« Tomorrow Never Knows » es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles , escrita principalmente por John Lennon y acreditada a Lennon–McCartney . [9] Fue lanzada en agosto de 1966 como la última pista de su álbum Revolver , aunque fue la primera canción grabada para el LP. La canción marcó un cambio radical para los Beatles, ya que la banda abrazó por completo el potencial del estudio de grabación sin considerar la reproducción de los resultados en concierto.
Al escribir la canción, Lennon se inspiró en sus experiencias con la droga alucinógena LSD y en el libro The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead de Timothy Leary , Richard Alpert y Ralph Metzner , de 1964. La grabación de los Beatles empleó elementos musicales ajenos a la música pop, incluyendo música concreta , composición de vanguardia y manipulación de sonido electroacústico . [10] Presenta un acompañamiento modal de inspiración india de tambura y sitar , zumbido y bajo, con una desviación armónica mínima de un solo acorde, respaldado por un patrón de batería constante pero no estándar; sumado a esto, los loops de cinta preparados por la banda fueron sobregrabados "en vivo" en la pista de ritmo. Parte de la voz de Lennon fue alimentada a través de un gabinete de altavoz Leslie , normalmente utilizado para un órgano Hammond . Las partes de guitarra invertidas y los efectos de la canción marcaron el primer uso de sonidos invertidos en una grabación pop, aunque el lado B de los Beatles de 1966, " Rain ", que grabaron poco después usando la misma técnica, se publicó más de dos meses antes del lanzamiento de Revolver .
"Tomorrow Never Knows" fue una de las primeras y más influyentes grabaciones de los géneros de la música psicodélica y electrónica , en particular por su uso pionero del sampling , la manipulación de cintas y otras técnicas de producción. También introdujo temas líricos que propugnaban la expansión mental, el antimaterialismo y la espiritualidad oriental en la música popular. En el momento de su lanzamiento, la canción fue fuente de confusión y burla por parte de muchos fans y periodistas; desde entonces ha recibido elogios como una representación eficaz de una experiencia psicodélica . Pitchfork colocó la canción en el puesto número 19 de su lista de "Las 200 mejores canciones de la década de 1960", y Rolling Stone la situó en el puesto número 18 de la lista de la revista de las 100 mejores canciones de los Beatles.
John Lennon escribió "Tomorrow Never Knows" en enero de 1966, con letras adaptadas del libro de 1964 The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead de Timothy Leary , Richard Alpert y Ralph Metzner , que a su vez fue adaptado del Libro tibetano de los muertos . [11] Aunque el asistente de los Beatles, Peter Brown, creía que la fuente de Lennon para la letra era el propio Libro tibetano de los muertos , que, según dijo, Lennon había leído bajo la influencia del LSD , [12] George Harrison declaró más tarde que la idea de la letra surgió del libro de Leary, Alpert y Metzner. [13] Paul McCartney recordó que cuando él y Lennon visitaron la recién inaugurada librería Indica , Lennon había estado buscando una copia de The Portable Nietzsche y encontró una copia de The Psychedelic Experience que contenía las líneas: "Siempre que tengas dudas, apaga tu mente, relájate, flota río abajo". [14] En 1980, Lennon dijo que escribió la canción durante su " período del Libro tibetano de los muertos ". [15]
Lennon dijo que compró el libro, se fue a casa, tomó LSD y siguió las instrucciones exactamente como se indica en el texto. [16] [17] El libro sostenía que la " muerte del ego " experimentada bajo la influencia del LSD y otras drogas psicodélicas es esencialmente similar al proceso de morir y requiere una guía similar. [18] [19] Este es un estado del ser conocido por los místicos y maestros orientales como samādhi (un estado de estar totalmente consciente del momento presente; una concentración mental). [ cita requerida ] Harrison cuestionó si Lennon entendía completamente el significado de la letra de la canción:
Básicamente, [la canción] dice de qué se trata la meditación. El objetivo de la meditación es ir más allá (es decir, trascender) el estado de vigilia, el sueño y el sueño... No estoy muy seguro de si John realmente entendió del todo lo que estaba diciendo. Sabía que estaba en lo cierto cuando vio esas palabras y las convirtió en una canción. Pero, ¿haber experimentado de qué se trata realmente la letra de esa canción? No sé si lo entendió del todo. [13]
