Pulp Fiction es una película policial independiente estadounidense de 1994 escrita y dirigida por Quentin Tarantino a partir de una historia que concibió con Roger Avary . [3] Narra cuatro historias entrelazadas de crimen y violencia en Los Ángeles, California . La película está protagonizada por John Travolta , Samuel L. Jackson , Bruce Willis , Tim Roth , Ving Rhames y Uma Thurman . El título hace referencia a las revistas pulp y las novelas policiales duras populares a mediados del siglo XX, conocidas por su violencia gráfica y diálogos contundentes.
Tarantino escribió Pulp Fiction en 1992 y 1993, incorporando escenas que Avary escribió originalmente para True Romance (1993). Su trama ocurre fuera de orden cronológico . La película también es autorreferencial desde sus momentos iniciales, comenzando con una tarjeta de título que da dos definiciones de diccionario de "pulp". Se dedica un tiempo considerable en pantalla a monólogos y conversaciones casuales con diálogos eclécticos que revelan las perspectivas de cada personaje sobre varios temas, y la película presenta una combinación irónica de humor y fuerte violencia. TriStar Pictures supuestamente rechazó el guion por ser "demasiado demente". Sin embargo, el copresidente de Miramax Films, Harvey Weinstein , quedó cautivado y la película se convirtió en la primera que Miramax Films financió por completo.
Pulp Fiction ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1994 y fue un gran éxito de crítica y público. Fue nominada a siete premios en la 67.ª edición de los Premios Óscar , incluida la de Mejor Película , y ganó el de Mejor Guion Original ; Travolta, Jackson y Thurman fueron nominados a Mejor Actor , Mejor Actor de Reparto y Mejor Actriz de Reparto respectivamente. Como resultado del éxito de la película, la carrera de Travolta se revitalizó. El desarrollo, la comercialización, la distribución y la rentabilidad de la película tuvieron un efecto radical en el cine independiente.
Pulp Fiction es considerada ampliamente como la obra maestra de Tarantino , con elogios particulares para su guion. [4] La autorreflexión, la estructura poco convencional y el extenso homenaje y pastiche han llevado a los críticos a describirla como una piedra de toque del cine posmoderno . A menudo se considera un hito cultural, que influyó en películas y otros medios que adoptaron elementos de su estilo. El elenco también fue ampliamente elogiado, con Travolta, Thurman y Jackson obteniendo grandes elogios. En 2008, Entertainment Weekly la nombró la mejor película desde 1983 [5] y ha aparecido en muchas listas de críticos de las mejores películas jamás realizadas . En 2013, Pulp Fiction fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa". [6] [7] [8]
La narrativa de Pulp Fiction está contada fuera de orden cronológico y sigue tres historias principales interrelacionadas, cada una con un protagonista diferente: Vincent Vega, un sicario; Butch Coolidge, un boxeador profesional; y Jules Winnfield, el compañero de crímenes de Vincent. [9]
La película comienza con un robo en un restaurante organizado por una pareja, luego comienza a pasar de una trama a otra antes de regresar al restaurante para la conclusión. Hay siete secuencias narrativas; las tres tramas principales están precedidas por intertítulos:
Si las siete secuencias se ordenaran cronológicamente, serían: 4a, 2, 6, 1, 7, 3, 4b, 5. Las secuencias 1 y 7 se superponen parcialmente y se presentan desde diferentes puntos de vista, al igual que las secuencias 2 y 6. Según Philip Parker, la forma estructural es "una narración episódica con eventos circulares que añaden un principio y un final y permiten que se hagan referencias a elementos de cada episodio por separado a lo largo de la narración". [10] Otros analistas describen la estructura como una "narración circular". [11] [12]
Una pareja de ladrones, Pumpkin y Honey Bunny, recuerdan sus intentos de robo del pasado mientras desayunan en un restaurante. Pumpkin propone que roben el restaurante en ese momento porque cree que los clientes y los empleados no estarán preparados para detenerlos. Honey Bunny está de acuerdo.
Dos sicarios, Jules Winnfield y Vincent Vega, llegan a un apartamento para recuperar un maletín para su jefe, el influyente gánster local Marsellus Wallace, de un socio comercial, Brett, y sus amigos. Después de que Vincent revisa el contenido del maletín, Jules dispara a uno de los amigos de Brett. Jules reprende a Brett por su intento de traicionar a Marsellus y recita un pasaje de la Biblia, antes de que él y Vincent maten a Brett.
Jules y Vincent le dan el maletín a Marsellus, quien soborna al boxeador Butch Coolidge para que se sumerja en su próximo combate. Vincent compra heroína a su traficante de drogas, Lance. Se inyecta y conduce para encontrarse con la esposa de Marsellus, Mia Wallace , habiendo acordado escoltarla mientras Marsellus está fuera de la ciudad por la noche. Cenan en un restaurante con temática de los años 50 y participan en un concurso de twist , luego regresan a casa. Mientras Vincent está en el baño, Mia encuentra su heroína, la confunde con cocaína y la inhala, lo que resulta en una sobredosis. Vincent la lleva rápidamente a la casa de Lance, donde Lance la ayuda a revivirla inyectándole adrenalina en el corazón . Vincent lleva a Mia a casa y acuerdan no contarle nunca a Marsellus sobre el incidente.
Butch traiciona a Marsellus al ganar la pelea, pero mata accidentalmente a su oponente en el proceso. Planea huir con su novia, Fabienne, pero descubre que ella olvidó empacar una reliquia : un reloj de oro que pertenecía al padre de Butch. Al regresar a su apartamento para recuperarlo, nota una pistola en la encimera de la cocina y escucha la cadena del inodoro. Cuando Vincent sale del baño, Butch lo mata de un disparo y se va.
Cuando Marsellus ve a Butch detenido en un semáforo, Butch lo embiste con su coche. Marsellus lo persigue hasta una casa de empeños . Maynard, el dueño de la tienda, los captura a punta de pistola y los ata y amordaza en el sótano. Maynard y su cómplice, Zed, llevan a Marsellus a otra habitación y comienzan a violarlo. Butch se libera y está a punto de escapar, pero decide salvar a Marsellus y se arma con una katana de la casa de empeños. Mata a Maynard y libera a Marsellus, quien le dispara a Zed en la entrepierna con la escopeta de Maynard. Marsellus le dice a Butch que están a mano y le ordena que no le cuente a nadie sobre el incidente y que se vaya de Los Ángeles para siempre. Butch recoge a Fabienne en el helicóptero de Zed y se van.
En el apartamento, después de que Jules y Vincent matan a Brett, otro hombre sale del baño y les dispara. Todos los disparos fallan y lo matan a tiros. Jules dice que su supervivencia fue un milagro, lo que Vincent niega, creyendo que el hombre era simplemente un pésimo tirador. Mientras se alejaba conduciendo con otro de los amigos de Brett, Marvin (que en realidad era un infiltrado de la organización de Marsellus), Vincent le dispara accidentalmente en la cabeza después de que Jules pasa sobre una inconsistencia no identificada en la plataforma de la carretera, cubriendo a Vincent, Jules y el interior del automóvil de sangre. Esconden el automóvil en la casa del viejo amigo y ex socio comercial de Jules, Jimmie, quien exige que se ocupen del problema antes de que su esposa Bonnie regrese a casa. Marsellus envía a un limpiador , Winston Wolfe, quien ordena a Jules y Vincent que escondan el cuerpo en el maletero, limpien el automóvil, se deshagan de su ropa ensangrentada y lleven el automóvil a un depósito de chatarra.
En el restaurante del prólogo de la película, Jules le dice a Vincent que planea retirarse de su vida de crimen, convencido de que su supervivencia en el apartamento fue una intervención divina . Mientras Vincent está en el baño, Pumpkin y Honey Bunny asaltan el restaurante y exigen el maletín de Marsellus. Pumpkin inicialmente apunta a Jules con una pistola, pero Jules pronto domina a Pumpkin y lo apunta con una pistola. Honey Bunny se pone histérica y apunta con su arma a Jules. Vincent regresa con su arma apuntándola, pero Jules calma la situación. Recita el pasaje bíblico, expresa ambivalencia sobre su vida de crimen y permite que los ladrones tomen su dinero y se vayan. Jules y Vincent salen del restaurante con el maletín.
