Carlos Reygadas Castillo ( pronunciación en español: [ˈkaɾlos rejˈɣaðas] ; nacido el 10 de octubre de 1971) es un cineasta mexicano . Influenciadas por el arte y la filosofía existencialistas, las películas de Reygadas presentan viajes espirituales a los mundos interiores de sus personajes principales, a través de los cuales se exploran temas como el amor, el sufrimiento , la muerte y el significado de la vida.
Reygadas ha sido descrito como "la tercera ola unipersonal del cine mexicano "; [1] sus obras generalmente se consideran películas de arte y son conocidas por su cinematografía expresionista , tomas largas e historias cargadas de emociones. Su primera y tercera película, Japón (2002) y Luz silenciosa (2007), lo convirtieron en uno de los guionistas y directores más destacados de América Latina, y varios críticos han calificado Luz silenciosa como una de las mejores películas de su década. Sus películas Battle in Heaven (2005) y Post Tenebras Lux (2012) dividieron a la crítica.
Ha coproducido a otros directores como Amat Escalante (Sangre, Los Bastardos, Heli) o Pedro Aguilera (La Influencia).
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Reygadas quedó fascinado con el cine por primera vez en 1987, al ver las obras del aclamado cineasta ruso-soviético Andrei Tarkovsky , que había fallecido el año anterior. En 1997, participó en un concurso cinematográfico en Bélgica con su primer cortometraje, Maxhumain .
Dos años después del estreno de Maxhumain , Reygadas comenzó a escribir su primer largometraje. El rodaje de la película, denominada Japón , comenzó en 2001. Una vez terminada, la película fue presentada en el Festival de Cine de Rotterdam y recibió una mención especial para el premio Cámara de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2002 , así como el Premio Coral de el Festival de Cine de La Habana . Muchos críticos [ cita necesaria ] argumentaron que Japón (2002) revolucionó el cine mexicano al desafiar las convenciones de la estructura dramática e inventar un nuevo lenguaje cinematográfico que refleja el mundo sensorial que habitamos los humanos y al mismo tiempo expresa la vida como una experiencia trascendental. El título de la película cuestiona una correlación simplista entre significante y significado , ya que aunque lleva el nombre de Japón , el país insular en sí nunca es retratado, ni siquiera mencionado, de ninguna manera en todo momento; La historia se desarrolla en un remoto y empobrecido pueblo de Hidalgo .
La dura atmósfera de esta región es clara, pero su lejanía también crea un carácter onírico que acentúa la crisis metafísica que vive el protagonista. La trama sigue la ascensión de un hombre a un profundo barranco donde planea suicidarse, pero finalmente se salva cuando se enamora de Ascen (abreviatura de Ascensión), una anciana religiosa e indígena con quien finalmente mantiene relaciones sexuales. La relación entre estos dos personajes tiene un claro significado alegórico que va más allá de su pura fisicalidad y expone el objetivo último de un encuentro, el verdadero propósito de toda conectabilidad humana. En este sentido, si bien Japón se centra en los problemas internos de un solo individuo, y en la relación del protagonista tanto con la anciana como con el entorno rústico donde se desarrolla la historia, en el fondo "revela el potencial que tiene el cine para ser verdaderamente cosmopolita, en la medida en que nos brinda estructuras para desarrollar la empatía hacia lo extraño y lo desconocido, y para comprender más profundamente la división entre uno mismo y el otro". [2]
Japón contiene una serie de escenas de crueldad animal real y la Junta Británica de Clasificación de Películas exigió cortes para su estreno en el Reino Unido de acuerdo con la Ley de Películas Cinematográficas (Animales) de 1937. Las escenas eliminadas se describen como un intento fallido de estrangular a un pájaro que luego tropieza herido en el suelo y un perro es obligado a "cantar" una canción mediante la aplicación de un estímulo doloroso. [3] La película también incluye una escena no simulada de un pájaro que es derribado y luego asesinado cortándole la cabeza, y la matanza (fuera de cámara) de un cerdo. [4]
En la próxima película de Reygadas, el director presenta una vez más una exploración ontológica del interior de sus personajes. En esta ocasión la película sigue a Marcos, un hombre de clase trabajadora, que cae en una crisis existencial cuando un niño secuestrado por su esposa y él, muere trágicamente. El remordimiento de Marcos se vuelve aún más insoportable cuando mata a Ana, la hija de espíritu libre de su empleador, con quien tiene relaciones sexuales. Este asesinato profundiza el sentimiento de culpa de Marco y lo lleva a una larga y dolorosa peregrinación de arrepentimiento a la Basílica de Nuestra Señora de Guadalupe . Durante el viaje, Marcos se transforma en una figura parecida a Cristo que eventualmente asume una función purificadora y de sacrificio cuando muere dentro de la famosa iglesia mexicana. Battle in Heaven compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2005 y ganó notoriedad mundial por su representación gráfica de los encuentros sexuales entre sus personajes. [5]