El título nunca aparece en la letra de la canción. Lennon reveló más tarde que, al igual que « A Hard Day's Night », fue tomado de uno de los malapropismos de Ringo Starr . [16] En una entrevista televisiva a principios de 1964, Starr había pronunciado la frase «El mañana nunca se sabe» al reírse de un incidente que tuvo lugar en la embajada británica en Washington, DC, durante el cual uno de los invitados se había cortado una parte del cabello. [20] [21] La pieza se tituló originalmente «Mark I» [14] [22] y se hizo referencia a ella como tal en la documentación del estudio de EMI hasta que los Beatles estaban remezclando pistas para el álbum Revolver en junio. [23] «The Void» se cita como otro título provisional, pero según el historiador de los Beatles Mark Lewisohn , esto resultó de que Neil Aspinall , el road manager y asistente de la banda , se refiriera a ella como tal en una edición contemporánea de The Beatles Book . [24] Lennon dijo que se decidió por la frase de Starr "para quitarle un poco de filo a la letra filosófica". [25] También dijo que "The Void" habría sido un título más adecuado, pero le preocupaban sus obvias connotaciones de drogas. [26] Según el relato de Aspinall en The Beatles Monthly , la parte musical de la canción fue el resultado del trabajo de los cuatro Beatles para asegurar que la música coincidiera con el poder de la letra de Lennon: "La melodía básica fue escrita durante las primeras horas de la sesión de grabación". [27]
McCartney recordó que, aunque la armonía de la canción se limitaba principalmente al acorde de do , George Martin , el productor de los Beatles, lo aceptó como era y dijo que era "bastante interesante". [13] [nb 1] La estructura armónica se deriva de la música india , un género que Harrison había introducido al sonido de los Beatles a finales de 1965 con su parte de sitar en " Norwegian Wood ", y se basa en un zumbido en do de alto volumen tocado en una tambura . [29] La tonalidad musical de la canción es do mixolidio . [30] El acorde sobre el zumbido es generalmente do mayor, pero algunos cambios a si bemol mayor resultan de modulaciones vocales, así como de bucles de cinta de orquesta y guitarra. [31] [32]
Según el autor Peter Lavezzoli, la composición es la primera canción pop que evita por completo los cambios formales de acordes. [33] [nb 2] A pesar de esta limitación, el musicólogo Dominic Pedler ve el ingenio armónico de los Beatles en las armonías superiores: "Turn off your mind", por ejemplo, es una serie de notas melódicas invariables en E, antes de que "relax" implique un cambio de nota melódica de E a G y "float downstream" un descenso de E a C a G. [37] "It is not killing" implica una serie de tres notas melódicas en G que se elevan en "dying" a un B ♭ , al comienzo del quinto compás del verso, [38] creando un poliacorde de "barra" ♭ VII/I (B ♭ /C). [37] [nb 3] Debido a la adherencia de Lennon al texto de Leary, "Tomorrow Never Knows" también fue la primera canción de los Beatles en alejarse de cualquier forma de esquema de rima. [22]
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«Tomorrow Never Knows» fue la primera canción que intentaron durante las sesiones de grabación de Revolver , [40] que comenzaron a las 8 pm del 6 de abril de 1966, [41] en el Estudio 3 de EMI Studios (posteriormente Abbey Road Studios ). [14] Geoff Emerick , quien fue ascendido al puesto de ingeniero de grabación de los Beatles para Revolver , recordó que la banda «nos alentó a romper las reglas» y garantizar que cada instrumento «debiera sonar diferente a sí mismo». [42] Lennon buscó capturar la atmósfera de una ceremonia budista tibetana ; [43] le dijo a Martin que la canción debería sonar como si estuviera siendo cantada por mil monjes tibetanos, con su voz evocando al Dalai Lama cantando desde la cima de una montaña. [44] [45] Este último efecto se logró utilizando un altavoz Leslie. Cuando se le explicó el concepto a Lennon, preguntó si se podía lograr el mismo efecto colgándolo boca abajo y haciéndolo girar alrededor de un micrófono mientras cantaba. [14] [46] Emerick hizo un conector para entrar en el circuito electrónico del gabinete Leslie y luego volvió a grabar la voz tal como salía del altavoz giratorio. [47] [48]
