Dana Schutz (nacida en 1976 en Livonia , Michigan) es una artista estadounidense que vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York . Schutz es conocida por sus pinturas figurativas y gestuales que a menudo toman temas específicos o situaciones narrativas como punto de partida. [1] [2]
Schutz nació y creció en Livonia , Michigan, un suburbio de Detroit . [3] Su madre era profesora de arte en una escuela secundaria y pintora aficionada, [3] su padre era consejero de escuela secundaria. Hijo único, [4] Schutz se graduó en 1995 de la escuela secundaria Adlai E. Stevenson . En 1999, mientras cursaba su licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de Cleveland , Schutz viajó al extranjero para asistir a la Escuela de Arte y Diseño de Norwich en Norwich, Inglaterra . Ese mismo año, participó en el programa de residencia de la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan de Maine y en 2000 completó su BFA a su regreso a Cleveland. En 2002, Schutz recibió su maestría en Bellas Artes de la Universidad de Columbia en la ciudad de Nueva York.
Schutz llamó la atención por primera vez en 2002 con su exposición debut Frank from Observation (2002) en la galería LFL (que luego se convirtió en la galería Zach Feuer ). [5] Esta muestra se basó en la presunción de Schutz como el último pintor, representando el último tema "Frank". Desde entonces, sus temas ficticios han variado desde personas que pueden comerse a sí mismas, un fanático de la gravedad, nacimientos y muertes imaginarios, artistas públicos/privados, situaciones incómodas y objetos mundanos. [6] Con motivo de la retrospectiva del museo de Schutz en el Museo Neuberger , la crítica del New York Times Karen Rosenberg escribió: "La Sra. Schutz se ha convertido en una prestidigitadora confiable de criaturas perversamente grotescas y situaciones absurdas, creadas mediante sus pinceladas vigorosas y salvajemente coloridas. ". [6] Y concluye: "Una y otra vez la Sra. Schutz se ha desafiado a sí misma a encontrar un tema que sea demasiado incómodo, asqueroso, poco práctico o invisible para pintar. Pero todavía tiene que encontrar uno que la deje perpleja". [6] En Shoe , 2002, Dana Schutz retrata un solo zapato gris sobre un material azul pegajoso que se asemeja a la goma de mascar, aparentemente pegado en una línea de tráfico naranja audaz. [7]
Cuando se le preguntó de dónde sacaba el tema, Schutz dijo a Mei Chin de la revista Bomb : "Las pinturas no son autobiográficas [...] Respondo a lo que creo que está sucediendo en el mundo. Las hipótesis en las pinturas pueden actuar como sustitutos o narrativas de fenómenos que siento que están sucediendo en la cultura, en las pinturas, pienso en términos de adjetivos y adverbios. A menudo obtengo información de personas o cosas que veo, una frase o cómo un objeto se relaciona con otro. Construyo las pinturas sobre la marcha." [8]
Jörg Heiser, que ha comparado a Schutz con la pintora austriaca Maria Lassnig , describe la obra en su libro de 2008 De repente : "Sus lienzos son 'demasiado grandes', como las llamativas cadenas de oro son demasiado grandes, pero también escépticos y a veces malos. -temperamento, la forma en que son inteligentes los adolescentes en su desprecio por el esteticismo insulso y la sexualidad descarada de la modernidad pop". En cuanto al color, Heiser añade: "Las pinturas de Schutz favorecen una paleta cuidadosamente elegida de vómito, moho y podredumbre, entre rosa y violeta, turquesa y oliva, ocre y basura". [9]
En un ensayo para el catálogo de Schutz, Dana Schutz: Paintings 2002–2005 , la curadora neoyorquina Katy Siegel [10] abordó el trabajo de Schutz como pinturas que "hablan tan vívidamente de su creación", afirmando que las pinturas son una "alegoría de la proceso de hacer arte." [11] Siegel continúa escribiendo "al representar el proceso de creación como un proceso de dibujar sobre uno mismo, reciclarse y hacerse, Schutz crea un modelo de creación que desdibuja los comienzos y los finales, evitando la génesis dramática del lienzo en blanco modernista, así como el callejón sin salida nihilista de la imagen apropiada de los medios." [11]
En 2012, Schutz presentó su exposición Piano in the Rain en la Petzel Gallery de Nueva York. En su reseña del espectáculo, la crítica del New York Times, Roberta Smith , lo elogió y escribió: "Más que nunca, la Sra. Schutz parece querer que cada trazo y mancha de pintura se registre por separado para que pueda ver a través del lienzo desnudo y reconstruir". Sigue cada uno de sus movimientos mientras aborda sin miedo el flujo de la vida". [12]
Schutz ha mostrado esculturas en 2019 en la Petzel Gallery de Nueva York que primero fueron hechas en arcilla y luego fundidas en bronce. [13] El trabajo de Schutz se incluyó en la exposición de 2022 Mujeres pintando mujeres en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth . [14]