Bronagh Gallagher interpreta a Trudi, la amiga de Jody, que no hace mucho más que fumar un bong durante la escena en la que Vincent revive a Mia. Según el autor Jason Bailey, "Quentin pensó que sería divertido tener a este observador casual que estaba allí por casualidad. Todo esto nació de la experiencia de que, cuando vas a la casa de alguien a comprar drogas, siempre hay gente que está allí". [49] Phil LaMarr interpreta a Marvin, un socio de Jules y Vincent. LaMarr hizo una audición para Tarantino después de que ambos hicieran un espectáculo para un grupo de improvisación unos meses antes. [50] Leyó los papeles de Jules Winnfield y Brett antes de ser elegido para interpretar a Marvin. [50] Tarantino aparece como Jimmie, el amigo de Jules, en cuya casa limpian un asesinato. Tarantino no estaba seguro de si interpretar a Jimmie o a Lance, y eligió a Jimmie porque quería estar detrás de la cámara durante la escena de la sobredosis de Mia. [38]
Frank Whaley interpreta a Brett, que tiene un maletín solicitado por Marsellus. Whaley conoció a Tarantino mientras estaba filmando Reservoir Dogs en un laboratorio en el Instituto Sundance . Recuerda, "terminamos conociéndonos y pasando tiempo juntos, y me agradó, así que estaba muy feliz cuando me pidió estar en esta película". [51] Burr Steers aparece como Roger, un amigo de Brett apodado " Bandada de gaviotas " por Jules. La escena del enfrentamiento entre Brett y Jules pasó por varias tomas debido a que Steers cometió errores. Steers recordó en una entrevista que había encontrado difícil actuar debido al volumen de los disparos. [52]
Angela Jones interpreta a Esmarelda Villalobos, una taxista que ayuda a Butch a escapar. Su elección y personaje se inspiraron en su actuación en el cortometraje de 1991 Curdled , que luego se rehizo como un largometraje de 1996 con financiación de Tarantino y nuevamente protagonizado por Jones. [53] Duane Whitaker , Peter Greene y Stephen Hibbert interpretan a Maynard, Zed y el cojo. [54] Según The Daily Beast , estos "tres paletos psicópatas " que violan a Marsellus en el sótano de la tienda de Maynard aluden a la película Deliverance . [53] [54] Steve Buscemi hace un cameo como camarero en Jack Rabbit Slim's, vestido como Buddy Holly . Buscemi, que había aparecido en Reservoir Dogs , fue considerado originalmente para el papel de Jimmie, pero no pudo comprometerse. [53] Kathy Griffin aparece como ella misma. [42] [55] Michael Gilden y Joseph Pilato también aparecen en Jack Rabbit Slim's como el camarero Phillip Morris Page y un imitador de Dean Martin , respectivamente. Emil Sitka hizo un cameo a través de imágenes de archivo póstumas, Karen Maruyama aparece como "Gawker # 1" después del accidente automovilístico de Butch, y Julia Sweeney interpreta a Raquel, la hija del dueño del depósito de chatarra en el que se desecha el cuerpo de Marvin. El productor Lawrence Bender hace un cameo como víctima del robo del restaurante, acreditado como "Yuppie-Scum de pelo largo". Jerome Patrick Hoban aparece en el segmento de Jack Rabbit Slim's como un imitador de Ed Sullivan . Susan Griffiths aparece junto a Hoban como una imitadora de Marilyn Monroe .
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Las raíces de Pulp Fiction se remontan a finales de los años 1980, cuando Tarantino y Roger Avary trabajaron juntos en Video Archives , una tienda de videos en el sur de California. Avary recuerda que su concepto inicial era crear tres cortometrajes con tres cineastas diferentes: él mismo, Tarantino y un amigo, Adam Rifkin. [56] Avary escribió el primer elemento de lo que se convertiría en el guion de la película en el otoño de 1990, [57] titulado "Pandemonium Reigns", que finalmente se expandió a un guion de largometraje. Si bien el cortometraje de Tarantino evolucionó de manera similar a un guion completo, Rifkin nunca completó su contribución, lo que dejó a Pulp Fiction inicialmente incierta. [56] La inspiración inicial fue la película antológica de terror en tres partes Black Sabbath (1963), del cineasta italiano Mario Bava . El proyecto Tarantino-Avary se tituló provisionalmente " Black Mask ", en honor a la influyente revista de ficción policial . [32] El guion de Tarantino fue producido como Reservoir Dogs , su debut como director; Avary creó la base para la historia de "Gold Watch" de Pulp Fiction . [58] [59] [60] [61]
Una vez finalizado el trabajo en Reservoir Dogs , Tarantino volvió a la idea de una trilogía cinematográfica: "Se me ocurrió hacer algo que los novelistas tienen la oportunidad de hacer pero los cineastas no: contar tres historias separadas, con personajes que aparecen y desaparecen con distintos pesos según la historia". [62] Tarantino explica que la idea "era básicamente tomar como las historias más antiguas que hayas visto en lo que se refiere a crímenes, las historias más antiguas del libro... Ya sabes, 'La mujer de Vincent Vega y Marsellus Wallace', la historia más antigua sobre... el tipo tiene que salir con la mujer del grandullón y no tocarla. Ya sabes, has visto la historia un millón de veces". [9] "Estoy utilizando viejas formas de narración y luego las hago funcionar de forma descontrolada a propósito", dice. "Parte del truco es tomar estos personajes de películas, estos personajes de género y estas situaciones de género y aplicarlos realmente a algunas de las reglas de la vida real y ver cómo se desenmarañan". [63] En al menos un caso, el boxeador Butch Coolidge, Tarantino tenía en mente un personaje específico de una historia clásica de crímenes de Hollywood: "Quería que fuera básicamente como Ralph Meeker como Mike Hammer en Kiss Me Deadly [1955] de Aldrich . Quería que fuera un matón y un idiota". [47]
Tarantino se puso a trabajar en el guion de Pulp Fiction en Ámsterdam en marzo de 1992, [64] posiblemente en el Hotel Winston en el Barrio Rojo . [65] Allí se le unió Avary, quien contribuyó con "Pandemonium Reigns" al proyecto y participó en su reescritura, así como en el desarrollo de las nuevas historias que se vincularían con él. [58] [59] [60] Dos escenas escritas originalmente por Avary para el guion de True Romance , acreditadas exclusivamente a Tarantino, se incorporaron a la apertura de "The Bonnie Situation": los disparos fallidos "milagrosos" del pistolero oculto y el asesinato del automóvil en el asiento trasero. [66] La noción del "limpiador" del mundo del crimen que se convirtió en el corazón del episodio se inspiró en un corto, Curdled , que Tarantino vio en un festival de cine. Eligió a la actriz principal, Angela Jones , para Pulp Fiction y más tarde respaldó la producción de los cineastas de una versión de largometraje de Curdled . [67] El guion incluía un par de marcas comerciales inventadas que a menudo aparecían en películas posteriores de Tarantino: hamburguesas Big Kahuna (un vaso de refresco Big Kahuna aparece en Reservoir Dogs ) y cigarrillos Red Apple. [68] Mientras trabajaba en el guion, Tarantino también acompañó a Reservoir Dogs por los festivales de cine europeos. Estrenada en los Estados Unidos en octubre de 1992, la película fue un éxito crítico y comercial. En enero de 1993, el guion de Pulp Fiction estaba completo. [69] [70]
Tarantino y su productor, Lawrence Bender , llevaron el guion a Jersey Films . Antes incluso de ver Reservoir Dogs , Jersey había intentado fichar a Tarantino para su siguiente proyecto. [71] Finalmente, se había cerrado un acuerdo de desarrollo por valor de alrededor de un millón de dólares: el acuerdo le dio a A Band Apart , la productora recién formada de Bender y Tarantino, financiación inicial e instalaciones de oficina; Jersey obtuvo una parte del proyecto y el derecho a vender el guion a un estudio. [72] [73] [74] [75] Jersey tenía un acuerdo de distribución y "primera vista" con Columbia TriStar , que le pagó a Tarantino por el derecho a considerar ejercer su opción. [46] En febrero, Pulp Fiction apareció en una lista de Variety de películas en preproducción en TriStar . [76] En junio, sin embargo, el estudio puso el guion en marcha . [46] Según un ejecutivo del estudio, el jefe de TriStar, Mike Medavoy, lo encontró "demasiado demente". [77] Hubo sugerencias de que TriStar se resistía a respaldar una película protagonizada por un consumidor de heroína; también hubo indicios de que el estudio simplemente vio el proyecto como de bajo presupuesto para la imagen deseada de estrella. [78] [79] Avary, que estaba a punto de comenzar a rodar su propio debut como director, Killing Zoe , ha dicho que las objeciones de TriStar eran exhaustivas y abarcaban la estructura fundamental del guion. Caracteriza la posición del estudio: " 'Esto es lo peor que se ha escrito jamás. No tiene sentido. Alguien está muerto y luego está vivo. Es demasiado largo, violento e imposible de filmar'. ... Así que pensé: '¡Eso es todo! ' " [66]
Bender llevó el guion a Miramax Films , el estudio anteriormente independiente que había sido recientemente adquirido por Disney . Harvey Weinstein —copresidente de Miramax Films, junto con su hermano Bob— quedó instantáneamente cautivado por el guion y la compañía lo eligió. [80] Michael Shamberg , el productor ejecutivo, reflexionó sobre el proceso de licitación y dijo: "Solo Harvey [Weinstein] presentó una oferta. Harvey creía que estaba involucrado en una guerra de ofertas, pero no lo estaba. Incluso ahora, cada vez que veo a Bob Shaye , expresa su pesar por rechazar Tiempos violentos. Quentin inicialmente quería colaborar con Mike Medavoy , dada la historia de Medavoy con las grandes películas de Orión . Irónicamente, cuando surgió la oportunidad, Mike consideró que el guion era demasiado violento". [56] Pulp Fiction , el primer proyecto de Miramax Films en recibir luz verde tras la adquisición de Disney , tenía un presupuesto de 8,5 millones de dólares y al final se devolvieron 500.000, lo que elevó el presupuesto final a 8 millones de dólares. [a] [56] Según Bender, un presupuesto menor significaba que los productores podían mantener un mayor control sobre la película en sí. [56] Se convirtió en la primera película que Miramax Films financió por completo. [81] Para ayudar a mantener bajos los costos, el plan que ejecutó Bender de pagar a todos los actores principales la misma cantidad por semana, independientemente de su estatus en la industria. [82] [46] El New York Times informó: "La mayoría de los actores recibieron salarios relativamente pequeños junto con un porcentaje de las ganancias". [83] La estrella más importante que firmó para el proyecto fue Bruce Willis . Aunque había aparecido recientemente en varios fracasos de gran presupuesto, seguía siendo una gran atracción en el extranjero. Con la fuerza de su nombre, Miramax Films obtuvo 11 millones de dólares por los derechos mundiales de la película, lo que prácticamente aseguró su rentabilidad. [84] [85]