Al igual que Japón , en su tercera película, Luz silenciosa (2007), Reygadas rompe la noción misma de que el arte en las “naciones en desarrollo” debe leerse como una referencia social, histórica o cultural a su país de origen. una histórica comunidad menonita en Chihuahua, México , cuenta la historia de un hombre casado que se enamora de otra mujer, amenazando así la estabilidad de su familia y su lugar dentro de la comunidad conservadora en la que viven. El diálogo está escrito en lenguaje Plautdietsch . el dialecto bajo alemán de los menonitas, y por lo tanto cuestiona una concepción estereotipada de lo que define a México y a los mexicanos por igual. Además, Luz silenciosa muestra varias similitudes con Ordet (1955) del director danés Carl Theodor Dreyer . la película europea está en gran medida influenciada por ella, acentuando así la universalidad de su obra. El director estadounidense Martin Scorsese describió Silent Light como "una película sorprendente y también muy conmovedora", [6] mientras que Manohla Dargis. del New York Times la calificó como "una historia aparentemente sencilla sobre el perdón" en la que "las imágenes son de una belleza extraordinaria" y "los personajes parecen estar iluminados desde dentro" [1]. [ cita necesaria ] Luz silenciosa recibió críticas muy positivas por parte de la mayoría de los críticos y fue seleccionada como la entrada mexicana para el Oscar a la Mejor Película Extranjera en la 80ª edición de los Premios de la Academia. También fue nominada a Mejor Película Extranjera en la 24ª edición de los Premios Independent Spirit y obtuvo nueve nominaciones, incluidas todas las categorías principales, en los Premios Ariel, los premios del cine nacional mexicano. Además, la película compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2007 y resultó ganadora del Premio del Jurado . [7] La revista Sight & Sound la calificó en el puesto número 6 en su lista de las mejores películas de 2007, mientras que Roger Ebert clasificó la película como una de las diez mejores películas independientes de 2009. [6]
A principios de 2012, Reygadas estrenó Post Tenebras Lux , una película de ficción semiautobiográfica que, según dijo, tiene "sentimientos, recuerdos, sueños, cosas que he esperado, miedos, hechos de mi vida actual". [ cita necesaria ] Como ha escrito la crítica de cine Francine Prose, la película "va y viene entre el presente y el pasado, la realidad y la fantasía, la infancia y la edad adulta [y] nos ofrece un conjunto de imágenes y secuencias a las que regresa repetidamente; con cada De estas repeticiones, la imagen o secuencia adquiere significado, profundidad y matices adicionales". [8] En una entrevista en el Festival de Berlín, Reygadas dijo que "la razón intervendrá lo menos posible, como una pintura expresionista en la que intentas expresar lo que sientes a través de la pintura en lugar de representar cómo se ve algo". [ cita necesaria ] La película se rodó en México, Gran Bretaña, España y Bélgica, todos lugares donde Reygadas ha vivido, y en el Festival de Cine de Cannes de 2012 ganó el premio al Mejor Director . [9]
Actualmente, Reygadas trabaja en su quinta película, titulada Donde nace la vida , (2016) con la colaboración del director de fotografía uruguayo Diego García, quien trabajó en Love de Apichatpong Weerasethakul y en Fogo de Khon Kaen y Yulene Olaizola . El productor ejecutivo de la película y socio comercial de Reygadas desde hace mucho tiempo, Jaime Romandia, ha declarado que la película es “una historia simple pero poderosa de amor y pérdida de amor, en relaciones de pareja abiertas, fases emocionales de caída ambientada en el contexto de la crisis de México. ranchos de toros de lidia”. [10] Además de trabajar en sus propias películas, en 2004 Reygadas también coprodujo la película Sangre dirigida por el joven cineasta Amat Escalante que había trabajado como su asistente en La batalla en el cielo . Presentada en el Festival de Cine de Cannes de 2004 , Sangre ganó en la sección Una Cierta Mirada y también fue proyectada en otros festivales, como el Festival de Cine de Toulouse, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y el Festival de Cine de Austin . Además, ha trabajado con el director y productor español Jaime Rosales (Fresdeval Films), en la película El árbol . Esta coproducción hispano-mexicana fue dirigida por Carlos Serrano Azcona y protagonizada por Bosco Sodi , artista contemporáneo, como personaje principal. La película se presentó en el Festival de Cine de Rotterdam de 2009 y recibió críticas positivas.
El uso de actores no profesionales por parte de Reygadas muestra la influencia de las filosofías neorrealistas italianas en el cine. Si bien esta es una característica que se encuentra en muchas películas independientes, Reygadas también interactúa con sus actores mientras los guía a través de un proceso interno mediante el cual pueden encarnar escenas que son exigentes tanto física como emocionalmente. Reygadas ha comparado metafóricamente la relación entre un director y sus actores con un voto de total confianza en el que ambos se arriesgan y se lanzan a la aventura: "Haz como que soy un escalador y te invito al Everest. Te digo que soy He ido dos veces y hay ciertos riesgos: puedes sufrir un derrame cerebral, caerte o morir por una avalancha. Tú decides si subes o no conmigo y ya está. [11] Para él, el cine está más cerca de la poesía que de las artes dramáticas y, por tanto, más centrado en captar la esencia de un personaje a través de la persona filmada que de la capacidad actoral del individuo.
Se ha dicho que el uso de tomas largas y tomas amplias por parte de Reygadas representa lo sublime como una cualidad estética que se encuentra en la naturaleza, que puede manifestarse tanto como una fuerza vital aterradora como de maneras más sutiles. [ cita necesaria ] Ha optado por rodar todas sus películas menos dos en CinemaScope .