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En relación con su enfoque al grabar Rubber Soul a finales del año anterior, los Beatles y Martin adoptaron la idea del estudio de grabación como un instrumento en Revolver , particularmente en «Tomorrow Never Knows». [49] Como Lennon odiaba hacer una segunda toma para duplicar su voz, Ken Townsend , el director técnico del estudio, desarrolló una forma alternativa de doble seguimiento llamada sistema de doble seguimiento artificial (ADT), tomando la señal del cabezal de sincronización de una máquina de cinta y retrasándola ligeramente a través de una segunda máquina de cinta. [50] Las dos máquinas de cinta utilizadas no estaban impulsadas por la red eléctrica, sino por un generador separado que emitía una frecuencia particular, la misma para ambas, manteniéndolas así bloqueadas entre sí. [50] Al alterar la velocidad y las frecuencias, podía crear varios efectos, que los Beatles utilizaron a lo largo de la grabación de Revolver . [51] La voz de Lennon tiene doble seguimiento en los primeros tres versos de la canción: el efecto del gabinete Leslie se puede escuchar después del solo de guitarra (al revés). [52]
La canción incluye la batería altamente comprimida que los Beatles preferían en ese momento, con platillos invertidos, guitarra invertida, voces procesadas, efectos de cinta en bucle y un zumbido de sitar y tambura. [46] En la descripción del musicólogo Russell Reising, el "estado meditativo" de una experiencia psicodélica se transmite a través del zumbido musical, mejorando la imaginería lírica, mientras que el "zumbido" de un "subidón" inducido por drogas se reproduce sonoramente en el ritmo de tambura de Harrison y el sonido de batería muy tratado de Starr. [38] A pesar de los cambios de acordes implícitos en los versos y repetidamente al final de la canción, [38] el bajo de McCartney mantiene un ostinato constante en C. [53] Reising escribe sobre la parte de batería:
El acompañamiento de Starr a lo largo de la pieza consiste en una especie de marcha tambaleante, que proporciona un poco de interrupción temporal... [El] primer acento de cada compás cae en el primer tiempo del compás y el segundo estrés ocurre en la segunda mitad del tercer cuarto del compás, semicorcheas dobles en una anticipación tartamudeante del énfasis rítmico normal en el segundo tiempo de fondo, difícilmente un gesto clásico del rock and roll. [38]
El uso de bucles de cinta de audio de ¼ de pulgada resultó principalmente de la admiración de McCartney por Gesang der Jünglinge de Stockhausen . [54] [55] Al desactivar el cabezal de borrado de una grabadora de cinta y luego enrollar un bucle continuo de cinta a través de la máquina mientras se grababa, la cinta se sobregrabaría constantemente , creando un efecto de saturación, una técnica también utilizada en la música concreta . [54] La cinta también podía ser inducida a ir más rápido o más lento. McCartney alentó a los otros Beatles a usar los mismos efectos y crear sus propios bucles. [32] Después de experimentar por su cuenta, los diversos Beatles proporcionaron un total de "30 o más" bucles de cinta a Martin, quien seleccionó 16 para usar en la canción. [56] Cada bucle tenía una duración de aproximadamente seis segundos. [56]
La sobregrabación de los loops de cinta tuvo lugar el 7 de abril. [46] Los loops se reprodujeron en máquinas de cinta BTR3 ubicadas en varios estudios del edificio Abbey Road [57] y controladas por técnicos de EMI en el Estudio Tres. [58] Cada máquina era monitoreada por un técnico, que tenía que sostener un lápiz dentro de cada loop para mantener la tensión. [56] Los cuatro Beatles controlaban los faders de la consola de mezcla mientras Martin variaba el paneo estéreo y Emerick observaba los medidores. [59] [60] Se usaron ocho de las cintas a la vez, cambiándolas a mitad de la canción. [59] Las cintas se hicieron (como la mayoría de los otros loops) por superposición y aceleración. [61] [62] Según Martin, la mezcla final de los loops de cinta no se podía repetir debido a la forma compleja y aleatoria en la que se superponían a la música. [13] Harrison describió de manera similar la mezcla de loops como "espontánea", dado que cada pasada podría favorecer diferentes sonidos sobre otro. [13]
En la versión final de la canción destacan cinco bucles de cinta. Según el autor Ian MacDonald , que escribió en la década de 1990, estos bucles contienen lo siguiente:
El autor Robert Rodríguez escribe que el contenido de los cinco bucles ha seguido invitando al debate entre los comentaristas, sin embargo, y que la manipulación aplicada a cada una de las grabaciones ha hecho que sea imposible descifrarlas con autoridad. [64] Basándose en las opiniones más extendidas, dice que, aparte de la risa de McCartney y el acorde de si bemol mayor , los sonidos eran dos bucles de pasajes de sitar, ambos invertidos y acelerados, y un bucle de voces de cuerdas y metales de mellotron. [65] En su libro de 2006 Recording the Beatles , Kevin Ryan y Brian Kehew enumeran dos bucles de grabaciones de sitar pero, en lugar de mellotron, enumeran una mandolina o una guitarra acústica, tratadas con eco de cinta . [20] [66] En lugar de volver a la práctica estándar al tener un solo de guitarra en medio de la canción, la pista incluye lo que McCartney describió como un "solo de cinta". [67] Esta sección, sin embargo, incluye una parte de guitarra principal interpretada por Harrison [66] y grabada con la cinta funcionando al revés, para complementar los sonidos. [68]
Las sobregrabaciones finales se grabaron el 22 de abril. [69] Según Lewisohn, que tuvo acceso a los registros y notas de los estudios de EMI, estas sobregrabaciones comprendían el sitar de Harrison y la parte vocal de Lennon tratada con Leslie. [70] [nb 4]
Lennon le dijo más tarde al biógrafo de los Beatles, Hunter Davies : "Debería haber intentado acercarme a mi idea original, los monjes cantando. Ahora me doy cuenta de que eso era lo que quería". [47] [72] La primera toma descartada se publicó en la compilación Anthology 2 en 1996. [72] [45]
Aunque destaca " Love You To " como un ejemplo de la exploración completa de la forma musical india por parte de los Beatles durante las sesiones de Revolver, el historiador musical Simon Philo identifica "Tomorrow Never Knows" como la canción que "hizo pocas o ninguna concesión a la fórmula, y por lo tanto confirmó que los Beatles habían avanzado inequívocamente. 'Tomorrow Never Knows' era apenas una canción, y mucho menos una canción pop". [ 73] El musicólogo William Echard la describe como un ejemplo de una canción de raga rock "que se codea con la vanguardia clásica". [4] Después de completar la grabación, McCartney estaba ansioso por medir la reacción de los contemporáneos de la banda. El 2 de mayo, le tocó la canción a Bob Dylan en la suite del hotel de este último en Londres; cuando comenzó la canción, Dylan dijo despectivamente: "Oh, lo entiendo. Ya no quieres ser lindo". [74] Según Marianne Faithfull , que también estaba presente, Dylan luego salió de la habitación. [75] McCartney recordó que cuando los Beatles tocaron la canción para los miembros de los Rolling Stones y los Who , "visiblemente se sentaron y estaban interesados", mientras que Cilla Black "simplemente se rió". [76]
Después de experimentar con las técnicas de "Tomorrow Never Knows", los Beatles utilizaron sonidos invertidos y variaciones de velocidad de cinta de forma extensiva durante las sesiones de Revolver . [77] [78] En " Rain ", que se publicó como el lado B de su sencillo " Paperback Writer " en mayo de 1966, parte de la pista vocal de Lennon se repitió al revés sobre la coda, [79] mientras que Harrison planificó y grabó sus partes de guitarra principal para " I'm Only Sleeping " con la dirección de la cinta invertida, para lograr un efecto dislocado. [80] [81] [nb 5]
Tony Hall , una figura de la industria musical y periodista con reputación de predecir tendencias, también escuchó un adelanto de la canción, junto con otras pistas de las primeras sesiones. [83] Escribiendo en su columna para Record Mirror en la edición del 14 de mayo, Hall destacó especialmente "The Void" al describir las nuevas canciones como "las más revolucionarias jamás hechas por un grupo pop". [nb 6] Centrándose en los efectos electrónicos de otro mundo, escribió: "En cuanto al sonido, es como un viaje hipnóticamente horrible a través de la oscura jungla interminable de la mente de alguien ... Y el efecto es de formas, sonidos y colores que se ciernen sobre uno y se acercan y se alejan de un zumbido monótono". [85] Hall agregó que la pista era "tan revolucionaria como Ornette Coleman apareció en la escena del jazz hace una década", antes de concluir: "[Los Beatles] están muy por delante. Y estoy deseando escuchar su reacción cuando finalmente se publique el álbum". [84]
"Tomorrow Never Knows" fue la canción más experimental y psicodélica de Revolver , tanto en su estructura como en su producción... [L]as letras eran reflexiones filosóficas, existenciales, a veces inescrutables sobre el estado del ser: un tema pesado para la música popular, ya sea en 1966 o cualquier otro año. [86]