Danny DeVito , uno de los productores de la película, [86] recuerda que Weinstein sugirió que eligieran a Daniel Day-Lewis , que acababa de ganar un premio de la Academia por Mi pie izquierdo . DeVito respondió afirmando que Tarantino quería a John Travolta y le recordó a Weinstein que tenía la aprobación del reparto y del corte final. Reflexiona: "Creo que él [Weinstein] me llamó de todas las formas posibles, pero, por supuesto, Quentin consiguió lo que quería, y tenía toda la razón, y el resto es historia". [56]
Bender señaló que durante el proceso de casting, si bien la audición inicial de Samuel L. Jackson fue impresionante, otro candidato luego ofreció una actuación que "los dejó boquiabiertos". Esto llevó a Bender a informar al agente de Jackson que tal vez debieran considerar al otro actor. El agente insistió firmemente: "No, no, no, no puedes hacer eso. Sam volverá". Inicialmente dudó en pedirle otra audición, pero descubrió que Jackson creía que simplemente estaba leyendo para el papel, no haciendo una audición, y su regreso posterior resultó en una actuación sobresaliente. [56]
Harvey Keitel jugó un papel crucial en la realización de Reservoir Dogs y presentó a Bruce Willis a Tarantino. Bender y Tarantino fueron a verlo a su casa en Malibú, donde se enteraron de que podía recitar prácticamente toda la película de Reservoir Dogs, una película que amaba. Después de una conversación, Tarantino y Willis dieron un paseo por la playa y, a su regreso, Bruce aceptó unirse a la película. [56]
Tim Roth, inicialmente interesado en el papel destinado a Willis, sugirió a Amanda Plummer como coprotagonista, insistiendo en que ella debería tener un arma, una noción que Tarantino luego incorporó al guión. [56]
La fotografía principal comenzó el 20 de septiembre de 1993. [91] El talento principal fuera de la pantalla había trabajado con Tarantino en Reservoir Dogs : el director de fotografía Andrzej Sekuła , la editora de cine Sally Menke , el diseñador de producción David Wasco y la diseñadora de vestuario Betsy Heimann . Según Tarantino, "[T]eníamos 8 millones de dólares. Quería que pareciera una película de 20 a 25 millones de dólares. Quería que pareciera una epopeya. Es una epopeya en todo: en invención, en ambición, en duración, en alcance, en todo excepto en el precio". [92] La película, dice, se rodó "en película de 50 ASA , que es la más lenta que hacen. La razón por la que la usamos es que crea una imagen casi sin grano , es brillante. Es lo más cercano que tenemos al Technicolor de los años 50 ". [93] La mayor parte del presupuesto - $150,000 - se destinó a crear el set de Jack Rabbit Slim. [82] [94] Fue construido en un almacén de Culver City , donde se unieron varios otros sets, así como las oficinas de producción de la película. [95] La secuencia del restaurante se filmó en Hawthorne en el Hawthorne Grill, conocido por su arquitectura Googie . [96] Para el vestuario, Tarantino se inspiró en el director francés Jean-Pierre Melville , quien creía que la ropa que usaban sus personajes eran sus armaduras simbólicas. [90] Tarantino se eligió a sí mismo para un papel de tamaño modesto como el que tuvo en Reservoir Dogs . Uno de sus tótems pop, Fruit Brute , un cereal de General Mills descontinuado hace mucho tiempo , también regresó de la película anterior. [97] El rodaje finalizó el 30 de noviembre. [98] Antes del estreno de Pulp Fiction , Tarantino convenció a Avary de renunciar a su crédito acordado de coescritura y aceptar un crédito de "historia de", para que la línea "Escrita y dirigida por Quentin Tarantino" pudiera usarse en publicidad y en pantalla. [24]
No se compuso ninguna banda sonora para Pulp Fiction ; Quentin Tarantino en su lugar utilizó una variedad ecléctica de música surf , rock and roll , soul y canciones pop . La interpretación de Dick Dale de « Misirlou » suena durante los créditos iniciales. Tarantino eligió la música surf como el estilo musical básico para la película, pero no, insiste, por su asociación con la cultura del surf: «Para mí, simplemente suena a rock and roll, incluso a música de Morricone . Suena a música spaghetti western de rock and roll ». [99] Tarantino planeó usar una canción power pop , « My Sharona » de The Knack , durante la escena de violación de la película, pero finalmente la descartó. [54]
Algunas de las canciones fueron sugeridas a Tarantino por sus amigos Chuck Kelley y Laura Lovelace, quienes fueron acreditados como consultores musicales. Lovelace también apareció en la película como Laura, una camarera; repite el papel en Jackie Brown . [100] El álbum de la banda sonora fue lanzado junto con la película en 1994. El álbum alcanzó su punto máximo en la lista Billboard 200 en el puesto número 21. [101] El sencillo, la versión de Urge Overkill de la canción de Neil Diamond " Girl, You'll Be a Woman Soon ", alcanzó el puesto número 59. [102]
Estella Tincknell describe cómo la particular combinación de grabaciones conocidas y desconocidas ayuda a establecer la película como un "texto conscientemente 'cool'. [El] uso del estilo mono-tracked, beat-heavy del pop 'underground' estadounidense de principios de los años 1960 mezclado con baladas 'clásicas' como ' Son of a Preacher Man ' de Dusty Springfield es crucial para el conocimiento posmoderno de la película". Contrasta la banda sonora con la de Forrest Gump , la película más taquillera de 1994, que también se basa en grabaciones pop de época: "[L]a versión de 'los años sesenta' que ofrece Pulp Fiction ... ciertamente no es la de la contracultura públicamente reconocida que aparece en Forrest Gump , sino que es, más bien, una forma más genuinamente marginal de subcultura basada en un estilo de vida -surfear, 'pasar el rato'- que es decididamente apolítico". La banda sonora es central, dice, para la vinculación de la película con el "espectador más joven y con conocimientos cinematográficos" al que se dirige. [103]
Pulp Fiction se estrenó en mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes . Los Weinstein "salieron a la playa como comandos", y trajeron a todo el elenco de la película a Francia. [104] La película se presentó en una proyección a medianoche y causó sensación. [105] [106] Ganó la Palma de Oro , el máximo premio del festival, lo que generó otra ola de publicidad. [107]
La primera reseña estadounidense de la película se publicó el 23 de mayo en la revista especializada Variety . Todd McCarthy calificó a Pulp Fiction como una "pieza de cultura pop espectacularmente entretenida... un éxito sorprendente y masivo". [108] Desde Cannes en adelante, Tarantino estuvo de gira continuamente, promocionando la película. [85] Durante los siguientes meses se proyectó en festivales más pequeños en toda Europa, generando entusiasmo: Nottingham, Múnich, Taormina , Locarno, Noruega y San Sebastián . [109] Tarantino dijo más tarde: "Una cosa genial es que al romper la estructura lineal, cuando veo la película con una audiencia, rompe el estado alfa [de la audiencia] . Es como, de repente, 'Tengo que ver esto... Tengo que prestar atención'. Casi puedes sentir a todos moviéndose en sus asientos. En realidad, es divertido ver a una audiencia de alguna manera perseguir una película". [110] A fines de septiembre, inauguró el Festival de Cine de Nueva York . El New York Times publicó su crítica el día del estreno. Janet Maslin calificó la película como un "viaje triunfal y hábilmente desconcertante a través de un mundo marginal que surge enteramente de la imaginación madura de Tarantino, un paisaje de peligro, conmoción, hilaridad y vibrante color local... [Él] ha creado una obra de tal profundidad, ingenio y originalidad deslumbrante que lo coloca en las primeras filas de los cineastas estadounidenses". [106]
El 14 de octubre de 1994, Pulp Fiction se estrenó en Estados Unidos. Como describe Peter Biskind, "no se estrenó en un puñado de salas y se estrenó lentamente de boca en boca, la forma tradicional de estrenar una película independiente ; se estrenó de inmediato en 1.100 salas". [111] A los ojos de algunos críticos culturales, Reservoir Dogs le había dado a Tarantino una reputación de glorificar la violencia. Miramax jugó con el tema en su campaña de marketing: "No conocerás los hechos hasta que hayas visto la ficción", decía un eslogan. [112] Pulp Fiction fue la película más taquillera en la taquilla estadounidense en su primer fin de semana con una recaudación de $ 9.311.882, superando a una película de Sylvester Stallone , The Specialist , que estaba en su segunda semana y se proyectaba en más del doble de salas. La recaudación declarada por Miramax fue cuestionada por otros. Warner Bros. informó inicialmente una recaudación estimada de $8,9 millones para The Specialist , mientras que Bob Weinstein informó luego una recaudación de $9,1 millones para Pulp Fiction , alegando que la película estaba en otras 100 pantallas que anteriormente se habían pasado por alto. Warners luego actualizó su recaudación a $9,3 millones, alegando que habían cometido un error de cálculo. [113] Temprano el lunes por la mañana, Miramax informó una recaudación de $9,3 millones y Warner informó $8,9 millones para The Specialist , colocando a Pulp Fiction en primer lugar, pero otras fuentes de la industria no creyeron en las cifras de Miramax. Variety estimó que Pulp Fiction recaudó entre $8,6 y $9 millones durante el fin de semana. [114]