Celebrada en la Galería Zach Feuer del 23 de noviembre de 2002 al 13 de enero de 2003, [15] la exposición de Schutz Frank from Observation se centra en Frank: un hombre rosado de mediana edad. [16] En esta exposición, Frank actúa como la imaginación de Schutz, impartiendo la idea de Schutz de cómo sería el último hombre en la Tierra, si ella fuera el último observador. [17] Schutz describe a Frank como: "un personaje que yo inventé. Él era el último hombre en la tierra y yo era el último público y su último testigo. Él posaba para mí y yo hacía otras personas y eventos a partir de él. " [18]
Una interpretación de la exposición de Schutz es la oportunidad de empezar de nuevo; ni leyes, ni sociedad, ni nadie más que se haga responsable. [19]
En una entrevista con Mei Chin de Bomb Magazine , Schutz dijo que su inspiración para esta colección provino de la pregunta: "¿Cómo sería esta persona si solo hubiera otra persona en la tierra que dijera cómo se ve?" Schutz continúa su explicación con su percepción de la cordura alcanzada: "Existe la sensación de que siempre necesitas a alguien más con quien comprobar la realidad". [17]
La pintura de Dana Schutz del cadáver de Emmett Till , titulada Open Casket , generó protestas cuando se mostró en la Bienal Whitney de 2017 , [20] y hubo demandas para que fuera retirada de la exposición. [21]
La pintura de Schutz de 2016 Open Casket deriva de la fotografía del cadáver mutilado de Emmett Till , cuya madre, Mamie Till Mobley , insistió en un ataúd abierto en su funeral de 1955 porque quería que su comunidad viera lo que le había sucedido a su hijo. Ella había dicho: "Quería que el mundo viera lo que le hicieron a mi bebé". [22] Fotos del funeral del ataúd abierto de Till fueron publicadas en la revista The Chicago Defender y Jet ; [23] el asesinato fue un acontecimiento fundamental en el movimiento de derechos civiles . [24] La artista ha declarado que abordó la pintura desde la perspectiva de una madre y la basó en parte en el relato verbal de la madre de Till acerca de ver a su hijo después de su muerte. [25] [26] El crítico de Art.net Christian Viveros-Fauné describió la obra como "una poderosa reacción pictórica a la infame [fotografía]... el lienzo materializa los profundos cortes y laceraciones retratados en la foto original mediante cartón". alivio." [27]
Algunos se opusieron a la inclusión de la pintura en la Bienal de Whitney de 2017 , [28] hubo debates en línea y los manifestantes bloquearon físicamente la vista de la obra. [29] La artista y graduada de Whitney ISP Hannah Black publicó una carta abierta en Facebook, escribiendo que "no es aceptable que una persona blanca transmute el sufrimiento negro en ganancias y diversión, aunque la práctica se ha normalizado durante mucho tiempo. Aunque la opinión de Schutz La intención puede ser presentar la vergüenza de los blancos, pero esta vergüenza no está representada correctamente como una pintura de un niño negro muerto realizada por un artista blanco... La pintura debe desaparecer". [30] [31] [21]
Schutz respondió: "No sé lo que es ser negro en Estados Unidos, pero sí sé lo que es ser madre. Emmett era el único hijo de Mamie Till. La idea de que algo le pase a su hijo está más allá de la comprensión". . [...] Es fácil para los artistas autocensurarse. Puede ser un espacio para la empatía, un vehículo para la conexión". [32]
Jo Livingstone y Lovia Gyarkye de New Republic argumentaron que Open Casket es una forma de apropiación cultural irrespetuosa hacia la intención de Mobley para las imágenes de su hijo. Al describir cómo la pintura socava la fotografía, escribieron: "Mobley quería que esas fotografías dieran testimonio de la brutalidad racista infligida a su hijo; en cambio, Schutz le ha faltado el respeto a ese acto de dignidad, al desfigurarlas con su propia forma creativa de ver". [33] La académica Christina Sharpe , una de los otros 34 firmantes de la carta de Black, abogó por la destrucción de la pintura para que ni el artista ni los futuros propietarios de la pintura pudieran beneficiarse de ella. [34] Se dice que la obra de Schutz se vende por hasta 482.500 dólares en una subasta , [32] pero la controversia hizo que Schutz retirara la obra de circulación después de la Bienal. Schutz dice que "el cuadro nunca estuvo a la venta y no sentí que fuera apropiado que circulara en el mercado". Además, su ex marchante, Zach Feuer, le dijo que debería sacar la pieza de la Bienal. [35]
La artista, escritora y profesora de arte de la Universidad de Florida Coco Fusco [36] respondió escribiendo: "Me parece alarmante y totalmente desacertado pedir la censura y la destrucción de una obra de arte, sin importar cuál sea su contenido o quién la haya realizado". ". [37] Contextualizó la pintura dentro de una historia del arte antirracista realizada por artistas blancos que se remonta al movimiento abolicionista del siglo XIX . Al intervenir en la discusión, Roberta Smith citó ejemplos de "obras de arte anteriores de quienes cruzaron líneas étnicas en su descripción del trauma social". [25] Smith también posicionó Open Casket en relación con otras pinturas que Schutz ha hecho de cuerpos que han soportado sufrimiento y violencia. Esto incluye Presentation (2005), una obra basada en soldados estadounidenses muertos que regresan a casa después de la guerra en Irak y Afganistán y su invisibilidad en los medios debido a la prohibición militar de fotografiarlos.