– El crítico musical Richie Unterberger
"Tomorrow Never Knows" fue secuenciada como la última pista de Revolver , que el sello Parlophone de EMI lanzó el 5 de agosto de 1966. [87] [88] Según el autor Mark Hertsgaard , como la primera canción grabada durante las sesiones de Revolver , su secuenciación asegura que la pista sirva como "la cumbre a la que asciende todo el álbum". [89] En su diseño para la portada del LP, Klaus Voormann se inspiró en la canción, reconociendo la necesidad de una obra de arte que capturara la nueva dirección de los Beatles [90] y el aspecto vanguardista de la grabación. [91] Voormann dijo más tarde que encontró "Tomorrow Never Knows" "aterradora", y agregó que estaba "tan lejos del material inicial de los Beatles que incluso yo mismo pensé, bueno, el tipo normal de fan de los Beatles no querrá comprar este disco. Pero lo hicieron". [92] En una entrevista en octubre de 1966, Harrison describió la canción como "fácilmente la cosa más sorprendente que jamás hayamos creado", pero reconoció que podría representar "un terrible desastre de sonido" para los oyentes que se acercaran a la canción sin "los oídos abiertos". Añadió: "Es como la música india. No debes escuchar música oriental con un oído occidental". [66]
Antes del lanzamiento, EMI había distribuido las canciones a las estaciones de radio durante todo julio, en incrementos, para preparar a la audiencia de los Beatles para la nueva música. "Tomorrow Never Knows" fue la última canción en recibir una emisión pública, unos días antes de que el álbum fuera lanzado comercialmente. [93] La reacción a Revolver fue "generalmente extática", según MacDonald, con los oyentes maravillándose de la "invención auditiva" del álbum. [94] Sin embargo, para los fanáticos menos progresistas de los Beatles, los cambios radicales en el sonido de la banda fueron la fuente de confusión. [95] [96] El editor de la revista australiana para adolescentes Mirabelle escribió: "Todo el mundo, desde Brisbane hasta Bootle, odia esa canción tonta que Lennon cantó al final de Revolver ". [76] Al recordar el lanzamiento en su libro de 1977 The Beatles Forever , Nicholas Schaffner comentó que mientras los fans más tradicionales del grupo se entusiasmaron con las nuevas canciones de McCartney, "algunas personas pensaron que Lennon estaba diciendo tonterías y concluyeron que el pobre muchacho se había desviado del camino". [97] [nb 7]
En 1966, cuando tenía 16 años, el autor y académico Nick Bromell afirma que las drogas psicodélicas estaban a un año de "irrumpir" en la cultura juvenil estadounidense, y la mayoría de los oyentes contemporáneos percibían "extrañeza, extrañeza pura y escandalosa" en la canción. [99] Añade: "'Tomorrow Never Knows' era un enigma que entenderían sólo gradualmente, a través de muchas escuchas y durante muchos meses. La oyeron, ante todo, como un lugar donde vivir, no como una respuesta o una liberación". [100]
En su reseña del álbum para NME , Allen Evans expresó su confusión sobre «Tomorrow Never Knows». [101] En respuesta a la exhortación de la letra a «relajarse y flotar río abajo», escribió: «¿Pero cómo puedes relajarte con los ruidos electrónicos del espacio exterior, que a menudo suenan como gaviotas? ... Solo la batería firme como una roca de Ringo es natural». [102] Peter Jones de Record Mirror comentó: «Necesitas algún tipo de microscopio auditivo para obtener el mensaje de esto. Pero es una escucha condenadamente convincente». [103] La reseña de Revolver de Disc and Music Echo tomó la forma de un resumen pista por pista de Ray Davies de los Kinks , quien, en opinión del autor Steve Turner , aprovechó la oportunidad para ventilar su amargura de larga data hacia los Beatles. [104] Davies no estaba impresionado con la pista, [105] y concluyó que la banda debe haber tenido a «George Martin atado a un tótem cuando hicieron esto». [106]
En un artículo publicado recientemente en Crawdaddy!, Paul Williams ridiculizó «Tomorrow Never Knows» y el sencillo del álbum, « Yellow Submarine », diciendo sobre la canción de Lennon: «Un buen artista no publica borradores». [107] Edward Greenfield de The Guardian describió la canción como «el elemento más notable de un nuevo disco compulsivo». Dijo que la letra era una «curiosa especie de poesía» que transmitía el concepto de «la música pop como sustituto, tanto de las emociones de la jungla como de los consuelos de la religión», ya que los adolescentes seguían la larga tradición social de desconectar la mente y entregarse «al líder tribal, al sacerdote o ahora al cantante pop». Greenfield concluyó diciendo: «Gracias a Dios que Lennon está siendo satírico: al menos uno espera que así sea». [108]