Contra un presupuesto de 8,5 millones de dólares y unos 10 millones de dólares en gastos de marketing, Pulp Fiction recaudó 107,93 millones de dólares en taquilla en Estados Unidos, convirtiéndose en la primera película de Miramax en superar los 100 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá. [115] A nivel mundial, recaudó casi 213 millones de dólares. [c] En términos de recaudación nacional, fue la décima película más taquillera de 1994, a pesar de que se proyectó en sustancialmente menos pantallas que cualquier otra película entre las 20 mejores. [117] El compromiso popular con la película, como la especulación sobre el contenido del preciado maletín, "indica el tipo de estatus de culto que Pulp Fiction alcanzó casi de inmediato". [118] Como dice MovieMaker , "La película no fue nada menos que un fenómeno cultural nacional". [119] También en el extranjero: en Gran Bretaña, donde se estrenó una semana después de su estreno en Estados Unidos, la película no sólo fue un gran éxito, sino que en formato de libro su guión se convirtió en el más exitoso en la historia editorial del Reino Unido, un éxito de ventas entre los diez primeros. [120]
En el sitio web de agregación de reseñas Rotten Tomatoes , el 92% de las 183 reseñas de los críticos son positivas, con una calificación promedio de 9.3/10. El consenso del sitio web dice: "Al inyectar su compendio de historias de crímenes con el dialecto de la conversación cotidiana, Pulp Fiction es una inyección cinematográfica de adrenalina que consolida al escritor y director Quentin Tarantino como un audaz proveedor de cine asesino". [121] En Metacritic , la película tiene una puntuación media ponderada de 95 sobre 100, basada en 25 críticos, lo que indica "aclamación universal". [122] Las audiencias encuestadas por CinemaScore le dieron a la película una calificación promedio de "B+" en una escala de A+ a F. [123]
La respuesta de los principales críticos cinematográficos estadounidenses fue ampliamente favorable. Roger Ebert la llamó "una comedia sobre sangre, tripas, violencia, sexo extraño, drogas, peleas arregladas, eliminación de cadáveres, fenómenos de cuero y un reloj de pulsera que hace un oscuro viaje a través de las generaciones... El guión de Tarantino y Roger Avary está tan bien escrito de una manera descuidada y de fanzine que dan ganas de restregárselo a las narices de esos escritores zombis que toman clases de 'guion' que les enseñan las fórmulas para las 'películas de éxito ' ". [124] Richard Corliss de TIME escribió: "Se eleva sobre las otras películas del año de manera tan majestuosa y amenazante como un jefe de pandillas en un preescolar. Desafía a las películas de Hollywood a ser tan inteligentes a la hora de llegar tan lejos. Si los buenos directores aceptan el desafío implícito de Tarantino, el cine podría volver a ser un gran lugar para vivir". [125] En Newsweek , David Ansen escribió: "El milagro de Pulp Fiction de Quentin Tarantino es cómo, al estar compuesta de partes de segunda mano y degradadas, logra brillar como algo nuevo". [126] "Te embriaga", escribió Owen Gleiberman de Entertainment Weekly , "alto al redescubrir lo placentera que puede ser una película. No estoy seguro de haber conocido nunca a un cineasta que combinara disciplina y control con una alegría pura y salvaje como lo hace Tarantino". [21] "Hay una patada especial que surge al ver algo tan emocionante y vivo", escribió Peter Travers de Rolling Stone . " Pulp Fiction es indiscutiblemente genial". [127]
El Los Angeles Times fue uno de los pocos medios de comunicación importantes que publicó una crítica negativa sobre la película el fin de semana de estreno. Kenneth Turan escribió: "El guionista y director parece esforzarse por lograr sus efectos. Algunas secuencias, especialmente una que incluye arneses de esclavitud y violación homosexual, tienen la incómoda sensación de desesperación creativa, de alguien que tiene miedo de perder su reputación y busca cualquier forma de ofender sensibilidades". [128] Algunos de los que la reseñaron en las semanas siguientes se opusieron más a la reacción crítica predominante que a la propia Pulp Fiction . Aunque no criticó la película, Stanley Kauffmann de The New Republic sintió que "la forma en que [la] ha sido tan aclamada y babeada raya en lo repugnante. Pulp Fiction alimenta, incita, a la decadencia cultural". [129] En respuesta a las comparaciones entre la película de Tarantino y el trabajo del director de la Nouvelle Vague francesa Jean-Luc Godard , especialmente su primer y más famoso largometraje, Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader escribió: "El hecho de que Pulp Fiction esté cosechando elogios más extravagantes que Breathless dice mucho sobre qué tipo de referencias culturales se consideran más fructíferas, es decir, las que ya tenemos y no deseamos expandir". [130] Al observar en National Review que "ninguna película llega con más publicidad anticipada", John Simon no se dejó intimidar: "la excitación no cura ni el vacío ni la superficialidad". [131]
El debate sobre la película se extendió más allá de las páginas de reseñas, y su violencia fue a menudo el tema principal. En The Washington Post , Donna Britt describió cómo se alegró de no haber visto Pulp Fiction un fin de semana reciente y así evitar "discutir la conmovedora escena en la que un disparo rocía los sesos de alguien en el interior de un automóvil". [132] Algunos comentaristas se opusieron al uso frecuente de la palabra " nigger " (mencionada 18 veces) en la película. En el Chicago Tribune , Todd Boyd argumentó que la recurrencia de la palabra "tiene la capacidad de significar el máximo nivel de modernidad para los hombres blancos que históricamente han utilizado su percepción de la masculinidad negra como la encarnación de lo cool". [133] En Gran Bretaña, James Wood , escribiendo en The Guardian , marcó el tono de muchas críticas posteriores: "Tarantino representa el triunfo final del posmodernismo , que consiste en vaciar la obra de arte de todo contenido, evitando así su capacidad de hacer algo excepto representar impotentemente nuestras agonías... Sólo en esta época un escritor tan talentoso como Tarantino podría producir obras de arte tan vacías, tan completamente despojadas de cualquier política, metafísica o interés moral". [134]
A finales de año, Pulp Fiction fue nombrada Mejor Película por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine , la Junta Nacional de Críticos , la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles , la Sociedad de Críticos de Cine de Boston , la Sociedad de Críticos de Cine de Texas , la Asociación de Críticos de Cine del Sureste y el Círculo de Críticos de Cine de Kansas City. [d] Tarantino fue nombrado Mejor Director por las siete organizaciones, así como por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York [141] y la Asociación de Críticos de Cine de Chicago . [142] El guion ganó varios premios, y varios organismos de adjudicación atribuyeron el crédito de manera diferente. En la 52.ª edición de los Globos de Oro , Tarantino, nombrado como el único destinatario del honor al Mejor Guion, no mencionó a Avary en su discurso de aceptación. [143] En febrero de 1995, la película recibió siete nominaciones al Oscar: Mejor Película, Director, Actor (Travolta), Actor de Reparto (Jackson), Actriz de Reparto (Thurman), Guion Original y Montaje. Travolta, Jackson y Thurman también fueron nominados a los primeros Premios del Sindicato de Actores de Cine , presentados el 25 de febrero, pero ninguno se llevó a casa el honor. [144] En la ceremonia de los Premios de la Academia del mes siguiente, Tarantino y Avary fueron anunciados como ganadores conjuntos del Premio de la Academia al Mejor Guion Original . [145] El furor en torno a la película todavía estaba fuerte: gran parte de la edición de marzo de Artforum se dedicó a su disección crítica. [146] Tiempos violentos obtuvo cuatro honores en los Premios Independent Spirit , celebrados a fines de mes: Mejor Película , Mejor Director , Protagonista Masculino (Jackson) y Mejor Guion (Tarantino). [147] En los Premios de Cine de la Academia Británica (BAFTA), Tarantino y Avary compartieron el Premio BAFTA al Mejor Guion Original , y Jackson ganó como Mejor Actor de Reparto . [148] La película fue nominada al Gran Premio de la Asociación de Críticos de Cine Belga . [149]
La edición de febrero de 2020 de la revista New York Magazine incluye a Pulp Fiction junto con Citizen Kane , Sunset Boulevard , Dr. Strangelove , Butch Cassidy and the Sundance Kid , The Conversation , Nashville , Taxi Driver , The Elephant Man , In the Bedroom , There Will Be Blood y Roma como " Las mejores películas que perdieron el premio a la mejor película en los Oscar ". [150]
Pulp Fiction pasó rápidamente a ser considerada una de las películas más significativas de su época. En 1995, en una edición especial de Siskel & Ebert dedicada a Tarantino, Gene Siskel sostuvo que la obra planteaba un gran desafío a la "osificación de las películas estadounidenses con sus fórmulas brutales". En opinión de Siskel,
La intensidad violenta de Pulp Fiction recuerda a otras películas violentas que marcaron un hito y que se consideraron clásicos en su época y que aún lo son: Psicosis [1960] de Hitchcock , Bonnie y Clyde [1967] de Arthur Penn y La naranja mecánica [1971] de Stanley Kubrick . Cada película sacudió una industria cinematográfica cansada e inflada y utilizó un mundo de delincuentes animados para reflejar lo aburridas que se habían vuelto otras películas. Y ese, predigo, será el máximo honor para Pulp Fiction . Como todas las grandes películas, critica a otras películas. [151]
Ken Dancyger escribe que su "estilo imitativo e innovador" -como el de su predecesor, Reservoir Dogs- representa