En enero de 2019, Ted Loos de The New York Times escribió que "los temblores de [la controversia en torno a Open Casket ] todavía se sienten". Cuando se le preguntó si se arrepentía de haber hecho la obra, dijo que no deseaba no haberla pintado, pero dijo: "Definitivamente me siento en conflicto y muy mal por ello", y el efecto de la controversia ha sido para ella internalizar los puntos de vista de los manifestantes al realizar nuevos trabajos. [35]
Gary Garrels, curador principal del SFMoMA , afirmó que "el debate fue una 'llamada de atención' para el mundo del arte. Reto Thüring, que organizó una exposición individual de su obra en el Museo de Arte de Cleveland y en el ICA de Boston, dijo que " acogió con agrado" los comentarios negativos que recibieron las instituciones por mostrar Open Casket y que fue "una experiencia de aprendizaje" para ellos. [35]
Schutz está representado por Petzel Gallery en Nueva York [38] y Contemporary Fine Arts en Berlín . Las exposiciones individuales del museo incluyen SITE Santa Fe en 2005, el Rose Art Museum en 2006 (una muestra que luego viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland ), Douglas Hyde Gallery en Dublín, Irlanda en 2010, el Museo d'Arte Moderna e Contemporanea. di Trento e Rovereto en Rovereto, Italia en 2010, el Museo Neuberger en Purchase , Nueva York (que viajó al Museo de Arte de Miami y al Museo de Arte Contemporáneo de Denver el año siguiente [39] ), el Hepworth Wakefield del Reino Unido en 2013, la Kestnergesellschaft en Hannover, Alemania en 2014, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston en 2017, [40] y Eating Atom Bombs en la Transformer Station, Cleveland Museum of Art , Cleveland, Ohio en 2018. [40]
Ha participado en exposiciones colectivas como la Bienal de Venecia (2003), la Bienal de Praga (2003), el Gran Nueva York (2005) en el MoMA PS1 , Take Two. Mundos y vistas (2005) en el Museo de Arte Moderno , Dos años (2007) en el Museo Whitney , Eclipse: Arte en una época oscura (2008) en el Moderna Museet de Estocolmo, Después de la naturaleza (2008) en el Nuevo Museo , Riotous Barroco (2012) en Kunsthaus Zürich , Comic Future (2013) en Ballroom Marfa en Marfa, Texas , [40] y en el Musée Rath de Ginebra Le retour des ténèbres (2016) . [41]
El trabajo de Schutz se encuentra en museos y colecciones públicas, incluido el Museo Solomon R. Guggenheim , el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , el Museo Metropolitano de Arte , el Museo de Arte Moderno , el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , el Museo Whitney de Arte Americano , San Museo Francisco de Arte Moderno , [4] Instituto de Arte Contemporáneo, Boston y Museo de Arte de Tel Aviv . [40]
La pintura de Schutz Civil Planning (2004), de la colección del consultor de gestión con sede en Nueva Jersey David Teiger y en beneficio de la Fundación Teiger centrada en las artes, se vendió por 2 millones de dólares en una subasta de Sotheby's en Nueva York, estableciendo un récord mundial para el artista. [42]
Está casada con el artista Ryan Johnson, a quien conoció en una entrevista para ingresar al programa MFA de Columbia. Tienen un hijo y son propietarios de un edificio en Sunset Park, Brooklyn . [4]