En un informe para The Village Voice desde Londres , Richard Goldstein dijo que Revolver había abierto la música electrónica como una propuesta comercial, y agregó: " John Cage , hazte a un lado: los Beatles ahora están llegando a una audiencia súper receptiva con el soul electrónico". Reconoció "Tomorrow Never Knows" como la canción clave en este sentido y concluyó que "ahora habrá que renegociar los límites [de la música pop]". [109] Maureen Cleave de The Evening Standard describió la canción como una "larga y monstruosa pieza de tonterías sobre el amor lo es todo y el amor lo es todo para todos, acentuada por lo que parecen ser gaitas y ruidos zulúes", y agregó: "Incluso esto es apasionante. Nunca he podido recomendar un LP con más convicción". [110]
En 2006, Pitchfork clasificó a «Tomorrow Never Knows» en el puesto número 19 de su lista de «Las 200 mejores canciones de la década de 1960» [111] y la revista Q colocó la canción en el puesto 75 de una lista de «Las 100 mejores canciones de todos los tiempos». [20] «Tomorrow Never Knows» aparece en el puesto número 18 de la lista de las mejores canciones de los Beatles de la revista Rolling Stone [112] y en el puesto número 4 de listas similares compiladas por Uncut en 2001 [113] y Mojo en 2006. [114] En 2018, el personal musical de Time Out London la clasificó en el puesto número 2 de su lista de las mejores canciones de los Beatles. [115]
En 2006, Martin y su hijo, Giles Martin , remezclaron 80 minutos de música de los Beatles para la presentación teatral de Las Vegas Love , una empresa conjunta entre Cirque du Soleil y Apple Corps de los Beatles . [116] En el álbum Love , el ritmo de "Tomorrow Never Knows" se mezcló con la voz y la melodía de " Inside You Without You ", creando una versión diferente de las dos canciones. [117] [118]
En una reseña del álbum para PopMatters , Zeth Lundy escribió: "El mash-up 'Within You Without You'/'Tomorrow Never Knows', quizás la canción más emocionante y efectiva de todo el disco, fusiona dos canciones especialmente trascendentales en una: ... una unión de dos declaraciones ambiguas y abiertas de búsqueda espiritual". [119] En su capítulo sobre el período psicodélico de los Beatles en The Cambridge Companion to the Beatles , los autores Russell Reising y Jim LeBlanc describen "Within You Without You/Tomorrow Never Knows" como "el segmento musical y visualmente más impactante" del espectáculo del Cirque du Soleil. [120] El remix de Love es una de las canciones principales de The Beatles: Rock Band . [121]
Nicholas Schaffner dijo que los oyentes que habían quedado confundidos por la letra de la canción probablemente no estaban familiarizados con las drogas alucinógenas y el mensaje de Timothy Leary, pero que la calidad trascendental se hizo evidente durante la preparación para el Verano del Amor de 1967. [122] Según Colin Larkin , escribiendo en la Enciclopedia de Música Popular , "Tomorrow Never Knows" ha sido reconocida como "la evocación más efectiva de una experiencia con LSD jamás grabada". [123]
Ian MacDonald dice que el mensaje de la canción representaba un concepto revolucionario en la sociedad dominante en 1966, y al introducir el LSD y la "revolución psicodélica" de Leary a la juventud occidental, es "uno de los discos socialmente más influyentes que los Beatles hayan hecho jamás". [124] Añade: "'Tomorrow Never Knows' lanzó el concepto hasta entonces preservado por la élite de la expansión mental al pop, atrayendo simultáneamente la atención sobre las drogas que mejoran la conciencia y las antiguas filosofías religiosas de Oriente, completamente ajenas al pensamiento occidental en su antimaterialismo, pasividad absorta y enfoque escéptico del mundo en la conciencia visionaria". [125]
Según Simon Philo, "Tomorrow Never Knows" fue la canción más innovadora de un álbum que anunció la llegada del sonido "underground London". [126] Barry Miles también lo ve como el punto culminante experimental de Revolver , que recuerda como un "anuncio del underground" y un trabajo que resonó en el nivel del jazz experimental entre los miembros del movimiento, incluidos aquellos que pronto fundaron el UFO Club . [127]