Un fenómeno nuevo, la película cuyo estilo se crea a partir del contexto de la vida cinematográfica en lugar de la vida real. La consecuencia es doble: la presunción de un profundo conocimiento por parte del público de esas formas, como las películas de gánsteres o los westerns, las películas de terror o las películas de aventuras, y que la parodia o alteración de esa película crea una nueva forma, una experiencia diferente para el público. [152]
En un discurso que tuvo una amplia repercusión el 31 de mayo de 1995, el líder de la mayoría del Senado y candidato presidencial republicano Bob Dole atacó a la industria del entretenimiento estadounidense por promover "pesadillas de depravación". Pulp Fiction pronto se asoció con sus acusaciones sobre violencia gratuita. Dole no había mencionado la película, sino que citó dos películas menos celebradas basadas en guiones de Tarantino, Natural Born Killers de Oliver Stone y True Romance de Tony Scott . [153] En septiembre de 1996, Dole acusó a Pulp Fiction , que no había visto en ese momento, de promover "el romance de la heroína". [154]
Paula Rabinowitz expresa la opinión general de la industria cinematográfica de que Pulp Fiction "resucitó simultáneamente a John Travolta y al cine negro". [155] En la descripción de Peter Biskind, creó un "frenesí de tipos con armas". [156] La película también ha sido etiquetada como una comedia negra [3] y un " neo-noir ". [157] [158] [159] El crítico Geoffrey O'Brien , sin embargo, argumentó en contra de la clasificación de Pulp Fiction en el género neo-noir: "Las pasiones del noir de antaño , la melancolía inquietante y las escenas de muerte operísticas, estarían completamente fuera de lugar en el país de las maravillas nítido y brillantemente iluminado que Tarantino evoca. [No es] ni neo-noir ni una parodia del noir". [160] De manera similar, Nicholas Christopher la llama "más una película de pandillas que neo-noir", [161] [162] y Foster Hirsch sugiere que su "paisaje de fantasía psicodélica" la caracteriza de manera más definitiva que cualquier etiqueta de género. [163] De todos modos, la influencia estilística de Pulp Fiction pronto se hizo evidente. Menos de un año después del estreno de la película, el crítico británico Jon Ronson asistió a las proyecciones de fin de semestre de la Escuela Nacional de Cine y evaluó el impacto: "De las cinco películas de estudiantes que vi, cuatro incorporaron tiroteos violentos sobre una banda sonora de éxitos pop iconoclastas de los años 70, dos culminaron con todos los personajes principales disparándose entre sí a la vez, y una tenía a dos sicarios discutiendo las idiosincrasias de The Brady Bunch antes de matar a su víctima. Desde Ciudadano Kane, nunca ha aparecido un hombre de una relativa oscuridad para redefinir el arte de hacer películas". [164] Entre las primeras películas de Hollywood citadas como sus imitadoras se encuentran Destiny Turns on the Radio (1995), en la que actuó Tarantino, [151] Things to Do in Denver When You're Dead (1995), [165] y 2 Days in the Valley (1996). [166] "Desencadenó una miríada de clones", escribe Fiona Villella. [167] A nivel internacional, según David Desser , "no solo influyó en una marca británica de cine negro, sino que extendió la visión del cine negro prácticamente por todo el mundo". [168] El efecto de Pulp Fiction en la forma cinematográfica todavía resonaba en 2007, cuando David Denby de The New YorkerSe le atribuye el inicio del ciclo actual de narrativas cinematográficas desordenadas. [169]
Según Variety , la trayectoria de Pulp Fiction desde su lanzamiento en Cannes hasta su éxito comercial "alteró para siempre el juego" del llamado cine independiente . [170] "Consolidó el lugar de Miramax como la superpotencia indie reinante", escribe Biskind. [111] " Pulp se convirtió en la Star Wars de los independientes, haciendo estallar las expectativas de lo que una película independiente podía hacer en taquilla". [171] El gran retorno financiero de la película con su pequeño presupuesto
[172] transform[ó] la actitud de la industria hacia las humildes indies... generando una bandada de divisiones de clásicos que imitaban a las demás... [L]os ejecutivos inteligentes de los estudios de repente se dieron cuenta de que las ganancias y la cuota de mercado, que recibían toda la prensa, no eran lo mismo que las ganancias... Una vez que los estudios se dieron cuenta de que podían explotar las economías de (pequeña) escala, más o menos dejaron de comprar o rehacer las películas ellos mismos, y compraron a los distribuidores, como Disney había hecho con Miramax, o comenzaron sus propios... copiando las estrategias de marketing y distribución de Miramax .
En 2001, Variety , al notar el creciente número de actores que cambiaban de una película de estudio costosa a otra de proyectos independientes o de estilo indie de bajo presupuesto, sugirió que el "momento decisivo para las estrellas de cine" llegó con la decisión de Willis, uno de los actores mejor pagados de Hollywood, de aparecer en Pulp Fiction . [173] En 2024, en el 30 aniversario de la película, la revista escribió que la película "revivió la carrera de John Travolta, acuñó una estrella en Samuel L. Jackson y generó una industria artesanal aún próspera de imitaciones y películas de imitación". [56]
Se la ha descrito como un "evento cultural importante", un "fenómeno internacional" que influyó en la televisión, la música, la literatura y la publicidad. [167] [174] No mucho después de su lanzamiento, fue identificada como un foco de atención significativo dentro de la creciente comunidad de usuarios de Internet. [175] Al agregar Pulp Fiction a su lista de Las grandes películas en 2001, Roger Ebert la llamó "la película más influyente de la década". [176] Cuatro años después, Corliss de Time escribió lo mismo: "(sin lugar a dudas) la película estadounidense más influyente de los años 90". [177]
Varias escenas e imágenes de la película alcanzaron un estatus icónico; en 2008, Entertainment Weekly declaró: "A estas alturas, sería difícil nombrar un momento de la película de Quentin Tarantino que no sea icónico". [5] El diálogo "Royale with Cheese" de Jules y Vincent se hizo famoso. [178] Se hizo referencia a él más de una década y media después en la película de Travolta From Paris with Love . [179] La inyección de adrenalina en el corazón de Mia Wallace está en la lista de "100 mejores momentos de películas" de Premiere . [180] La escena de los personajes de Travolta y Thurman bailando ha sido homenajeada con frecuencia, de manera más inequívoca en la película de 2005 Be Cool , protagonizada por los mismos dos actores. [181] La imagen de los personajes de Travolta y Jackson parados uno al lado del otro con traje y corbata, apuntando con sus armas, también se ha vuelto muy familiar. En 2007, BBC News informó que "los trabajadores del transporte de Londres han pintado sobre un mural icónico del 'artista guerrillero' Banksy ... La imagen mostraba una escena de Pulp Fiction de Quentin Tarantino , con Samuel L. Jackson y John Travolta agarrando plátanos en lugar de armas". [182] Ciertas líneas fueron adoptadas popularmente como frases hechas, en particular la amenaza de Marsellus, "Voy a ponerme medieval en tu trasero". [183] La recitación de "Ezequiel" de Jules fue votada como el cuarto mejor discurso cinematográfico de todos los tiempos en una encuesta de 2004. Uno de los homenajes más notables a la cita "bíblica" de Jules fue uno en el que el propio Jackson participó, cerca del final de Capitán América: El Soldado del Invierno de 2014 , el personaje de Jackson, el coronel Nick Fury , presuntamente muerto, visita su propia lápida, en la que, debajo del nombre de Fury está inscrito "El camino del hombre justo..." Ezequiel 25:17. [184] En 2019, se informó que Dominic Cummings , asesor político especial del primer ministro británico Boris Johnson , citó a Jules diciéndoles a los parlamentarios conservadores que "sean geniales como Fonzies " mientras aumentaba la presión política para solicitar una extensión de la fecha de retirada del Reino Unido de la Unión Europea . [185]
Pulp Fiction ahora aparece en varias evaluaciones críticas de las mejores películas de todos los tiempos. En 2008, Entertainment Weekly la nombró la mejor película del último cuarto de siglo. [5] Ese mismo año, la encuesta "Ten Top Ten" del American Film Institute la ubicó en el puesto número 7 de todos los tiempos en el género de películas de gánsteres. [186] En 2007, fue votada en el puesto 94 en general en la lista de 100 años ... 100 películas del AFI . [187] En 2005, fue nombrada una de las " 100 películas de todos los tiempos de Time ". [177] A septiembre de 2018, es el número 54 en la lista de Metacritic de las puntuaciones más altas de todos los tiempos. [188] La película ocupa un lugar muy alto en las encuestas populares. Una encuesta de Empire de 2008 que combina las opiniones de lectores, profesionales de la industria cinematográfica y críticos nombró a Pulp Fiction como la novena mejor película de todos los tiempos. [189] En una encuesta de lectores de 2006 realizada por la revista británica Total Film , se clasificó como la tercera película número uno de la historia. [190] Fue votada como la cuarta mejor película de todos los tiempos en una encuesta nacional para el Canal 4 de Gran Bretaña en 2001. [191] En 2015, Pulp Fiction ocupó el puesto 28 en la lista de las "100 mejores películas estadounidenses" de la BBC , votada por críticos de cine de todo el mundo. [192]
