones de Pig, Hippo. En el camino, se responderán las preguntas planteadas en el corto sobre el paradero de los padres de Pig y la niebla venenosa que envuelve al otro lado de la presa.
Robert Kondo, uno de los directores y artistas de The Dam Keeper, comentó que la continuación está "inspirada en una anécdota personal de Tstusumi, [diciendo] que están interesados en explorar cómo evoluciona la amistad a medida que [ellos] maduran". Tenían "ocho o diez" cuando "el tipo de amigos es diferente a cuando crecen y empiezan a aprender sobre el mundo y quiénes son en el mundo". La primera novela gráfica estaba programada para publicarse en 2016, [32] pero se retrasó hasta el 26 de septiembre de 2017, mientras que la segunda entrega, " The Dam Keeper: World Without Darkness" se publicó el 10 de julio de 2018 y la tercera y última novela gráfica. La novela titulada " The Dam Keeper: Return from the Shadows " se publicó el 2 de julio de 2019.
También hay una secuela del corto que está en desarrollo con Kondo y Tsutsumi regresando como directores. [33] Producido por el ex productor de Blue Sky Studios , Kane Lee, está destinado a expandir también las aventuras de Pig y Fox al igual que la trilogía de novelas gráficas. [34]
Originalmente, cuando se anunció el largometraje, fue en colaboración con 20th Century Fox Animation durante el desarrollo. Sin embargo, tras la adquisición de The Walt Disney Company con 21st Century Fox a partir del 20 de marzo de 2019 , la película se está desarrollando actualmente de forma independiente en Tonko House, buscando otros estudios cinematográficos con los que colaborar. [35]
Tonko House produjo una serie de televisión animada basada en el corto titulado Pig: The Dam Keeper Poems . Se estrenó en Hulu en Japón. [36] [37]