Hernan Campbell de Sputnikmusic reconoce a "Tomorrow Never Knows" como "la composición psicodélica más importante en la historia del género" y "el epítome de todo lo que representa la psicodelia". [128] En opinión del ex editor de Mojo Paul Trynka , la canción se benefició más de la capacidad de los Beatles de canalizar sus ideas en una forma de canción reconocible, una disciplina que aseguró que sus grabaciones psicodélicas fueran superiores a las de Grateful Dead y otros actos contemporáneos de San Francisco . [129] En el artículo destacado de Mojo de 1997 "Psychedelia: The 100 Greatest Classics", Jon Savage incluyó la grabación de abril de 1966 como el primer elemento en su historia cronológica de la psicodelia del Reino Unido, [130] agregando que la canción "impactó inmediatamente en la cultura pop". [131] Según Bromell, escribiendo en su libro Tomorrow Never Knows: Rock and Psychedelics in the 1960s , la canción es "considerada por muchos críticos como la canción de rock más importante de la década". [132]
En su libro Electronic and Experimental Music , Thom Holmes incluye "Tomorrow Never Knows" en su lista de las "obras pioneras" en la música electrónica. Le atribuye a la canción el "inicio de una nueva era en el uso de la música electrónica en el rock y la música pop". [6] Los historiadores musicales David Luhrssen y Michael Larson dicen que con Revolver los Beatles "borraron los límites del tiempo y la cultura", y agregan: "Lo antiguo se encontró con lo moderno en 'Tomorrow Never Knows' como los sitares se encontraron con los bucles de cinta. 'Tomorrow Never Knows' reintrodujo la repetición sostenida del zumbido, ausente en la música occidental desde la Edad Media y descubierto recientemente por el compositor de vanguardia La Monte Young ". [133] Según Peter Lavezzoli, en su libro The Dawn of Indian Music in the West , "'Tomorrow Never Knows' fue la producción más innovadora hasta la fecha en la música popular" y dice que "aún conserva un poder visceral aterrador". [33]
El musicólogo Walter Everett describe a Revolver como "un ejemplo innovador de música electrónica" y dice que "Tomorrow Never Knows" también fue "muy influyente" en el rock psicodélico . [134] [nb 8] Identifica sus efectos de estudio y forma musical como centrales para " Pow R. Toc H. " de Pink Floyd y reconoce el mismo uso de manipulación extrema a velocidad de cinta en grabaciones posteriores de Jimi Hendrix y Frank Zappa , y cintas al revés en el trabajo de Hendrix, Pink Floyd, los Byrds , los Who, los Electric Prunes , Spirit , Tomorrow , Soft Machine y First Edition . También identifica la voz tratada por Leslie como un precedente para la experimentación similar de Hendrix, los Grateful Dead, los Moody Blues , Cream , Yes , Led Zeppelin y Black Sabbath . [136]
Jon Pareles , el crítico principal de música pop de The New York Times , ha descrito "Tomorrow Never Knows" como "un portal a décadas de música por venir". [137] Steve Turner destaca que el muestreo de sonido y la manipulación de cintas tuvieron "un efecto profundo en todos, desde Jimi Hendrix hasta Jay Z ". [138] Habiendo introducido estas técnicas al pop mainstream, Turner escribe que "Tomorrow Never Knows" inspiró el muestreo que se volvió común más de diez años después, como en " Rapper's Delight " de Sugarhill Gang y otros ejemplos de un artista que toma un riff conocido o motivo musical de una canción existente; en My Life in the Bush of Ghosts de David Byrne y Brian Eno , con su uso de muestras vocales y de palabra hablada variadas; en grabaciones de Big Audio Dynamite , que incluían muestras de bandas sonoras de películas; y en Moby 's Play , con su incorporación de pistas vocales poco conocidas y dispares. [138] En 2011, DJ Spooky dijo que la canción de los Beatles permanecía "en el ADN de tantas cosas que suceden hoy en día" y que el uso del " collage de cintas " por sí solo la convierte en una de las primeras pistas en usar el sampling con mucho éxito. También creo que la idea de Brian Eno del estudio como instrumento proviene de este tipo de grabación. [139]