Tarantino ha declarado que originalmente planeó "hacer una película de Black Mask ", refiriéndose a la revista en gran parte responsable de popularizar la ficción detectivesca dura . "[E]l fue en cierto modo a otro lado". [160] Geoffrey O'Brien ve el resultado como conectado "bastante poderosamente a una tradición pulp paralela: los cuentos de terror y lo siniestro practicados por escritores como Cornell Woolrich [y] Fredric Brown ... Ambos trataron fuertemente en el reino de coincidencias improbables y bromas cósmicas crueles, un reino que Pulp Fiction hace suyo". [193] En particular, O'Brien encuentra una fuerte afinidad entre la intrincada mecánica de la trama y los giros de las novelas de Brown y la estructura recursiva y entrelazada de Pulp Fiction . [194] Philip French describe la narrativa de la película como un "movimiento circular o una cinta de Möbius del tipo que Resnais y Robbe-Grillet admirarían". [195] James Mottram considera al novelista policial Elmore Leonard , cuya influencia Tarantino ha reconocido, como el antecedente literario principal de la película. Sugiere que el "diálogo rico" de Leonard se refleja en la "jerga culturalmente popular" de Tarantino; también señala el agudo y extremadamente oscuro sentido del humor que Leonard aplica al ámbito de la violencia como fuente de inspiración. [196]
El historiador y estudioso del cine Robert Kolker ve los "adornos, la aparente banalidad ingeniosa del diálogo, la ridícula fractura de la temporalidad [como] una pátina sobre un pastiche . El pastiche ... es esencialmente de dos películas que Tarantino parece no poder sacarse de la cabeza: Mean Streets [1973; dirigida por Martin Scorsese , a quien le encantó Tiempos violentos y la forma en que se contaba la película [197] ] y The Killing [1956; dirigida por Stanley Kubrick ]". [198] Contrasta Tiempos violentos con predecesoras del Hollywood posmoderno Hudson Hawk (1991; protagonizada por Willis) y El último gran héroe (1993; protagonizada por Arnold Schwarzenegger ) que "llevaron la broma demasiado lejos ... simplemente se burlaron o sugirieron que eran más inteligentes que la audiencia" y fracasaron. [199] Todd McCarthy escribe que las "impactantes composiciones de pantalla ancha de la película a menudo contienen objetos en primerísimos planos, así como vívidos contrastes, que a veces recuerdan las estrategias visuales de Sergio Leone ", un reconocido héroe de Tarantino. [108] Para Martin Rubin, las "imágenes panorámicas expansivas y de colores brillantes" evocan a directores de comedia como Frank Tashlin y Blake Edwards . [200]
La gran cantidad de alusiones a la cultura pop de la película , que van desde la famosa imagen de la falda de Marilyn Monroe volando sobre una rejilla del metro hasta Jules dirigiéndose a una futura víctima como " Bandada de gaviotas " debido a su corte de pelo, [201] [202] han llevado a muchos críticos a discutirla dentro del marco del posmodernismo . Al describir la película en 2005 como la "obra maestra posmoderna... hasta la fecha" de Tarantino, David Walker escribe que "está marcada por su reverencia lúdica por la década de 1950... y sus referencias constantemente burlonas y a menudo deferentes a otras películas". Caracteriza su técnica narrativa enrevesada como "trucos posmodernos". [203] Al llamar a la película un "collage posmoderno terminalmente moderno", Foster Hirsch encuentra que Pulp Fiction está lejos de ser una obra maestra: "autorizada, influyente y sin sentido". Ambientada "en un mundo que sólo podría existir en las películas", es "un placer culpable suculento, comida chatarra bellamente hecha para cinéfilos ". [204] O'Brien, descartando los intentos de asociar la película con el cine negro , sostiene que " Pulp Fiction es más una visita guiada a un parque temático infernal decorado con detritos culturales, Buddy Holly y Mamie Van Doren , fragmentos de blaxploitation y Roger Corman y Shogun Assassin , música de una estación de oldies de veinticuatro horas para la que todas las décadas desde los cincuenta existen simultáneamente". [160] Catherine Constable toma como ejemplar el momento en el que una aguja llena de adrenalina se hunde en el corazón de la comatosa Mia. Ella propone que "puede verse como una forma de llevar a cabo su resurrección de entre los muertos, que simultáneamente recuerda y socava la convención gótica de la hoguera del vampiro. En este modelo, la referencia a formas y estilos estéticos anteriores va más allá de... el pastiche vacío, y sostiene un modo 'inventivo y afirmativo' de posmodernismo". [205]
Mark T. Conard pregunta: "¿De qué trata la película ?" y responde: " Del nihilismo americano ". [206] Hirsch sugiere: "Si la película trata de algo más que de su propia inteligencia, parece dedicada a la dudosa tesis de que los asesinos a sueldo son parte de la familia humana". [166] Richard Alleva sostiene que " Pulp Fiction tiene tanto que ver con la criminalidad o la violencia reales como Cyrano de Bergerac con las realidades de la Francia del siglo XVII o El prisionero de Zenda con la política de los Balcanes". Lee la película como una forma de romance cuyo atractivo se centra en el discurso no naturalista de los personajes, "inteligentes, mediáticos y obscenamente epigramáticos ". [207] En opinión de Alan Stone, el "diálogo absurdo", como el que se da entre Vincent y Jules en la escena en la que el primero mata accidentalmente a Marvin, "transforma inesperadamente el significado del cliché de la violencia... Pulp Fiction desenmascara el mito machista haciéndolo risible y desheroiza el viaje de poder glorificado por la violencia estándar de Hollywood". [208] Stone lee la película como " políticamente correcta . No hay desnudez ni violencia dirigida contra las mujeres... [Se] celebra la amistad interracial y la diversidad cultural; hay mujeres fuertes y hombres negros fuertes, y el director nada contra la corriente del estereotipo de clase". [208]
Donde Stone ve una celebración, Kolker encuentra un vacío: "La despreocupación posmoderna, la violencia, la homofobia y el racismo de Pulp Fiction eran perfectamente aceptables porque la película no pretendía seriedad y, por lo tanto, no se burlaba de ella". [199] Al llamarla "la cumbre del cine posmoderno de los noventa", explica, "lo posmoderno tiene que ver con las superficies; es una espacialidad aplanada en la que el evento y el personaje están en un estado constante de recordarnos que son figuras de la cultura pop". [209] Según Kolker:
Por eso Pulp Fiction fue tan popular. No porque todos los públicos captaran todas o alguna de sus referencias a Scorsese y Kubrick, sino porque la estructura narrativa y espacial de la película nunca amenazaron con ir más allá de sí mismas y convertirse en algo significativo. El ciclo de chistes racistas y homofóbicos de la película podría amenazar con estallar en una visión bastante desagradable del mundo, pero esta maldad sigue siendo ridiculizada por la intensidad simulada de la acción, la maldad acechante, confrontativa, perversa, confinada y sin aire del mundo que crea Tarantino. [210]
Henry A. Giroux sostiene que Tarantino “vacía la violencia de cualquier consecuencia social crítica, ofreciendo a los espectadores sólo la inmediatez del shock, el humor y la ironía sin introspección como elementos de mediación. Ninguno de estos elementos va más allá de la seducción de la mirada voyeurista... [e]l consumo fácil de imágenes impactantes y deleite alucinatorio”. [211]
En cuanto a la violencia y el nihilismo de la película, Pamela Demory ha sugerido que Pulp Fiction debería verse a la luz de los cuentos de Flannery O'Connor , [212] que también presentan "elementos religiosos, banalidad y violencia con humor grotesco". Al hablar de "la conexión entre la violencia y la redención", Demory concluye que, si bien el propósito de O'Connor es convencer a los lectores "de la poderosa fuerza del mal en el mundo y de nuestra necesidad de gracia", Tarantino "busca demostrar que, a pesar de todo lo que hemos visto en la película -toda la violencia, la degradación, la muerte, el crimen, el comportamiento amoral- la gracia todavía es posible; todavía podría haber un Dios que no nos juzgue por nuestros méritos". [213]
Pulp Fiction está llena de homenajes a otras películas. "Los personajes de Tarantino", escribe Gary Groth , "habitan un mundo donde todo el paisaje está compuesto de productos de Hollywood. Tarantino es un cleptómano cinematográfico; literalmente no puede evitarlo". [214] Dos escenas en particular han provocado una discusión sobre el estilo altamente intertextual de la película . Muchos han asumido que la secuencia de baile en Jack Rabbit Slim's fue pensada como una referencia a la actuación estelar de Travolta como Tony Manero en la histórica Fiebre del sábado noche (1977); Tarantino, sin embargo, atribuye la inspiración a una escena en la película de Jean-Luc Godard Bande à part (1964). Según el cineasta;
Todo el mundo piensa que escribí esta escena sólo para que John Travolta bailara. Pero la escena existía antes de que John Travolta fuera elegido. Pero una vez que lo eligieron, fue como, "Genial. Podemos ver a John bailar. Mucho mejor"... Mis secuencias musicales favoritas siempre han sido las de Godard, porque surgen de la nada. Es tan contagioso, tan amigable. Y el hecho de que no sea un musical, sino que detenga la película para tener una secuencia musical, lo hace aún más dulce. [215]
Jerome Charyn sostiene que, más allá de "mucho mejor", la presencia de Travolta es esencial para el poder de la escena y de la película:
Toda la carrera de Travolta se convierte en una " historia de fondo ", el mito de una estrella de cine que ha caído en desgracia, pero que todavía reside en nuestra memoria como el rey de la música disco. Seguimos esperando que se deshaga de su barriga, se ponga un traje de poliéster blanco y entre en el club Odyssey 2001 en Bay Ridge, Brooklyn, donde bailará para nosotros y nunca, nunca se detendrá. Daniel Day-Lewis no podría haber despertado un anhelo tan poderoso en nosotros. No es parte de la cosmología loca de Estados Unidos... Tony Manero [es] un ángel sentado en el hombro de Vince... El baile real [de Vince y Mia] puede estar más cerca de la coreografía del baile de Anna Karina con sus dos torpes novios gánsteres en Bande à part , pero incluso esa referencia se nos escapa, y estamos de nuevo con Tony... [216]
Estella Tincknell señala que mientras que "el escenario del restaurante parece ser un simulacro de un restaurante de los años cincuenta... el concurso de twist es una secuencia musical que evoca los años sesenta, mientras que la actuación de baile de Travolta inevitablemente hace referencia a los años setenta y a su aparición en Fiebre del sábado noche ... El "pasado" se convierte así en un "pasado" más general en el que los significantes estilísticos de varias décadas se cargan en un único momento". [217] También sostiene que en este pasaje la película "cambia brevemente de su discurso habitualmente irónico a uno que hace referencia a las convenciones del musical cinematográfico clásico y, al hacerlo, hace posible que la película habite un espacio afectivo que va más allá de la alusión estilística". [217]
El momento crucial en el que Marsellus cruza la calle frente al auto de Butch y lo nota evoca la escena en la que el jefe de Marion Crane la ve en circunstancias similares en Psicosis (1960). [218] [219] Marsellus y Butch pronto son capturados por Maynard y Zed, "dos sádicos honkies sacados directamente de Deliverance " (1972), dirigida por John Boorman . [208] Zed comparte nombre con el personaje de Sean Connery en la continuación de Boorman, la película de ciencia ficción Zardoz (1974). Cuando Butch decide rescatar a Marsellus, en palabras de Glyn White, "encuentra un tesoro de elementos con resonancias de héroe de película". [220] Los críticos han identificado estas armas con una variedad de posibles alusiones:
Al final de la escena, una línea portentosa de Marsellus se hace eco de una del drama criminal Charley Varrick (1973), dirigida por otro de los héroes de Tarantino, Don Siegel ; el nombre del personaje que la pronuncia allí es Maynard. [222] [223] [224] [225]
David Bell sostiene que lejos de ir en contra de la "corriente del estereotipo de clase", esta escena, como Deliverance , "moviliza una cierta construcción de la gente pobre del campo blanco -y particularmente su sexualización... 'la expresión sexual rústica a menudo toma la forma de violación homosexual' en las películas estadounidenses". [226] Stephen Paul Miller cree que la escena de Pulp Fiction se asimila mucho más fácilmente que la que se hace eco: "La sodomía perpetrada no es en absoluto tan impactante como lo fue en Deliverance ... La película de los noventa reduce la competencia, el horror y el tabú de los setenta en un juego de adrenalina entretenido y sutil: una ficción, una ficción pulp". [227] Giroux lee el homenaje de la escena de la violación de manera similar: "al final, el uso de la parodia por parte de Tarantino tiene que ver con la repetición, la transgresión y la suavización del rostro de la violencia reduciéndola a la propiedad de la historia del cine". [228] En opinión de Groth, la diferencia crucial es que "en Deliverance la violación creó el dilema moral central de la película, mientras que en Pulp Fiction fue simplemente 'el día más extraño de la vida [de Butch]'". [229] (" American Me también lo hizo", observó Tarantino. "Hay como tres escenas de sexo anal en American Me . ¡Esa es definitivamente la que hay que superar en esa categoría en particular!" [230] )
Neil Fulwood se centra en la selección de armas de Butch y escribe: "Aquí, el amor de Tarantino por las películas es más abierto y sin prejuicios, haciendo un guiño a lo noble y lo notorio, además de burlarse de su propia reputación como un enfant terrible de la violencia cinematográfica. Además, la escena hace un comentario astuto sobre la disposición del cine a aprovechar lo que esté a mano para sus momentos de caos y asesinato". [221] White afirma que "la katana que finalmente, y de manera significativa, selecciona lo identifica con... héroes honorables ". [220] Conard sostiene que los tres primeros elementos simbolizan un nihilismo que Butch está rechazando. La espada japonesa tradicional, en contraste, representa una cultura con un código moral bien definido y, por lo tanto, conecta a Butch con un enfoque más significativo de la vida. [231]
También se muestra la película de motociclistas Nam's Angels y Fabienne la caracteriza como "una película de motos, no estoy segura del nombre". [232]
Robert Miklitsch sostiene que la "telefilia de Tarantino" puede ser más central para la sensibilidad rectora de Pulp Fiction que el amor del cineasta por el rock 'n' roll e incluso el cine:
Hablando de su generación, una que alcanzó la mayoría de edad en los años 70, Tarantino ha comentado que "lo principal que todos compartíamos no era la música, eso era algo de los años sesenta. Nuestra cultura era la televisión". Una lista aleatoria de los programas de televisión a los que se hace referencia en Pulp Fiction confirma su observación: Speed Racer , Clutch Cargo , The Brady Bunch , The Partridge Family , The Avengers , Los tres chiflados , Los Picapiedra , I Spy , Green Acres , Kung Fu , Happy Days y, por último, pero no menos importante, el piloto ficticio de Mia, Fox Force Five . [233]
"La lista anterior, con la posible excepción de Los Vengadores ", escribe Miklitsch, "sugiere que Pulp Fiction tiene menos afinidad electiva con el vanguardismo cinematográfico de Godard que con la programación de las cadenas comerciales". [234] Jonathan Rosenbaum había incluido la televisión en su análisis de la comparación Tarantino/Godard, reconociendo que los directores eran similares en su deseo de meter todo lo que les gusta en la pantalla: "Pero las diferencias entre lo que le gusta a Godard y lo que le gusta a Tarantino y por qué son astronómicas; es como comparar un museo, una biblioteca, un archivo de películas, una tienda de discos y un gran almacén combinados con una máquina de discos, una tienda de alquiler de vídeos y un ejemplar de TV Guide ". [130]
Sharon Willis se centra en la forma en que un programa de televisión ( Clutch Cargo ) marca el comienzo y continúa durante la escena entre el joven Butch y el compañero de armas de su padre. El veterano de la guerra de Vietnam es interpretado por Christopher Walken, cuya presencia en el papel evoca su actuación como soldado traumatizado en la película de la guerra de Vietnam El cazador (1978). Willis escribe que "cuando el capitán Koons entra en la sala de estar, vemos a Walken en su función como una imagen recuperada de un repertorio de versiones televisivas y cinematográficas de la década de 1970 de la masculinidad arruinada en busca de rehabilitación ... [L]a luz gris de la televisión que preside la escena parece inscribir la mirada paternal fantasmal". [235] Miklitsch afirma que, para algunos críticos, la película es un "ejemplo perfecto de la perniciosa influencia viscosa de la cultura de masas ejemplificada por su bestia negra: la televisión". [234] Kolker podría no estar en desacuerdo, argumentando que " Pulp Fiction es un simulacro de nuestra exposición diaria a la televisión; sus homófobos, matones y pervertidos, boxeadores sentimentales y promotores proxenetas se mueven a través de una serie de cuadros de larga duración: miramos, reímos y nos quedamos sin nada que comprender". [210]
La combinación de la misteriosa cerradura de la maleta es 666, el " Número de la Bestia ". Tarantino ha dicho que no hay explicación para su contenido: es simplemente un MacGuffin , un puro recurso argumental . Originalmente, el maletín debía contener diamantes, pero esto se consideró demasiado mundano. Para fines de filmación, contenía una bombilla naranja oculta que producía un brillo de otro mundo cuando se abría el maletín. [238] En una entrevista en video de 2007 con su compañero director y amigo Robert Rodríguez , Tarantino supuestamente "revela" el contenido secreto del maletín, pero la película corta y se salta la escena en el estilo empleado en Grindhouse (2007) de Tarantino y Rodríguez, con un intertítulo que dice "Carrete perdido". La entrevista se reanuda con Rodríguez discutiendo cuán radicalmente el "conocimiento" del contenido del maletín altera la comprensión de la película. [239]
A pesar de las declaraciones de Tarantino, se han propuesto muchas soluciones a lo que un académico llama este "rompecabezas posmoderno inexplicable". [118] A menudo se ha observado una fuerte similitud con la película negra de 1955 de Robert Aldrich Kiss Me Deadly , que presenta un maletín brillante que contiene un explosivo atómico. [229] [240] [241] En su reseña de la película de 1984 de Alex Cox Repo Man en The Daily Telegraph , Nick Cowen y Hari Patience sugieren que Pulp Fiction también puede tener "una deuda de inspiración" con el maletero del coche brillante en esa película. [242] En opinión del académico Paul Gormley, esta conexión con Kiss Me Deadly , y una similar con Raiders of the Lost Ark (1981), permite leer el inquietante resplandor como un símbolo de la violencia en sí. [243] La idea de que el maletín contiene el alma de Marsellus ganó popularidad a mediados de la década de 1990. Al analizar la idea, Roger Ebert la descartó como "nada más que una leyenda urbana ampliamente distribuida a la que la mística de la red le ha dado una falsa credibilidad". [244]
Jules recita ritualmente lo que él describe como un pasaje bíblico, Ezequiel 25:17, antes de ejecutar a alguien. El pasaje se escucha tres veces: en la secuencia introductoria en la que Jules y Vincent recuperan el maletín de Marsellus de manos del condenado Brett; esa misma recitación una segunda vez, al comienzo de "The Bonnie Situation", que se superpone al final de la secuencia anterior; y en el epílogo en el restaurante. La primera versión del pasaje es la siguiente:
El camino del hombre justo está asediado por todos lados por las iniquidades de los egoístas y la tiranía de los hombres malvados. Bendito sea aquel que en nombre de la caridad y la buena voluntad pastorea a los débiles a través del valle de la oscuridad, porque él es verdaderamente el guardián de su hermano y el que encuentra a los niños perdidos. Y yo castigaré con gran venganza y furiosa ira a aquellos que intentan envenenar y destruir a Mis hermanos. Y sabrás que Mi nombre es el Señor cuando ejerza Mi venganza sobre ti.