Recordando su introducción a "Tomorrow Never Knows" en 1966, el productor estadounidense Tony Visconti ha dicho: "Fue increíble cómo la música coincidía con la letra y, antes de este álbum, nadie escribía así". También dijo que Revolver "mostró cómo el estudio podía usarse como un instrumento" y contribuyó a su decisión de mudarse a Londres, porque "tuve que aprender cómo la gente hacía discos como este". [140] En su libro de 2004 Sonic Alchemy: Visionary Music Producers and Their Maverick Recordings , David Howard combina el trabajo de Martin en "Tomorrow Never Knows" con la producción de Phil Spector de 1966 de " River Deep - Mountain High " como los dos "logros visionarios en sonido" que aseguraron que "el estudio de grabación era ahora su propio instrumento: la producción de discos se había elevado a arte". [141] [nb 9]
La canción es referenciada en la letra de la canción de Oasis de 1995 " Morning Glory ": "El mañana nunca sabe lo que no sabe demasiado pronto". [143] [144] [nb 10] Los Chemical Brothers se han referido a "Tomorrow Never Knows" como la plantilla para su música; [146] su canción de 1996 " Setting Sun " es un tributo directo a ella, al igual que " Let Forever Be ". John Foxx de Ultravox también citó a "Tomorrow Never Knows" como una influencia, diciendo que "Tan pronto como la escuché, supe que contenía casi todo lo que querría investigar por el resto de mi vida". [129] En 2012, la canción fue incluida como la canción principal del álbum recopilatorio de iTunes de los Beatles Tomorrow Never Knows , que el sitio web de la banda describió como una colección de "las canciones de rock más influyentes de los Beatles". [147]
La canción fue parodiada, como "LS Bumblebee", como parte de un sketch satírico sobre el fenómeno Swinging London en el especial de televisión de Navidad de 1966 Not Only... But Also , [150] que incluyó una aparición especial de Lennon. [151] Cantada por los comediantes Peter Cook y Dudley Moore , ambos vestidos con ropa india, la canción evoca los sonidos de gaviota de "Tomorrow Never Knows" a través de la presencia de un pájaro graznando en el estudio, e incluye letras que juegan con las contradicciones sensoriales de líneas como "Listen to the colour of your dreams" de la canción de los Beatles. [150] [152]
En 1967, Bruce Conner utilizó "Tomorrow Never Knows" como banda sonora de su película experimental inspirada en el LSD Looking for Mushrooms . [153] Al reelaborar la película para una presentación en 1996, Conner reemplazó la canción con una pieza instrumental del compositor de vanguardia Terry Riley . [8]
El título de la canción inspiró el título de la película de aventuras de James Bond de 1997 El mañana nunca muere , cuando el guionista Bruce Feirstein , que todavía buscaba un título, escuchó la canción en la radio. El título original de la película era El mañana nunca miente , pero un error tipográfico lo cambió por el título final. [154]
"Tomorrow Never Knows" apareció durante la escena final del episodio de Mad Men de 2012 " Lady Lazarus ". La esposa de Don Draper, Megan, le da una copia de Revolver , llamando su atención sobre una canción específica y sugiriendo: "Comienza con esta". [155] Draper, un ejecutivo de publicidad, está luchando por comprender la cultura juvenil, pero después de contemplar la canción durante unos momentos desconcertados, la apaga. [156] La canción también se reprodujo durante los créditos finales. [157] Los derechos de la canción le costaron a los productores alrededor de $ 250,000, [156] "aproximadamente cinco veces más que el costo típico de licenciar una canción para televisión". [155]
El hecho de que Tomorrow Never Knows haya sido utilizada dos veces en un programa de televisión estadounidense no producido por Apple utilizando la grabación original (es decir, los derechos de masterización) es algo único en el caso de una canción de los Beatles. Sea cierto o no, The Wall Street Journal informó que Lionsgate afirmó que el uso de esta canción en 2012 marcó "la primera vez que una grabación original de los Beatles ha sido licenciada para un programa de televisión". [158]
Según Ian MacDonald: [159]
Los Beatles
Músico adicional
Don Draper desenvainó un LP
de Revolver
y puso la canción "Tomorrow Never Knows". La reacción general en Twitter fue, "Vaya". Ese sentimiento fue seguido inmediatamente por algo como, "¿Cuánto les costó eso?" Respuesta: alrededor de $ 250,000, según personas familiarizadas con el acuerdo. Eso es aproximadamente cinco veces más que el costo típico de licenciar una canción para televisión. En una entrevista, el creador de la serie
Matthew Weiner
disputó esa cifra, pero se negó a discutir los detalles financieros del acuerdo. Los Beatles sobrevivientes, junto con
Yoko Ono
y
Olivia Harrison
, aprobaron el uso de "Mad Men".