La segunda versión, de la escena del restaurante, es idéntica excepto por la línea final: "Y sabréis que yo soy el Señor cuando ponga sobre vosotros mi venganza".
Aunque las dos últimas frases del discurso de Jules son similares al pasaje citado, las dos primeras están fabricadas a partir de varias frases bíblicas. [245] El texto de Ezequiel 25 que precede al versículo 17 indica que la ira de Dios es una retribución por la hostilidad de los filisteos . En la versión King James de la que se adaptó el discurso de Jules, Ezequiel 25:17 dice en su totalidad:
Y ejecutaré en ellos gran venganza con reprensiones furiosas; y sabrán que yo soy el SEÑOR, cuando ponga en ellos mi venganza. [246]
La principal inspiración de Tarantino para el discurso fue el trabajo de la estrella de las artes marciales japonesas Sonny Chiba . Su texto y su identificación como Ezequiel 25:17 derivan de un credo casi idéntico que aparece al comienzo de la película de Chiba Karate Kiba ( El guardaespaldas ; 1976), donde se muestra como un texto que se desplaza y es leído por un narrador fuera de pantalla. [247] [248]
La versión que se ve al comienzo de El guardaespaldas (1976) es la siguiente:
El camino del hombre justo y defensor está asediado por todos lados por la iniquidad de los egoístas y la tiranía de los hombres malvados. Bendito sea aquel que, en nombre de la caridad y la buena voluntad, pastorea a los débiles a través del valle de la oscuridad, porque él es verdaderamente el guardián de su hermano y el padre de los hijos perdidos. Y ejecutaré una gran venganza sobre aquellos que envenenan y destruyen a mis hermanos; ¡y sabrán que soy Chiba, el guardaespaldas, cuando ejerza mi venganza sobre ellos!
En la serie de televisión de los años 1980 Kage no Gundan ( Guerreros de las sombras ), el personaje de Chiba sermoneaba al villano de la semana sobre cómo el mundo debe librarse del mal antes de matarlo. [249] Un asesino lanza un sermón bíblico similar en Modesty Blaise , la novela de tapa dura pero estilo pulp con la que Vincent aparece en dos escenas. [250]
Dos críticos que han analizado el papel del discurso encuentran diferentes vínculos entre la transformación de Jules y la cuestión de la posmodernidad . Gormley sostiene que, a diferencia de los otros personajes principales de la película (aparte de Marsellus), Jules es:
vinculado a una "cosa" más allá de la simulación posmoderna... [E]sto es quizás más marcado cuando pasa de ser una simulación de un predicador bautista, recitando a Ezequiel porque era "simplemente una cosa genial para decir..." En su conversión, se muestra que Jules es consciente de un lugar más allá de esta simulación, que, en este caso, la película construye como Dios. [251]
Adele Reinhartz escribe que la "profundidad de la transformación de Jules" está indicada por la diferencia en sus dos interpretaciones del pasaje: "En la primera, es una figura majestuosa e imponente, proclamando la profecía con furia y autocomplacencia... En la segunda... parece ser un tipo de hombre completamente diferente... [E]n un verdadero estilo posmoderno, [él] reflexiona sobre el significado de su discurso y ofrece varias formas diferentes en las que podría relacionarse con su situación actual". [252] De manera similar a Gormley, Conard sostiene que mientras Jules reflexiona sobre el pasaje, se da cuenta de que "se refiere a un marco objetivo de valor y significado que está ausente de su vida"; para Conard, esto contrasta con la representación predominante en la película de una cultura nihilista. [253] Rosenbaum encuentra mucho menos en la revelación de Jules: "El despertar espiritual al final de Pulp Fiction , que Jackson interpreta maravillosamente, es una pieza de jive inspirada abiertamente en las películas de kung-fu. Puede hacerte sentir bien, pero ciertamente no te hace más sabio". [130]
Gran parte de la acción de Pulp Fiction gira en torno a personajes que están en el baño o necesitan usar el inodoro. En menor medida, otras películas de Tarantino también presentan este elemento narrativo. [254] En Jack Rabbit Slim's, Mia va a "empolvarse la nariz", literalmente; esnifa cocaína en el baño, rodeada de un grupo de mujeres que se acicalan en vano. Butch y Fabienne interpretan una escena extendida en el baño de su motel, él en la ducha, ella cepillándose los dientes; a la mañana siguiente, pero solo unos segundos después en el tiempo de pantalla, ella está nuevamente cepillándose los dientes, vigorosamente, después de haberle dado "placer oral" a Butch. Mientras Jules y Vincent se enfrentan a Brett y dos de sus amigos, un cuarto hombre se esconde en el baño; sus acciones conducirán al "momento de claridad" transformador de Jules. Después de la muerte absurda de Marvin, Vincent y Jules se lavan en el baño de Jimmie, donde tienen un altercado por una toalla de mano ensangrentada. [169] Cuando el asalto al restaurante se convierte en un enfrentamiento, "Honey Bunny" se queja: "¡Tengo que ir a hacer pis!". [255]
Como lo describen Peter y Will Brooker, "En tres momentos significativos, Vincent se retira al baño [y] regresa a un mundo completamente cambiado donde la muerte lo amenaza". [256] La amenaza aumenta en magnitud a medida que la narración avanza cronológicamente, y se hace realidad en la tercera instancia:
En el análisis de los Brookers, "A través de Vince... vemos el mundo contemporáneo como algo absolutamente contingente, transformado, desastrosamente, en el instante en que no lo estás mirando". [256] Fraiman encuentra particularmente significativo que Vincent esté leyendo a Modesty Blaise en dos de estos casos. Ella vincula este hecho con la tradicional visión despectiva de las mujeres como "las consumidoras arquetípicas de la literatura pulp":
Al situar la ficción popular en el baño, Tarantino refuerza su asociación con la mierda, algo que ya sugieren los significados del diccionario de la palabra pulp que preceden a la película: materia húmeda e informe; también historias escabrosas en papel barato. Lo que tenemos entonces es una serie de asociaciones dañinas – pulp, mujeres, mierda – que manchan no sólo a los productores masculinos de ficción para el mercado de masas, sino también a los consumidores masculinos. Sentado en el inodoro con su libro, Vincent se feminiza al sentarse en lugar de estar de pie, así como por sus gustos cutres; preocupado por el sexo anal, se lo infantiliza y homosexualiza implícitamente; y el resultado aparentemente inevitable es ser pulverizado por Butch con una metralleta checa M61. Que este destino tiene que ver con los hábitos de lectura de Vincent se sugiere fuertemente por una inclinación lenta desde el libro en el suelo directamente hasta el cadáver derramado en la bañera. [257]
Willis lee Pulp Fiction en una dirección casi exactamente opuesta, y encuentra que "su proyecto general es un impulso para convertir la mierda en oro. Esta es una manera de describir el proyecto de redimir y reciclar la cultura popular, especialmente la cultura popular de la infancia, como es la costumbre de Tarantino y su objetivo declarado". [235] A pesar de eso, sostiene Fraiman, " Pulp Fiction demuestra... que incluso un pulpófilo declarado como Tarantino puede seguir sintiéndose ansioso y emasculado por sus preferencias". [255]
Pulp Fiction ganó ocho premios importantes de un total de veintiséis nominaciones, incluyendo un premio al Mejor Guion Original en la 67.ª edición de los Premios Óscar . [107] [145] [148] [258] [135] Además, en la votación de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine , Samuel L. Jackson fue el subcampeón en las categorías de Mejor Actor y Mejor Actor de Reparto . [135]
Listas del Instituto de Cine Americano
En noviembre de 2021, Miramax presentó una demanda contra Tarantino, que lanzó siete NFT basados en escenas inéditas y sin cortes de Pulp Fiction e incluyendo el guión original escrito a mano "que revela secretos sobre la película y su creador". Miramax afirmó que posee los derechos de la película. [264] Sin embargo, Tarantino impugnó la demanda y afirmó que tenía derechos sobre el guión de la película en forma escrita. [265] El asunto se resolvió más tarde cuando los abogados de Miramax presentaron una breve declaración ante el tribunal: "Las partes acordaron dejar este asunto atrás y esperan colaborar entre sí en proyectos futuros, incluidos posibles NFT". [266]
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True Romance
] no habría sido la última colaboración de [Oldman] con Tarantino si los ejecutivos de TriStar se hubieran salido con la suya... Oldman era la opción preferida para [Lance].
